Unter diesem Motto präsentiert Ihnen unsere Veranstaltungsübersicht die Top-Veranstaltungen im Pfalzbau und in der Eberthalle Ludwigshafen. Konzerte, Events, Comedy, Theater, Sport und Publikumsmessen – das Spektrum ist riesengroß. Wir wünschen Ihnen viel Spaß beim Besuch unserer Veranstaltungen.
Der Trend ist ungebrochen: Handarbeiten, Basteln & kreatives Gestalten stehen nach wie vor in Deutschland ganz hoch im Kurs.
Deshalb findet am 25.+26. Januar 2020 die neunte Rhein-Neckar-Creativ Messe statt. Die Friedrich-Ebert-Halle Ludwigshafen verwandelt sich an diesen beiden Tagen in DEN Treffpunkt für alle kreativen Köpfe, Hobby-Handarbeiter und DIY-Fans. Über 100 Aussteller füllen die Messehalle mit Ideen, Materialien und Workshops rund ums kreative Gestalten, Nähen und Handarbeiten. Die Messe bietet viele Gelegenheiten zum Stöbern, Einkaufen und Mitmachen. Inhaltlich wird alles geboten, was das Herz eines engagierten Bastlers oder ambitionierten Hobbykünstlers höher schlagen lässt. Wolle, Stoffe, Scrapbooking, Perlen, Stempel, Papiere, Kurzwaren, Glasarbeiten und vieles mehr. Über 30 Workshops aus verschiedensten Themenbereichen werden angeboten.
Inszenierung Robert Gerloff Musik Hajo Wiesemann Bühne Gabriela Neubauer Kostüme Johann Hlawica Choreographie Barbora Briešková Licht Christian Schmidt
„Ich wünsche jedem Kind, dass es ein paarmal am rechten Ort und zur rechten Stunde die rechte Geschichte erzählt bekommt.“
Otfried Preußler
Das neueste Abenteuer mit dem weltbekannten Großmaul ist ein Riesenspaß für alle ab 6 Jahren. Hotzenplotz ist aus dem Spritzenhaus entkommen, und wieder einmal hat er Rache geschworen! Kasperl schlägt vor, gemeinsam mit Freund Seppel den Räuber wieder einzufangen, so wie beim letzten Mal. Aber Seppel ruht sich gerade aus und würde den lästigen Hotzenplotz am liebsten „auf den Mond schießen“. Diese flapsige Bemerkung bringt Kasperl auf eine Idee. Das Abenteuer beginnt…
Die von Otfried Preußler als Kasperletheater geschriebene Geschichte ist im Nachlass des Autors von seiner Tochter wiederentdeckt worden und im Mai im Thienemann-Verlag als Buch erschienen. Der Schriftsteller und Dramaturg John von Düffel hat den Stoff für das Theater bearbeitet, hat Liedtexte geschrieben und Szenen hinzuerfunden, die in der Schwerelosigkeit des Mondes spielen. Als der berühmte Räuber hört, dass es auf dem Mond Silber gibt, kann Hotzenplotz natürlich nicht widerstehen. Bereitwillig lässt er sich von seinen Verfolgern Kasperl und Seppel ins vermeintliche All schießen. Zweifel an der Wahrscheinlichkeit der Mondlandung kommen dem einfachen Gemüt des Räubers trotz des kurzen Fluges nicht, und auch die große Maskerade, die Kasperl und Seppel als Mondmenschen spielen, nimmt er für bare Münze.
Dieter Nuhr ist der Meister der entspannten Comedy und der König der befreienden Pointe. In seinem Programm „Kein Scherz!“ beweist er wieder einmal: Das Leben ist kein Witz, kann aber trotzdem Spaß machen. Dieter Nuhr widersetzt sich dem Zeitgeist dauernder Erregung, seziert unser mediengestörtes Weltbild und hält dagegen mit seiner entwaffnenden Unaufgeregtheit. Ja, wir alle wissen, die Welt wird untergehen! Aber es wird voraussichtlich noch ein paar Millionen Jahre dauern.
Dieter Nuhr löst seelische Verkrampfungen durch wohlbegründete Fröhlichkeit. Wer einmal einen Auftritt von ihm erlebt hat, weiß: Was wirklich lustig ist, ist oft kein Scherz!
Dieter Nuhr kontert die ritualisierte Empörung in unserem Land mit abwägenden Gedanken und gelassener Heiterkeit. Er seziert mit seinen entlarvenden Pointen die Verkrampftheit der Ideologen und befreit sein Publikum vom Zwangsdenken der Besserwisser. Seine Abende gelten als heilsame Therapie für Angstgestörte.
Dieter Nuhr löst Verspannungen mit Argumenten und heilt die Weltangst der Zuschauer durch die überwältigende Kraft seiner extrem lustigen Gedanken! Millionen haben seine Auftritte gesehen, seine Sendungen verfolgt und seine Bücher gelesen. Ein Abend mit Dieter Nuhr ist nicht nur saukomisch! Er verdeutlicht auch: Man kann Massen begeistern, in dem man sich dem Mainstream verweigert. Ihm zuzuhören ist ein Genuss.
Nuhr beweist: Humor kann schlau sein, Optimismus ist möglich, Denken macht Spaß! Ein Abend mit Dieter Nuhr zeigt: Die Wirklichkeit ist oft lustiger als jeder Witz, und Lachen ist – das ist kein Scherz! – extrem befreiend!
Inszenierung Yllana: Joe O’Curneen, Fidel Fernández, David Ottone, Marcos Ottone, Juan F. Ramos Sound Alberto Fernández Roda Licht Felipe Ramos Bühne Eduardo Moreno Kostüme Anna Tusell
Eine Gruppe ruchloser GaGsters terrorisiert die Stadt. Lachsalven sind ihre gefürchtete Waffe, und hinter jeder Ecke kann sich der nächste Witz verbergen. Angst macht sich breit. Da tritt eine Mannschaft Polizisten auf den Plan. Sie sind nicht weniger ruchlos und mindestens genauso verrückt wie die von ihnen gejagte Spaßguerilla. Aus dieser hochexplosiven Begegnung entwickelt sich ein Feuerwerk des allerschrägsten Humors. Die neue Show der spanischen Company Yllana ist inspiriert von den Mitteln des Film Noir; eine schwarze Komödie, die keinen Abgrund scheut.
Yllana wurde 1991 in Madrid gegründet und versteht sich als Kollektiv für außergewöhnliche theatrale Events. Das Ensemble beherrscht auf virtuose Weise die Techniken von physical comedy, Pantomime und Clownstheater. Mit originellen Slapsticks und einer sehr besonderen Soundregie wird das komische Potential von Alltagssituationen ausgelotet. In der Welt von Yllana kann alles passieren – Hauptsache, es ist komisch. Die Shows von Yllana wurden inzwischen in über 40 Ländern gezeigt und gastieren auf einschlägigen Festivals wie dem Edinburgh Fringe Festival, Festival d’Avignon, International Theatre Festival Istanbul und vielen anderen.
Inszenierung Karelle Prugnaud Bühne Thierry Grand Kostüme Antonin Boyot-Gellibert Video Tito Gonzalez, Karelle Prugnaud Licht Emmanuel Pestre
Die beiden Schwestern Léonie und Noélie kommen aus dem Arbeitermilieu. Ihre Familie hat so wenig Geld, dass sich die beiden Mädchen ein Paar Schuhe teilen müssen. Es gibt auch nur eine Schultasche, und während die eine in der Schule ist, muss die andere zu Hause bleiben. Bei dem Versuch, ein Wörterbuch zu stehlen, weil das Geld auch dafür nicht reicht, werden sie in flagranti erwischt. Was für ein Einfall, mit zehn Jahren ein Wörterbuch zu klauen. Süßigkeiten, vielleicht, Spielzeug, bestimmt, aber ein Wörterbuch? Man ahnt, dass Léonie und Noélie bereits der Kindheit entwachsen sind. Das unvermeidliche Gedankenspiel „wenn ich groß bin, dann…“ scheint fast wie ein Damokles-Schwert über ihnen zu schweben. Wird die Zeit ausreichen, um alle Wörter aus dem Wörterbuch zu lernen? Während Léonie sprachliche Intelligenz anstrebt, um die Freiheit der Gedanken zu erlangen, springt Noélie über Dächer, um sich körperlich frei zu fühlen. Wenn ihr der Sprung über die Leere unter ihr den Atem genommen hat, wird sie ruhiger.
Nathalie Papin erhielt für Léonie und Noélie den Grand prix dramatique für Jugendliteratur 2016. Sie setzt sich darin mit dem Gegenüber im anderen auseinander, das das eigene Ich spiegelt, aber auch mit dem Gefühl der Einsamkeit und dem Bedürfnis, seine eigene Identität zu finden.
Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!
Inszenierung Ania Michaelis Mit Viola Streicher Bühne Céline Leuchter Kostüme Petra Kather
Die Königin will unbedingt ein Kind. Deshalb isst sie zwei Rosen, obwohl ihr eine alte Frau im Wald extra gesagt hat, sie soll nur eine nehmen. Die Königin dachte, sie würde vielleicht Zwillinge bekommen – einen Jungen und ein Mädchen. Aber was die Königin in Wahrheit bekommt, das ist ein kleiner Lindwurm. Sofort nach seiner Geburt schlüpft er unter das Bett seiner Mutter. Und dort hält er sich von nun auf.
Wie Mann werden? Wie Frau werden? Wie lieben? Nur die kluge Schäferstochter lässt sich nicht fressen. Liebe findet statt – dann mischt Ritter Rot die Karten neu und ein Briefwechsel führt zum Kampf um Leben und Tod.
König Lindwurm ist ein nordisches Märchen. Ein Entwicklungsmärchen, dessen Protagonisten lernen miteinander zu leben. Wie miteinander sprechen? Wie einander lieben? Wie beeinflusst die Geschichte der Eltern die eigene Entwicklung?
Die Grausamkeit des Märchens einerseits und die Verletzlichkeit und der kontrollierte Witz der Spielerin auf der anderen Seite bahnen den Weg der Erzählung. Das Bühnenbild zeigt eine kleine Arena: „Kampfplätze der Liebe“.
Hier findet das Spiel statt: die Suche nach Liebe, das Aushalten von Liebe, das Durcharbeiten der Wünsche, der Irr- und Abwege und im besten Fall: ein Ankommen. Sei es nur für einen Moment und die Dauer eines Feuerwerks.
Musikalische Leitung Uwe Sandner Inszenierung René Zisterer Bühne Agnes Hasun Chor Gerhard Polifka
„La Traviata“ bedeutet wörtlich übersetzt „die vom Weg Abgekommene“ und meint die umschwärmte Kurtisane Violetta Valéry, die das Geheimnis ihrer unheilbaren Krankheit, der Schwindsucht, mit sich trägt. Auf einem ihrer rauschenden Feste lernt Violetta den jungen Alfredo Germont kennen. Zum ersten Mal überhaupt verspürt sie ein Gefühl aufrichtiger, echter Liebe. Sie setzt einen Schlussstrich unter ihr bisheriges Leben und zieht mit Alfredo aufs Land. Aber schon bald setzt Alfredos Vater Violetta unter Druck, Alfredo zu verlassen. Sie kehrt nach Paris in ihr früheres Leben zurück, doch lässt der Schmerz des Verzichts die Krankheit unaufhaltbar ausbrechen. Als Alfredo zu ihr zurückkommt, ist es zu spät: Es bleibt ihnen nur noch eine kurze Illusion von einer gemeinsamen Zukunft, bevor Violetta stirbt.
Giuseppe Verdis Oper La Traviata geht auf den Roman Die Kameliendame von Alexandre Dumas aus dem Jahr 1848 zurück. Der Realismus des in der Gegenwart angesiedelten Stoffes war für das Publikum der Uraufführung 1853 im Teatro La Fenice in Venedig ungewohnt und verstörend. Erst nach und nach wurde Verdis Oper als ein äußerst empfindsam gezeichnetes Seelendrama begriffen und als Meisterwerk erkannt. Die Kunst des italienischen Maestros, einprägsame und berührende Melodien zu erfinden, fand mit La Traviata einen ersten Höhepunkt in seinem Schaffen.
Lassen Sie sich am 8. und 9. Februar in der Friedrich-Ebert-Halle in die gute alte Zeit versetzen, wenn rund 100 Aussteller aus ganz Deutschland und dem benachbarten Ausland ihre ausgefallene und individuelle Ware geschmackvoll präsentieren. Der Veranstalter Inter-Antik Messen GmbH freut sich, nach zweijähriger Pause, wieder die ANTIK-TAGE in der Friedrich-Ebert-Halle ausrichten zu können und verspricht den Besuchern ein hochwertiges und abwechslungsreiches Warenangebot.
Seit vielen Jahren stellt der Markt für alle Sammler und diejenigen, die auf der Suche nach den besonderen Dingen für ihr schönes Zuhause sind, eine feste Größe im Kalender dar. Am 8. und 9. Februar können Marktbesucher wieder auf Entdeckungsreise in die Friedrich-Ebert-Halle ziehen.
Ein umfangreiches Angebot wie antike Möbel, exquisiter Brillantschmuck, Gemälde, Porzellan, seltene Uhren, altes Tafelsilber und Bestecke, antike Lampen und Leuchter, alte Tischwäsche, angesagte Retro Einrichtungsstücke, wunderschöne Vintage Waren, Asiatika oder Jugendstil- und Art Deco-Objekte verlocken zum Kauf.
Die Besucher haben zusätzlich die Möglichkeit an beiden Markttagen, Erbstücke oder Dachbodenfunde mitzubringen, um Alter, Herkunft und Wert kostenlos von einem Experten schätzen zu lassen oder das vor Ort gekaufte direkt begutachten zu lassen.
Moderation Tilman Gersch
Zu Gast Michael Heinz, Mitglied des Vorstands und Arbeitsdirektor der BASF SE und Standortleiter für das Werk Ludwigshafen
Weingut Rings, Freinsheim
Unsere Reihe mit Regionalbezug gibt sich in dieser Saison grenzüberschreitend. Warum? Weil der Rhein, ohne den unsere Stadt und auch der gute Pfälzer Wein nicht denkbar wären, auf seinem langen Weg von der Quelle zur Mündung immerhin vier Länder durchquert und zwei streift. Im Februar 2020 wird der stolze Fluss, den man auch Vater heißt und nach dem einst sogar eine Kartoffel benannt wurde, zum Mittelpunkt unserer Überlegungen. Und schon jetzt dürfen wir Ihnen verraten, dass Michael Heinz, Vorstandsmitglied der BASF SE und Standortleiter des Werks Ludwigshafen, an diesem Abend zu Gast sein wird. Auch beim ersten Wort und Wein im Oktober geht es auf die Reise: Mit Georg Forster, der, wenn er nicht gerade in Mainz Revolution betrieb, zusammen mit James Cook die Welt entdeckte. Davon liest und spricht Frank Vorpahl, aspekte-Redakteur und besessener Forster-Forscher. Das Weihnachts-Spezial im Dezember bietet Verlässliches, und wenn der blaue Flieder wieder blüht und der Spargel fast schon aus der Erde schaut und die Erdbeeren nur noch ein wenig auf sich warten lassen, dann versammeln sich Händler und Händlerinnen des Friesenheimer Wochenmarktes und geben Einblick in das Leben von Frühaufstehern. All das präsentiert und moderiert ein stets gut gelaunter Intendant Tilman Gersch.
Musikalische Leitung Uwe Sandner Inszenierung René Zisterer Bühne Agnes Hasun Chor Gerhard Polifka
„La Traviata“ bedeutet wörtlich übersetzt „die vom Weg Abgekommene“ und meint die umschwärmte Kurtisane Violetta Valéry, die das Geheimnis ihrer unheilbaren Krankheit, der Schwindsucht, mit sich trägt. Auf einem ihrer rauschenden Feste lernt Violetta den jungen Alfredo Germont kennen. Zum ersten Mal überhaupt verspürt sie ein Gefühl aufrichtiger, echter Liebe. Sie setzt einen Schlussstrich unter ihr bisheriges Leben und zieht mit Alfredo aufs Land. Aber schon bald setzt Alfredos Vater Violetta unter Druck, Alfredo zu verlassen. Sie kehrt nach Paris in ihr früheres Leben zurück, doch lässt der Schmerz des Verzichts die Krankheit unaufhaltbar ausbrechen. Als Alfredo zu ihr zurückkommt, ist es zu spät: Es bleibt ihnen nur noch eine kurze Illusion von einer gemeinsamen Zukunft, bevor Violetta stirbt.
Giuseppe Verdis Oper La Traviata geht auf den Roman Die Kameliendame von Alexandre Dumas aus dem Jahr 1848 zurück. Der Realismus des in der Gegenwart angesiedelten Stoffes war für das Publikum der Uraufführung 1853 im Teatro La Fenice in Venedig ungewohnt und verstörend. Erst nach und nach wurde Verdis Oper als ein äußerst empfindsam gezeichnetes Seelendrama begriffen und als Meisterwerk erkannt. Die Kunst des italienischen Maestros, einprägsame und berührende Melodien zu erfinden, fand mit La Traviata einen ersten Höhepunkt in seinem Schaffen.
Choreographie Lisbeth Gruwez Musik Maarten Van Cauwenberghe, Elko Blijweert & Bjorn Eriksson Licht Harry Cole Bühne Marie Szersnovicz
The Sea Within (Das Meer im Inneren) ist eine magnetisierende Tanz-Performance, in der Lisbeth Gruwez nicht länger versucht, das Chaos zu ordnen, sondern das Chaos zu einer eigenen Ordnung finden lässt. Ebenso scharfkantig wie intensiv, stellt sie in ihrem Stück nicht mehr Individuen in den Mittelpunkt wie bei früheren Stücken, sondern sie lässt die Zuschauer daran teilhaben, wie zehn Tänzer allmählich in einer großen, atemberaubenden Landschaft aufgehen. Zum ersten Mal während ihrer Karriere tanzt Gruwez nicht selbst in ihrer Choreographie, sondern sie stellt zehn energetische, kraftvolle Tänzerinnen auf die Bühne, die einen engen Zusammenhalt verkörpern. Gemeinsam exerzieren sie ein neues, zeitgemäßes Ritual, in dem das Wir das Ich umarmt. Maarten Van Cauwenberghe schrieb die elektronische Musik für diese Aufführung. Minimalistische Synthesizer-Klänge und ein prickelndes Spiel mit Frequenzen reizen die Sinneseindrücke bis ins Extreme aus.
Die belgische zeitgenössische Tanz- und Performance-Gruppe Voetvolk wurde 2007 durch die Tänzerin und Choreographin Lisbeth Gruwez und den Musiker und Komponisten Maarten Van Cauwenberghe gegründet, die sich im künstlerischen Umfeld von Jan Fabre kennenlernten.
Zusammen mit Fabre choreographierten sie verschiedene Tanzstücke, u.a. das berühmte Solo Quando l’uomo principale è una donna, bekannt für seine mit Olivenöl getränkte Bühne. Das Werk von Voetvolk stellt seither eine fortlaufende Konversation zwischen körperlicher und auditiver Bewegung dar: Gruwez und Van Cauwenberghe beeinflussen sich gegenseitig mit dem Ziel, eine Symbiose zwischen dem Gehörten und dem körperlich Sichtbaren zu erreichen. Ihre Produktionen waren u.a. beim Festival d‘Avignon, beim Guggenheim Museum in Bilbao und auf der Biennale von Venedig zu sehen.
Inszenierung und Bühne Tilman Gersch Kostüme Miriam Grimm Musik Alex Gunia Dramaturgie und Textfassung Barbara Wendland Mit Jörg Malchow, Luis Quintana, Stefan Schießleder, Meinolf Steiner, Yusuf Beder, Anton Geburek, Mohammed Nick Nayeri
Ein Mann wird seiner gesellschaftlichen Funktion enthoben, seine Werte werden für nichtig erklärt, und auch seine Art der Konfliktlösung gilt plötzlich als überholt. Der Ritter Gottfried von Berlichingen versteht die Welt nicht mehr. Bis jetzt war er nur Gott, seinem Kaiser und seinem Gewissen verpflichtet. Das Wohl der kleinen Leute lag ihm am Herzen, dafür hat er gekämpft, wenn auch mit unkonventionellen Mitteln. Jetzt soll er sich einer allgemeinen Rechtssprechung unterwerfen und einer Moral folgen, mit der er sich nicht identifizieren kann. Kein Wunder, dass er in die Krise gerät.
In einer kompakten Fassung für sieben Spieler untersucht Tilman Gersch den Mythos des Querkopfs mit der eisernen Faust und dem goldenen Herzen. Vier Schauspieler und drei junge Männer aus Ludwigshafen erzählen Goethes frühes Sturm und Drang-Stück auf ihre Weise. Sie zeigen die Ambivalenz des Ausnahmecharakters Götz; seine Unbelehrbarkeit und Selbstüberschätzung genauso wie seine optimistische Kraft und entwaffnende Anarchie. Wenn Gottfried am Ende sagt, er habe sich überlebt, ist das eine kluge Erkenntnis. Ob es eine gute Nachricht ist, muss jeder selbst entscheiden.
Inszenierung und Bühne Julia Kunert Musikalische Leitung Thomas Möckel Kostüme Cornelia Kolditz
Das Cabaret der 1920er und 1930er Jahre war bunt und schrill, zart und unberechenbar. Die Schauspielerinnen Jana Kühn und Isa Weiß stellen in Cabaret Größenwahn einige Highlights dieser historischen Bühnenkunst vor. Dabei erzeugen sie in der Tradition der Brettl-Bühnen und Varietés mit ihren frechen, sarkastischen und zeitkritischen Songs komplexe und begeisternde Liedgeschichten. Bei aller Popularität verlieren die Texte jedoch nicht an melancholischem Zynismus und Scharfsinn. In der Regie von Julia Kunert und den stilechten Kostümen von Cornelia Kolditz tauchen die beiden Darstellerinnen ein in die Welt der Conférenciers, Albernheiten und tiefsinnigen Doppeldeutigkeiten.
Es ist den drei Künstlern sehr gut gelungen, authentisches Zeitkolorit zu malen. Die beiden Sängerinnen singen, spielen und reden genau angemessen – nämlich einerseits unterhaltsam, andererseits aber auch hintersinnig, ja abgründig.
Die Rheinpfalz
LUKOM Ludwigshafener Kongress- und Marketing-Gesellschaft mbH, Bistro Abaco, KV Hans Warsch e.V., KG Klotzgrumbeer e.V., KV Munnemer Göckel e.V.
Die Ludwigshafener Altweiberfasnacht in der Friedrich-Ebert-Halle genießt bei Besuchern aus der gesamten Metropolregion seit vielen Jahren Kultstatus. Für ausgelassene Stimmung sorgt in diesem Jahr wieder die Assenheimer Band Grand Malör. Bis in die frühen Morgenstunden wird zu Live-Musik und DJ-Sounds getanzt und der Start in die heiße Phase der Fasnacht ausgiebig gefeiert.
Choreographie Michael Clark mit Musik von Joni Mitchell Mit dem Lichtdesign von Charles Atlas Mit den Kostümen von Stevie Stewart
Seitdem sich Michael Clark in den 1980er Jahren als Naturtalent an der Londoner Royal Ballet School erwies, wurde er zur treibenden Kraft des innovativen Tanzes. Von Anfang an zeichneten sich Clanks Aufführungen durch eine Mischung aus technischer Präzision und umwerfenden, fein abgestimmten Choreographien aus, die mit Punk-, Dada-, Pop-, und Rock-Elementen durchzogen sind. Seine Produktionen beschreiten oftmals neue Wege und elektrifizieren und begeistern das Publikum. Im Jahr 1984 gründete Michael Clark seine eigene Company, die seitdem weltweit an führenden Häusern in Europa, Nord- und Südamerika, Asien und Australien sowie auf der Bühne des Barbican in London auftritt, wo sie seit 2005 ihren festen Sitz hat. Die Michael Clarks Company hat den Tanz an neue Zielgruppen herangeführt, indem sie an ungewöhnlichen Veranstaltungsorten wie das Glastonbury Festival, den legendären Barrowland Ballroom in Glasgow sowie in zeitgenössische Kunstmuseen wie z.B. die Tate Modern in London und das Whitney Museum in New York eingeladen wurde. Ergänzend dazu gab es Kooperationen mit führenden Künstlern, Modedesign, Musikern und Filmproduzenten.
Inszenierung und musikalische Leitung Sven Daniel Bühler
Die beiden Schauspieler Sven Daniel Bühler und Meik van Severen, Bühnenstars aus der Karlsruher Hair-Aufführung, mixen die besten Lovesongs der 70er, 80er, 90er mit einer tödlichen Liebesgeschichte aus Don Quijote. Bühler, manchem Zuschauer vielleicht noch als Sir Lancelot aus dem Artus-Musical Spamalot in Erinnerung, bringt mit seinem Kollegen in einer lockeren Zusammenstellung bekannter Liebeslieder alle Facetten und Gefühle der Liebe auf äußerst unterhaltsame Weise auf die Bühne. Die Klassiker With or without you, I’m on fire und Jealous Guy heizen dieses Wicked Game noch an.
Die beiden Darsteller starten als erzählende Renaissance-Jünglinge im Bilderrahmen, wechseln ihre Halskrausen und Heerpauken bald immer wieder gegen Kleider und Morgenmäntel ein, denn sie übernehmen die Damen-Rollen im Stück gleich mit, oder sie kombinieren E-Gitarre und Mikrofon, wenn wieder ein Song ansteht. Insgesamt entsteht eine unterhaltsame Melange aus nachlässiger werdender Garderobe, durcheinander wirbelnden Geschlechterrollen und einem Mix der Stile und Epochen…
Badische Neue Nachrichten
Ich hab mal in einer Cocktailbar gearbeitet. Mein Chef Deniz meinte damals „Fäälix, weißt du wie man merkt, dass die Gäste wirklich zufrieden waren? Wenn sie wiederkommen.“ Deniz hat zwar auch mit brennender Fluppe im Mundwinkel die Gaskartusche von dem Bunsenbrenner für die Shishakohle gewechselt, aber trotzdem hat er recht.
Nach „kenn ick.“ sollte es also eigentlich reichen, das neue Programm von Felix Lobrecht mit den Worten „das neue Programm von Felix Lobrecht“ zu bewerben. Zufriedene Leute kommen ja eh wieder. Die Society will aber einen akkurat-verkopften Pressetext von mir, will Formulierungen wie „messerscharfe Alltagsbeobachtungen“, „unangenehm wahr“, „brüllend komisch“ hören. Aber come on, ES IST DAS NEUE PROGRAMM VON FELIX LOBRECHT. Jetzt noch voller mit messerscharfen Alltagsbeobachtungen, noch unangenehm wahrer und noch brüllend komischer.
„Kenn ick.“ war krass, „Hype“ ist krasser. GEHT DA HIN!
Inszenierung Michael Thalheimer Bühne Olaf Altmann Kostüme Nele Balkhausen Musik Bert Wrede Licht Ulrich Eh Dramaturgie Sybille Baschung Mit Cordelia Wege u.a.
Michael Thalheimer beherrscht die Kunst, in seinen Inszenierungen mit chirurgischer Präzision zum Kern eines Stückes vorzudringen und die zugrunde liegenden menschlichen Konflikte freizulegen. Das ist ihm auch mit Endstation Sehnsucht, Tennessee Williams’ Drama um den unaufhaltsamen Niedergang der alternden Südstaatenschönheit Blanche Du Bois, wieder hervorragend gelungen.
Es ist die Geschichte einer einsamen Frau, die der Härte ihres sozialen Abstiegs verzweifelt ihre persönlichen Lebenslügen entgegensetzt und erleben muss, wie sie unabwendbar an der hässlichen Wirklichkeit zerbrechen. Blanche hat ihren Job als Lehrerin sowie allen Besitz verloren und reist in die Stadt, um in der ärmlichen Bleibe ihrer Schwester Stella und deren gewalttätigem Ehemann Stanley Unterschlupf zu suchen. Der aufreibende Geschlechterkampf kulminiert in einer Vergewaltigung durch Stanley und bringt Blanche letztlich in die Psychiatrie.
Olaf Altmann, Thalheimers langjähriger Bühnenbildner, verpackt die Tragödie in einen dreieckigen, rostigen Guckkasten mit maximalem Gefälle. Auf dieser schrägen Bahn tastet sich Blanche in ihrem weißen Kleid abwärts, immer ganz dicht am Rand des Bühnenabgrunds, ihrem inneren Abgrund. Cordelia Weges Blanche lässt eine zutiefst widersprüchliche Figur spürbar werden, die nicht nur Opfer ist, sondern selbst rücksichtslose, sexuell getriebene Täterin und damit eine Bedrohung für die Männerwelt. Andreas Döhler gibt seinen Stanley Kowalski facettenreich als bedrohlich-aggressiven und zugleich hilflosen Grobian, dessen Gewaltausbrüche ihn selbst zum Weinen bringen, nachdem er seine schwangere Frau verprügelt hat.
Konzert/Show
29.02.2020
Pfalzbau
Phantom der Oper – Der Roman-Welterfolg live on tour
Das Musical ist eine Chanson-Bearbeitung von N. C. Weber auf Grundlage des Original Bestseller-Romans von Gaston Leroux.
Der Roman-Welterfolg: „Das Phantom der Oper“ ist unsterblich, die Geschichte weltbekannt. Mit aufwendigen Ensemble-Nummern lässt diese Produktion die einzigartige Legende wieder zum Leben erwachen, mit der Gaston Lerouxs Roman Literaturgeschichte geschrieben hat: “Le Fantôme de l’Opéra”. Dieser diente N. C. Weber als Vorlage für eine deutsche Musicalinszenierung. Lassen Sie sich einen Abend lang in die Hallen der französischen Oper voller betörender Töne und mitreißender Chansons entführen.
Nun kommt „Das Phantom der Oper“ in der deutschen Originalproduktion von N. C. Weber mit internationalem Ensemble, stimmgewaltigen Klängen und großem Orchester auf Tournee.
Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!
Inszenierung Peter Steiner Schauspiel, Textbearbeitung, Ausstattung Nathalie Cellier
Plötzlicher Schneefall hat den ausgedörrten Boden am Rande der Wüste Algeriens bedeckt. Die wenigen Schüler von Daru, dem in Algerien geborenen französischen Lehrer, kommen seit drei Tagen nicht mehr. Die Zeit scheint stehen geblieben – bis Balducci, ein mit Daru bekannter älterer Polizist, einen Araber zu ihm bringt.
Der Araber – Camus nennt ihn so – hat sich des Mordes an seinem Cousin schuldig gemacht. Im Dorf des Arabers hat seine Festnahme für Unruhe gesorgt, es droht dort ein Aufruhr, eingebettet in die drohende Revolte gegen die französische Kolonialmacht. Um eine Eskalation zu vermeiden, soll der Araber in eine andere Stadt überführt und den Behörden übergeben werden. Diese Aufgabe soll Daru am nächsten Morgen übernehmen. So lauten die Befehle, wie Balducci sie entgegen genommen hat. Daru jedoch will nicht einsehen, dass diese Befehle auch für ihn gelten: er ist trotz seines Solidaritätsgefühls mit der armen algerischen Bevölkerung bereit, sich gegen die Rebellion zu wehren, auch mit der Waffe in der Hand. Es wäre mit seinem Begriff von Ehre nicht zu vereinbaren, den Mann auszuliefern, wie es von ihm verlangt wird.
Idefix ist der putzige kleine Hund, der dem Comic-Helden Obelix nicht von der Seite weicht. Sein Name beruht auf einem Wortspiel, denn die idée fixe steht für die Obsession, die sich in Gedanken einpflanzt und fortan alle Sinne lenkt. Die Liebe zu der jungen Schauspielerin Harriet Smithson wurde für Hector Berlioz das größte Drama seines Lebens. Sie wurde zur Obsession, zu seiner idée fixe, und begleitete ihn auf Schritt und Tritt. Ebenso durchwandert sie die Symphonie fantastique. Doch Harriet Smithson ignorierte die Zuneigung des Komponisten, bis dieser Rachegedanken hegte. Im fünften Satz verzerrt er die idée fixe mit gellendem Gelächter und verhöhnt sie als Hexe.
Inszenierung und Bühne Tilman Gersch Kostüme Miriam Grimm Musik Alex Gunia Dramaturgie und Textfassung Barbara Wendland Mit Jörg Malchow, Luis Quintana, Stefan Schießleder, Meinolf Steiner, Yusuf Beder, Anton Geburek, Mohammed Nick Nayeri
Ein Mann wird seiner gesellschaftlichen Funktion enthoben, seine Werte werden für nichtig erklärt, und auch seine Art der Konfliktlösung gilt plötzlich als überholt. Der Ritter Gottfried von Berlichingen versteht die Welt nicht mehr. Bis jetzt war er nur Gott, seinem Kaiser und seinem Gewissen verpflichtet. Das Wohl der kleinen Leute lag ihm am Herzen, dafür hat er gekämpft, wenn auch mit unkonventionellen Mitteln. Jetzt soll er sich einer allgemeinen Rechtssprechung unterwerfen und einer Moral folgen, mit der er sich nicht identifizieren kann. Kein Wunder, dass er in die Krise gerät.
In einer kompakten Fassung für sieben Spieler untersucht Tilman Gersch den Mythos des Querkopfs mit der eisernen Faust und dem goldenen Herzen. Vier Schauspieler und drei junge Männer aus Ludwigshafen erzählen Goethes frühes Sturm und Drang-Stück auf ihre Weise. Sie zeigen die Ambivalenz des Ausnahmecharakters Götz; seine Unbelehrbarkeit und Selbstüberschätzung genauso wie seine optimistische Kraft und entwaffnende Anarchie. Wenn Gottfried am Ende sagt, er habe sich überlebt, ist das eine kluge Erkenntnis. Ob es eine gute Nachricht ist, muss jeder selbst entscheiden.
„Nehmen Sie sich selbst auf den Arm – dann ersparen Sie anderen die Arbeit!“ (Heinz Erhardt)
Er habe „den Schalk im Nacken“, sagte der Humorist, Schauspieler, Komponist, Kabarettist und Dichter Erhardt einst über sich selbst. Er war und ist es wohl immer noch, der ungekrönte König des deutschen Humors, der Großmeister der Blödeleien und vergnüglicher Wortspiele. Unvergessen und unerreicht!
Die Uraufführung des ersten Heinz-Erhardt-Musicals wurde im November 2017 im Hamburg gefeiert. Unter den Gästen Töchter und Enkelin des tollpatschigen Humoristen mit der Hornbrille, die dem Ensemble für das Musical ihr Kompliment aussprachen. Zunächst lediglich als Gastspiel geplant begeisterte das Erhardt-Musical derart, dass es zum Dauerbrenner im Heimattheater, dem traditionsreichen Hamburger Engelsaal, geworden ist. Nun tourt das erfolgreiche Ensemble erstmals durch Deutschland.
Im gut zweistündigen Programm (inkl. Pause) liefern sich die Darsteller Stefan Linker (Heinz Erhardt-Imitator), Ralf Steltner und Karin Westfal einen regelrechten Schlagabtausch und rezitieren ein Heinz Erhardt-Gedicht nach dem anderen. Begleitet werden sie vom Pianisten Ralf Steltner. Mitreißende Melodien zu humorvollen Texten, verbunden mit der Lebensgeschichte des größten deutschen Komikers, versprechen eine gute Mischung aus gesprochenen und gesungenen Texten. Diese werden teils einzeln, teils im Duett oder zu dritt vorgetragen. Die schönsten Gedichte und Balladen des Kalauer-Genies, von denen viele zum ersten Mal vertont wurden, werden gekonnt zusammengefügt und in einem Guss in Szene gesetzt. Ob Ritter Fips oder König Erl, ob Made oder Kuh, selbst die sauren Zitronen und der G-Sketch werden zum Besten gegeben.
Den Zuschauern wird ein Feuerwerk des Wortwitzes geboten, ein Musical voller komischer Erinnerungen an den drolligen Ausnahme-Humoristen. Lassen Sie sich in die Welt des Heinz Erhardt entführen, Sie werden aus dem Lachen nicht herauskommen. Versprochen!
Inszenierung und Bühne Tilman Gersch Kostüme Miriam Grimm Musik Alex Gunia Dramaturgie und Textfassung Barbara Wendland Mit Jörg Malchow, Luis Quintana, Stefan Schießleder, Meinolf Steiner, Yusuf Beder, Anton Geburek, Mohammed Nick Nayeri
Ein Mann wird seiner gesellschaftlichen Funktion enthoben, seine Werte werden für nichtig erklärt, und auch seine Art der Konfliktlösung gilt plötzlich als überholt. Der Ritter Gottfried von Berlichingen versteht die Welt nicht mehr. Bis jetzt war er nur Gott, seinem Kaiser und seinem Gewissen verpflichtet. Das Wohl der kleinen Leute lag ihm am Herzen, dafür hat er gekämpft, wenn auch mit unkonventionellen Mitteln. Jetzt soll er sich einer allgemeinen Rechtssprechung unterwerfen und einer Moral folgen, mit der er sich nicht identifizieren kann. Kein Wunder, dass er in die Krise gerät.
In einer kompakten Fassung für sieben Spieler untersucht Tilman Gersch den Mythos des Querkopfs mit der eisernen Faust und dem goldenen Herzen. Vier Schauspieler und drei junge Männer aus Ludwigshafen erzählen Goethes frühes Sturm und Drang-Stück auf ihre Weise. Sie zeigen die Ambivalenz des Ausnahmecharakters Götz; seine Unbelehrbarkeit und Selbstüberschätzung genauso wie seine optimistische Kraft und entwaffnende Anarchie. Wenn Gottfried am Ende sagt, er habe sich überlebt, ist das eine kluge Erkenntnis. Ob es eine gute Nachricht ist, muss jeder selbst entscheiden.
Choreographie Noé Soulier Musik Noé Soulier, Tom De Cock und Gerrit Nulens Orchester Ensemble Ictus: Tom De Cock und Gerrit Nulens, Percussions Licht Victor Burel
Was beinhaltet eine Geste? Wie entfaltet sich die Bedeutung einer Bewegung? Der französische Choreograph Noé Soulier widmet sich in seinen Werken einzelnen Elementen von Bewegungen und reduziert diese auf ihre Essenz. Dabei fließen Philosophie und Kunst ineinander, und im Zentrum seiner Arbeit steht die Beziehung zwischen Bewegung und Gedanke. In seiner neuen Produktion The Waves geht Soulier davon aus, dass wir komplexe Erfahrungen mit körperlichen Bewegungen und Haltungen assoziieren, und erarbeitet ein Vokabular von Gesten, das das Körpergedächtnis aktiviert.
Bei aller gedanklichen Tiefe feiert die neue Choreographie aber in erster Linie den Tanz um seiner selbst und seiner Schönheit willen. Zu sehen sind ausgreifende Flugsprünge hoch in der Luft, in Rückwärtsbewegung getupfte Arabesken, Tänzer gehen temperamentvoll zu Boden und Verliebte winden ihre Füße ineinander. Der hier gezeigte Tanz ist tief im Alltag verwurzelt und voller Lebensfreude. So changiert die Choreographie zwischen spielerischer Leichtigkeit, großer Ernsthaftigkeit und Virtuosität. Zwischen ihren zeitlos schönen Bewegungen zitieren die Tänzer aus Virginia Woolfs Roman Wellen. Begleitet wird die Choreographie von ansprechender Schlagzeugmusik, für die neben Tom De Cock und Gerrit Nulens auch Soulier verantwortlich zeichnet.
Inszenierung Harald Demmer Musikalische Leitung Horst Maria Merz Bühne Manfred Schneider Kostüme Marion Hauer
Wo ist ein Mann noch ein Mann? Im Fußballstadion! Hier geht es um die letzten Dinge des Lebens: Liebe und Hass, Sieg oder Niederlage, wir oder die. Nach dem Spiel begegnen wir auf der Tribüne einer Handvoll Dagebliebener, denen die Worte des Kaisers Franz noch im Ohr klingen: „Gute Freunde kann niemand trennen / Gute Freunde sind nie allein / Weil sie eines im Leben können / Füreinander da zu sein“. Und so kumpelt, tröstet und singt man(n) zusammen gegen den Rest der Welt draußen an – und vergisst für kurze Zeit, dass zu Hause die ganz private Heimniederlage wartet …
Franz Wittenbrinks spezielle Form des „Liederabends“ geht weit über den traditionellen Charakter der Gattung hinaus. Er hat in den letzten Jahren quasi ein neues Genre erfunden: den Liederabend mit Handlung. Ein genau definierter Schauplatz gibt die möglichen Beziehungen und Handlungen der Beteiligten vor. Durch zwei, drei Lieder erhält eine Figur eine Biographie, wird zu einem Menschentypus, der sich auf eben diesem definierten Schauplatz bewegt. Wittenbrinks erster Liederabend Sekretärinnen wurde 1995 uraufgeführt und bescherte dem Hamburger Schauspielhaus einen seiner größten Publikumserfolge. Wittenbrinks Theaterabende haben mittlerweile Kult-Charakter.
Konzert/Show
14.03.2020
Pfalzbau
Frühjahrskonzert der Städtischen Musikschule - Alles Beethoven?
Die verschiedenen Ensembles der Musikschule beleuchten musikalisch das Leben und die Umgebung von Ludwig van Beethoven. Das Frühjahrskonzert ist der Höhepunkt der Beethovenwochen, die die Musikschule mit vielen kleinen Einzelveranstaltungen durchführt.
In seiner neuen Show macht CHAKO sein Publikum kurzerhand zur Reisegruppe und sich selbst zum Tourguide und Safari-Ranger. Und ab geht’s in den Busch der Pointen und Lachsalven, ins Unterholz der kulturellen Vorurteile und nationalen Stereotypen. Eine Comedy-Safari auf der Suche nach dem edlen Wilden, der überall sein kann: an der Copacabana und im Wasgau,
in Laos und Ludwigshafen-Oppau, im Dschungel und im Wedding, im Urwald und im Pfälzerwald, in der afrikanischen Savanne und in der städtischen Notaufnahme, da draußen und in uns allen.
Choreographie Doris Uhlich Kostüme Zarah Brandl Licht Gerald Pappenberger Mit Marie-Luise Bohrer, Annina Kriechbaum, Miriam Kutrowatz, Lena Obenaus, Anna
Steiner, Luna Weiss
Eine Gruppe sechs junger Frauen um die 20, die schon lange gemeinsam in der Tanzwerkstatt Wien mit Doris Uhlich tanzen und trainieren, sind die Protagonistinnen von Unkraut.
Sie stellen sich die Frage: Warum sind wir uns so ähnlich? Ist es Zufall oder mehr als Zufall?
Die Fünf entsprechen äußerlich dem klassischen Schönheitsbild, sie ähneln sich, scheinen auch ein ähnliches Weltbild zu haben. Sie hinterfragen das Frauenbild, das sie verkörpern – ein Bild, das sie oftmals gerne verschieben würden, doch es gibt Kräfte, die sie daran hindern. Gegen diese Kräfte wollen sie antanzen. Gemeinsam mit Doris Uhlich kamen sie auf die Idee, mit dem Bild von „Unkraut“, das sich nicht unterkriegen lässt, ein kräftiges Stück zu erarbeiten. Individualität und das Bedürfnis sich behaupten zu können, auch anders oder mehr sein zu können als man ist, schlummert in den jungen Frauen. Dieses Bedürfnis wird jedoch oft unterdrückt – von ihnen selbst, von Kräften von außen, von gesellschaftlichen Codes.
Die Tänzerinnen und Doris Uhlich starteten eine Bewegungsrecherche zu den Themen „Unterdrückung“ und „Aufbegehren“. Mit dem Bild von „Unkraut“ haben sie eine Übersetzung gefunden: eine „florale“ Herangehensweise, um sich mit dem Gefühl des Formens und Geformtwerdens auseinanderzusetzen, bis zur Empörung darüber, daran gehindert zu werden, wild zu wachsen.
Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!
Inszenierung Simon Stone Bühne Bob Cousins Kostüme An D’Huys, Fauve Ryckebusch Musik Stefan Gregory Licht Friedrich Rom Mit Caroline Peters, Steven Scharf u.a.
Medea – Königstochter, Ehefrau, Betrogene, Fremde. Medea – Kindsmörderin, Hexe. Kaum eine Frauenfigur der Antike hat mehr Adaptionen inspiriert als sie. Jede Epoche warf dabei ihren eigenen Blick auf den Mythos um die Frau, die aus Liebe zu Jason ihre Heimat für immer verlässt und ihm nach Griechenland folgt. Sie gebiert ihm zwei Kinder, muss nach ein paar Jahren jedoch einer anderen, jüngeren Königstochter Platz machen. Medea tut das Unvorstellbare: Sie ermordet nicht nur Jasons neue Braut, sondern auch ihre eigenen Kinder.
Der australische Regisseur und Stückeüberschreiber Simon Stone versetzt Medea in die Gegenwart und mischt die antike Tragödie mit einer realen Geschichte: In den 1990ern setzte die amerikanische Ärztin Debora Green nach ihrer Scheidung das Familienhaus in Brand und tötete dabei ihre drei Kinder. Aus Medea wird bei Stone die Pharmazeutin Anna, die gerade einen Aufenthalt in der Psychiatrie hinter sich hat. Nun will sie die Beziehung zu ihrem Mann Lucas wiederbeleben, der jedoch ein Auge auf die Tochter seines Chefs geworfen hat. Kurz davor, alles zu verlieren, sieht Anna nur noch einen einzigen Ausweg.
In der Titelrolle brilliert Caroline Peters, die beim Gastspiel des Burgtheaters Wien in Yasmina Rezas Komödie Bella Figura begeisterte.
Im Christentum steht der Name Judas für Untreue und Verrat. Als Jünger folgte Judas Iskariot seinem Propheten, um ihn dann für 30 Silberlinge an die Feinde auszuliefern. Ein Kuss war das verabredete Zeichen, durch das die Häscher ihr Opfer erkennen sollten. Die Motive für diese Tat liegen bis heute im Dunkeln, aber je länger das Christentum existierte, desto mehr wurde Judas zum Inbegriff des Bösen und befeuerte die wachsenden antisemitischen Tendenzen. Bis heute ist es in Deutschland nicht möglich, ein Kind Judas zu nennen, das Standesamt verweigert diese Namensgebung.
Die niederländische Autorin Lot Vekemans distanziert sich mit ihrem Monolog von der jahrhundertealten Negativsicht auf die biblische Figur. Judas bekommt eine Stimme und versucht, sich zu erklären. Das Symbol verwandelt sich in einen Menschen, der spricht und fühlt. Sein Anteil am Kreuzigungstod von Jesus Christus lässt ihm keine Ruhe. Und so berichtet er von der bewegten Zeit mit seinem Meister, der ihm zum Freund wurde. Seine Sicht der Dinge ist eine hochsubjektive und erhebt keinen Anspruch. Ein Verurteilter ringt um seine menschliche Existenz, die weit mehr ist als der Moment von Schuld, auf die sie reduziert wird.
2017 inszenierte Tilman Gersch das Stück am Staatstheater Karlsruhe, gezeigt wurde es dort und auch hier in Ludwigshafen in verschiedenen Kirchen.
BEE GEES MUSICAL lässt sein Publikum in einer mitreißenden musikalisch – biografischen Show mit vielen der Original-Musikern der Bee Gees Live-Konzerte an den wichtigsten Stationen dieser Ausnahme-Band teilhaben.Von den Anfängen der ersten Single-Veröffentlichung vor 50 Jahren über „To Love Somebody“ und „Massachusetts“ , die heiße Saturday Night Fever-Zeit bis zu ihrem letzten großen Album „You Win Again“ Ende der 80er Jahre.
Konzeption, Regie und Marionetten Marina Montefusco Bühne Jean Louis Sagot Kostüme Valérie Gosselin Musik Laurent Rochelle Licht und Technik Erwan Costadau Tourneeregie Hervé Billerit
Ein kleines Männlein, zart und einsam, unternimmt eine Reise mit unbekanntem Ziel. Sein einziger Reisegefährte ist eine vollgepackte Tasche, in der sich eine magische Welt zu befinden scheint. Seine Route führt ihn über eine launische Wegstrecke, die mal geradlinig verläuft, aber auch manchmal unterbrochen ist, die sich zu scheinbar unüberwindlichen Bergen aufbäumt oder in Abgründe führt. Zuweilen kreuzen verrückte Gestalten seinen Weg, die sich offenbar verirrt haben, obwohl sich manch einer mit äußerst selbstsicherem Auftreten in den Weg stellt. Was auch passiert, das Männlein marschiert unbeirrt weiter, auch wenn die Reisetasche plötzlich so schwer wird, als hätte sie Steine geladen. Das Publikum begleitet die Reise mit großer Anteilnahme, hoffend und bangend, dass sie am Ende gut ausgehen wird…
Im Laufe von 20 Jahren hat Marina Montefusco zusammen mit ihrer Compagnie Le Clan des Songes eine Theaterform entwickelt, die auf starke Bilder setzt, denen etwas Träumerisches anhaftet. Am liebsten arbeitet sie mit Marionetten oder animierten Figuren. Das ausdrucksstarke Universum des Clan des Songes ist offen für ein Publikum jeden Alters, wenn auch die jungen Zuschauer ihre bevorzugten Adressaten sind.
Text von Carl Haffner und Richard Genée
nach dem Lustspiel Le Réveillon von Henri Meilhac und Ludovic Halévy
Musikalische Leitung Olivier Pols Inszenierung Wolfgang Dosch Bühne und Kostüme Susanne Thomasberger Chor Gerhard Polifka
Als „Rache der Fledermaus“ inszeniert Dr. Falke eine Revanche für einen Streich, bei dem ihn sein Freund Eisenstein nach einem Faschingsball dem Gelächter der ganzen Stadt aussetzte. Auf dem Fest des Prinzen Orlofsky fädelt er eine Verkleidungs- und Verstellungskomödie ein, bei der Eisenstein in der Rolle eines Marquis Renard nicht nur seine Kammerzofe Adele im Gewand ihrer Herrin trifft, sondern auch heftigst mit einer ungarischen Gräfin anbändelt, hinter deren Maske sich seine eigene Frau Rosalinde verbirgt. Zudem trinkt er Brüderschaft mit einem Chevalier Chagrin, der niemand anders ist als Gefängnisdirektor Frank, der Eisenstein längst inhaftiert haben sollte. Am nächsten Morgen trifft man sich im Gefängnis wieder, die Masken fallen. Im Katzenjammer bleibt die Erkenntnis: „Nur der Champagner war an allem schuld!“
Die Fledermaus wird zu Recht als „Königin der Operette“ und Gipfelpunkt der ganzen Gattung gefeiert. Das Textbuch nach dem Lustspiel Le Reveillon der Offenbach-Librettisten Henri Meilhac und Ludovic Halévy verbindet Pariser Esprit mit Wiener Atmosphäre und wirft ein witzig-ironisches Augenzwinkern auf die bürgerliche Moral. In der Fledermaus bringt der Walzerkönig Johann Strauss Musik, Tanz und Theater in vollkommenen Einklang, seine Partitur sprüht ohne jede falsche Sentimentalität vor Lebenslust.
Moderation Tilman Gersch
Weinbau der Lebenshilfe Bad Dürkheim
Unsere Reihe mit Regionalbezug gibt sich in dieser Saison grenzüberschreitend. Warum? Weil der Rhein, ohne den unsere Stadt und auch der gute Pfälzer Wein nicht denkbar wären, auf seinem langen Weg von der Quelle zur Mündung immerhin vier Länder durchquert und zwei streift. Im Februar 2020 wird der stolze Fluss, den man auch Vater heißt und nach dem einst sogar eine Kartoffel benannt wurde, zum Mittelpunkt unserer Überlegungen. Und schon jetzt dürfen wir Ihnen verraten, dass Michael Heinz, Vorstandsmitglied der BASF SE und Standortleiter des Werks Ludwigshafen, an diesem Abend zu Gast sein wird. Auch beim ersten Wort und Wein im Oktober geht es auf die Reise: Mit Georg Forster, der, wenn er nicht gerade in Mainz Revolution betrieb, zusammen mit James Cook die Welt entdeckte. Davon liest und spricht Frank Vorpahl, aspekte-Redakteur und besessener Forster-Forscher. Das Weihnachts-Spezial im Dezember bietet Verlässliches, und wenn der blaue Flieder wieder blüht und der Spargel fast schon aus der Erde schaut und die Erdbeeren nur noch ein wenig auf sich warten lassen, dann versammeln sich Händler und Händlerinnen des Friesenheimer Wochenmarktes und geben Einblick in das Leben von Frühaufstehern. All das präsentiert und moderiert ein stets gut gelaunter Intendant Tilman Gersch.
Text von Carl Haffner und Richard Genée
nach dem Lustspiel Le Réveillon von Henri Meilhac und Ludovic Halévy
Musikalische Leitung Olivier Pols Inszenierung Wolfgang Dosch Bühne und Kostüme Susanne Thomasberger Chor Gerhard Polifka
Als „Rache der Fledermaus“ inszeniert Dr. Falke eine Revanche für einen Streich, bei dem ihn sein Freund Eisenstein nach einem Faschingsball dem Gelächter der ganzen Stadt aussetzte. Auf dem Fest des Prinzen Orlofsky fädelt er eine Verkleidungs- und Verstellungskomödie ein, bei der Eisenstein in der Rolle eines Marquis Renard nicht nur seine Kammerzofe Adele im Gewand ihrer Herrin trifft, sondern auch heftigst mit einer ungarischen Gräfin anbändelt, hinter deren Maske sich seine eigene Frau Rosalinde verbirgt. Zudem trinkt er Brüderschaft mit einem Chevalier Chagrin, der niemand anders ist als Gefängnisdirektor Frank, der Eisenstein längst inhaftiert haben sollte. Am nächsten Morgen trifft man sich im Gefängnis wieder, die Masken fallen. Im Katzenjammer bleibt die Erkenntnis: „Nur der Champagner war an allem schuld!“
Die Fledermaus wird zu Recht als „Königin der Operette“ und Gipfelpunkt der ganzen Gattung gefeiert. Das Textbuch nach dem Lustspiel Le Reveillon der Offenbach-Librettisten Henri Meilhac und Ludovic Halévy verbindet Pariser Esprit mit Wiener Atmosphäre und wirft ein witzig-ironisches Augenzwinkern auf die bürgerliche Moral. In der Fledermaus bringt der Walzerkönig Johann Strauss Musik, Tanz und Theater in vollkommenen Einklang, seine Partitur sprüht ohne jede falsche Sentimentalität vor Lebenslust.
Inszenierung Nurkan Erpulat Ausstattung Gitti Scherer Musik Christian Bluthardt
Nini und Jameelah glühen vor Lebenslust. Gemeinsam machen sie sich daran, die Welt zu erobern, das Leben auszukosten, zu lachen, zu weinen, zu lieben, endlich Sex zu haben. Sie sind unzertrennlich, fühlen sich unverwundbar und leben, als gäbe es kein Morgen und erst Recht kein nächstes Jahr. Und das wird es vielleicht auch nicht geben, zumindest nicht gemeinsam. Denn obwohl in Deutschland aufgewachsen, ist Jameelah plötzlich von Abschiebung bedroht. Umso intensiver leben die Mädchen diesen Sommer, der ihr letzter sein könnte, gestärkt von ihrer „Tigermilch“, einem selbst gemixten Milchmischgetränk – mit Maracujasaft und Mariacron.
Doch dann ist plötzlich alles anders: Mitten in einem nächtlichen Liebeszauber auf dem Spielplatz werden sie Zeuginnen, wie der Konflikt in der Familie ihres Freundes Amir derart eskaliert, dass Amirs Schwester stirbt. Nini und Jameelah müssen entscheiden, ob sie sich einmischen oder raushalten. Die Entscheidung wird zu einer riesigen Belastungsprobe für ihre Freundschaft.
Mit einem ganz eigenen Sound, schnell und schonungslos, wuchtig und zart erzählt die Berliner Autorin Stefanie de Velasco von den beiden Mädchen, die lernen müssen, das eigene Dasein auszuhalten.
Am JES wurde ihr Roman umgesetzt von Nurkan Erpulat, Hausregisseur am Maxim Gorki Theater in Berlin. Für Furore sorgte er u.a. mit Verrücktes Blut. Das Stück wurde zum Berliner Theatertreffen und zu den Mülheimer Theatertagen eingeladen.
Inszenierung und Choreographie Iris Limbarth Musikalische Leitung Frank Bangert Bühne Britta Lammers Kostüme Heike Korn
Als sich d’Artagnan auf den Weg nach Paris macht, in Begleitung des alten Pferdes Pomme de Terres und mit seinem ersten eigenen Degen, tut er dies, um sich seinen Lebenstraum zu erfüllen: den Traum, Musketier zu werden. In der französischen Hauptstadt angekommen, freundet er sich schnell mit Athos, Porthos und Aramis an, drei Musketieren des Königs, und ebenso schnell ist er Teil gefährlicher Ereignisse. Nun muss d’Artagnan nach England reisen, um eine Verschwörung gegen die Königin zu vereiteln, wohlwissend, dass in Paris die schöne Constanze auf ihn wartet.
Unzählige Male schon wurde Dumas‘ berühmter Roman in den unterschiedlichsten Medien adaptiert, nun zeigen die Pfalzbau Bühnen die Musicalinszenierung von Iris Limbarth mit dem Ensemble des Jungen Staatsmusicals aus Wiesbaden.
Mit eindrucksvollen Fechtszenen, ergreifenden Balladen, historisch anmutenden Kostümen und beeindruckenden Choreographien bietet die Inszenierung spannende Unterhaltung für alle Altersgruppen.
Konzert/Show
03.04.2020
Pfalzbau
Havana Nights - Das karibische Tanz-Musical aus Kuba
agenda production Gesellschaft für Kultur und Eventmanagement mbH
Erleben Sie das unvergleichliche Tanz-Musical „Havana Nights“ und einen Abend mit authentischer Karibik-Atmosphäre. Erliegen Sie dem Charme und dem Schwung eines wahrhaft charaktervollen Landes. Havanna sehen, hören und fühlen! Die besten Tänzer Havannas, eine Starbesetzung des „Circo Nacional de Cuba“ und eine Live „Girl-Band” präsentieren eine spektakuläre Inszenierung des neuen Tanz-Musicals „Havana Nights“ und entführen das Publikum auf die heißblütige Insel Kuba. Erleben Sie eine feurige Mischung aus Salsa, Merengue, Hip-Hop, Breakdance und kubanischer Zirkustradition. 34 hochkarätige Künstler, höchstes tänzerisches Niveau und unglaubliche akrobatische und musikalische Darbietungen werden geboten. Die Leidenschaft, das Temperament und die Dynamik der Karibik lassen das Erlebnis vollkommen werden.
Lebensfreude pur – Karibik-Flair für alle Sinne!
Hazel Brugger ist wieder da, und das ist auch gut so. In ihrem zweiten Programm spricht sie über die großen Themen dieser Welt.
Welches sind die besten Drogen?
Was hilft bei Schlafstörungen, und warum sind Rechtspopulisten die besseren Liebhaber?
Gewohnt trocken und unaufdringlichbaut Hazel in „Tropical“ ihr Universum auf und öffnet dem Publikum die Tür in ihr Gehirn.
Denn dort, wo es wehtut, fängt das echte Lachen doch erst richtig an.
Die fiktive Stadt Metropolis ist die Heimat des Comic-Helden Superman, den Michael Daugherty als kompositorische Metapher verwendet und so mit viel Humor ein Bild der mannigfaltigen amerikanischen Populärkultur zeichnet. Die Katastrophe als Stilmerkmal des Comics überträgt sich auf seine Musik. Und so existieren Helden und Schurken in Daughertys Sinfonie ebenso nah beieinander wie verschiedenste Stilelemente: Schiedsrichterpfeifen, duellierende Flötensoli, stroboskopartige Pizzicato-Muster, die durch das Orchester zucken und einen räumlichen Effekt erzeugen, Totentanz und Tango
Die Werke Philippe Decouflés gleichen einem fantastischen Daumenkino, in denen sich die brillanten Ideen und paradoxen Stimmungslagen ihres hochtalentierten Schöpfers entladen. Die Aufführungen zu Rock- und Popmusik sind spielerisch, erotisch, exzentrisch, burlesk, fabelhaft und komisch zugleich und Philippe Decouflé kombiniert darin wie ein Zauberer extravagante Elemente, die den Tanz zum Leuchten bringen als würde ein Feuerwerk entfacht.
Der zurückhaltende Decouflé, der seine Compagnie DCA 1983 gründete, trat zum ersten Mal ins Rampenlicht, als er 1992 die Eröffnungszeremonie der Olympischen Winterspiele in Albertville in Szene setzte. Während er die Grenzen seiner eigenen Fantasie beständig überschreitet, bleibt er sich selbst immer treu. Mit unbändigem Schwung, der all seine Sehnsüchte mit sich trägt, scheint er nach dem Mond zu greifen und ist erfolgreich dabei, denn seine Höhenflüge basieren auf handwerklichem Können und Präzision, ergänzt durch ausgefeilte Kostüme sowie vielfältige visuelle und Video-Effekte.
Das 1986 entstandene Codex spiegelt die bevorzugte Arbeitsweise Decouflés auf charakteristische Weise wider: es entfaltet eine außergewöhnliche visuelle Ausdruckskraft und spielerischen Humor, stellt die Welt auf den Kopf, die in umwerfende Farben getaucht ist, während sich die Körper in einem unablässigen Taumel zu befinden scheinen. Dieser kontinuierliche Drive und diese Wucht bestimmen Decouflés Tanzsprache, die fließende Bewegungen liebt. Noch größer ist allerdings seine Liebe zu Schrägem und Bizarrem wie in Shazam (1998), Sombrero (2006) oder Octopus (2010).
Wie überbordend die Fantasie und wie virtuos das kompositorische Können ihres künstlerischen Leiters ist, zeigt seine Compagnie DCA in Nouvelles Pièces Courtes. Die Tänzer verblüffen darin auch mit ihren Talenten als Schauspieler, Sänger und Musiker. Doch immer ist der Körper in seiner Schönheit, Erotik und Verletzlichkeit das Zentrum eines umwerfenden Spektakels.
nach William Shakespeare und Jens Groß
ab 8 Jahren
Inszenierung Corinna von Rad Bühne Ralf Käselau Kostüme Sabine Blickenstorfer Licht Markus Haupt Dramaturgie Nadja Groß
Helena liebt Demetrius. Hermia liebt Lysander und Lysander liebt Hermia. Doch Hermias Vater will, dass seine Tochter nicht Lysander, sondern Demetrius zum Mann nimmt. So flüchten die Verliebten nachts in den Wald. Dort herrschen andere Gesetze als in der Stadt: Oberon, der Elfenkönig, und seine Frau Titania befinden sich in heftigem Eifersuchtsstreit. Mit dem Saft einer Wunderblume verzaubert Oberon seine Titania, so dass sie einem Esel verfällt. Auch seine Untertanen erfreuen sich an der Macht des Zaubersaftes: Elfen und Trolle herrschen nun über die Wünsche und Träume der Menschen. Erst als sich Oberon und Titania versöhnen, finden auch die Herzen der Menschen ihren Frieden.
Für die Fassung des Sommernachtstraum für Kinder in der Bearbeitung von Jens Groß wurde so weit wie möglich die bekannte Bearbeitung von August Schlegel verwendet – nicht zuletzt wegen ihrer Romantik und der besonders poetischen Sprachkraft. Der bekannte Plot und die bezaubernden Figuren Shakespeares bleiben weitgehend erhalten, aber die Geschichte wird aus einer kindgerechten Perspektive erzählt.
Im Zentrum der Erzählung stehen die ansonsten stummen Elfen der Titania. Sie versuchen verzweifelt, ihre Königin glücklich zu machen und gute Laune zu verbreiten, werden aber schnell zum Spielball von Oberons dunklem Ränkespiel und zappeln am Ende sogar selbst im unsichtbaren Spinnennetz der Liebe. Puck und die Elfen sind in dieser Version des Sommernachtstraum selbst wie neugierige Kinder. Sie durchleben aus ihrer Perspektive die Welt der Erwachsenen und der Zauberer, den Streit und die Leidenschaften zwischen Titania und Oberon, das merkwürdige Er-Liebt-Mich,-Er-Liebt-Mich-Nicht-Spiel zwischen Hermia, Demetrius, Lysander und Helena. Der Perspektivwechsel macht dieses Stück Weltliteratur für jüngere Zuschauer am Ende genauso vergnüglich und erlebbar wie für die Erwachsenen.
Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!
Buch von Joe Masteroff
Nach dem Stück Ich bin eine Kamera von John van Druten
und nach den Erzählungen von Christopher Isherwood
Deutsch von Robert Gilbert
Musikalische Leitung Jochen Kilian / Olivier Pols Inszenierung Frank Matthus Choreographie Kerstin Ried Bühne und Kostüme Anne Weiler Chor Gerhard Polifka
Der amerikanische Schriftsteller Clifford Bradshaw kommt Anfang der 30er Jahre für Romanrecherchen in das vor Leben strotzende Berlin. Er findet Unterschlupf in Fräulein Schneiders Pension und lernt im Kit-Kat-Club die Cabaretsängerin Sally Bowles kennen und lieben, die sich kurzerhand bei ihm einquartiert und mit ihrer äußerst unkonventionellen Art sein Leben ziemlich durcheinander bringt. Angesichts dieser Turbulenzen realisiert Clifford erst nach und nach, wie der aufkommende Nationalsozialismus zunehmend Oberhand gewinnt und Gewalt auch den Alltag in Berlin bestimmt. Cliff drängt Sally dazu, mit ihm nach Amerika zu gehen, doch sie träumt naiv von einer Karriere als Sängerin und kann sich nicht vom Kit-Kat-Club lösen. Das Leben ist ein Cabaret …
Das 1966 am Broadway uraufgeführte Musical des Autorenteams John Kander und Fred Ebb ist längst ein Klassiker des Genres geworden. Es vereint auf geradezu ideale Weise raffinierte Songs im Stil der 20er Jahre, von denen nicht wenige Welthits geworden sind, eine packende Geschichte und ein politisches Plädoyer für eine freie, liberale Gesellschaft. Zusätzliche Popularität gewann das Musical durch Bob Fosses Verfilmung aus dem Jahr 1972 mit Joel Grey als Conferencier und Liza Minelli als Sally Bowles.
Inszenierung Armin Petras Bühne Olaf Altmann Kostüme Annette Riedel Musik Woods of Birnam Musikalische Leitung Christian Friedel Mit Christian Friedel, Robert Kuchenbuch, Lea Ruckpau u.a.
Der Schauspieler Christian Friedel, aus der Verfilmung über das Leben des Hitler-Attentäters Elser und jüngst der hochgelobten Fernsehserie Babylon Berlin einem breiten Publikum bekannt, ist auch als Musiker erfolgreich. Eindrucksvoll unter Beweis gestellt hat er dies 2015 bei einem Gastspiel von Shakespeares Hamlet mit dem Staatsschauspiel Dresden in Ludwigshafen, bei dem er auch die Titelrolle verkörperte. In Armin Petras‘ Bühnenadaption von George Orwells berühmtem Roman 1984, einer Koproduktion von Düsseldorfer Schauspielhaus und Schauspiel Stuttgart, spielt Friedel nicht nur den „Großen Bruder“, der seine Mitbürger gnadenlos überwacht, sondern steuert mit seiner Band „Woods of Birnam“ auch die Musik der Aufführung bei.
Im Orwell-Staat Ozeanien traut keiner dem anderen über den Weg. Der totalitäre Überwachungsstaat des „Großen Bruders“ operiert mit omnipräsentem Teleschirm, sozialer Kontrolle und Gedankenpolizei, um die Bevölkerung zu beherrschen. Mittels „Neusprech“ wird den Menschen das Denken abgewöhnt, politische Gegner werden „vaporisiert“, die Erinnerung an frühere Zeiten wird ausgelöscht. Wahr ist, was man wahr nennt. Winston Smith, Mitglied der äußeren Partei, hasst dieses System. Als er damit beginnt, als Dokument der Geschichte und Botschaft an die Ungeborenen Tagebuch zu schreiben, weiß er, dass dies sein Todesurteil sein wird. Auch mit seiner Liebe zu seiner Kollegin Julia verstößt er gegen die Staatsdoktrin. Die kleine Widerstandszelle wird bald ausgehoben und Winston landet zur Umerziehung im Gefängnis. Zuletzt wird auch er entgegen aller Tatsachen wissen: „Zwei plus zwei ist fünf“.
Orwells Roman, der 1948 als literarische Antwort auf Nationalsozialismus und Stalinismus entstand und seinen Titel der Drehung dieser Jahreszahl verdankt, gewinnt immer dann an Bedeutung, wenn die offene Gesellschaft auf dem Spiel steht. Armin Petras zeigt in seiner dichten und packenden Bühnenfassung, die streckenweise wie ein Rockkonzert anmutet, die erschreckende Aktualität von Orwells düsterem Zukunftsroman. In Olaf Altmanns schwarzer Bühne, in der eine mächtige Zylinderröhre bedrohlich über den Menschen schwebt, suchen Winston und Julia nach Auswegen, und im Gegensatz zum Original scheint diese Suche nicht gänzlich hoffnungslos zu sein.
Produktion Jess Curtis/Gravity, Claire Cunningham und Tramway Glasgow
Von und mit Jess Curtis, Claire Cunningham Komposition Matthias Herrmann Video Yoann Trellu Ausstattung Michiel Keuper Licht Chris Copland
Wie betrachten wir einander? Welchen Blick auf uns erlauben wir dem Gegenüber? Wie beeinflussen unsere Körper die Art, in der wir die Welt wahrnehmen? Können wir unseren Blick auf die anderen verändern?
The Way You Look (at me) Tonight ist eine Skulptur der Gesellschaft – eine Reise der Sinne für zwei Performer und ein Publikum. In Zusammenarbeit mit dem renommierten Autor und Wahrnehmungs-Philosophen Dr. Alva Noë entwickelt, erlebt man bei dieser einfühlsamen und klugen Aufführung zwei federführende Tänzer auf der Bühne, die behinderte britische Künstlerin Claire Cunningham und den international tätigen Choreographen und Performer Jess Curtis. Die beiden tanzen, singen, erzählen Geschichten und stellen Fragen und ringen dabei mit den Mitteln von Performance, Musik und Video auf geradezu literarische Weise mit wichtigen Fragen über unsere Lebensgewohnheiten und die Art unserer Wahrnehmung anderer Menschen und der Welt.
Sie zeigen ein abendfüllendes Duett, das ihre jeweilige Sichtwiese auf den anderen behutsam und offen freilegt – als Mann und Frau unterschiedlichen Alters, Körperstatur und mit unterschiedlichem sozialem Hintergrund. 2005 war es Jess Curtis, der Claire Cunningham als erster in tänzerischen Bewegungsformen unterrichtete und damit ihre Karriere als eigenständige Choreographin anregte. Ein Jahrzehnt später kehren sie zu ihren Anfängen zurück, indem sie gemeinsam das philosophische Tanzstück The Way You Look (at me) Tonight kreieren.
Claire Cunningham ist auf Krücken angewiesen und tritt in ihren Arbeiten damit auf die Bühne. Im Austausch mit Jess Curtis entwickelt sie ihre Bewegungssprache immer weiter, stellt herkömmliche Sichtweisen hintergründig in Frage und zeigt anschaulich, dass Virtuosität viele Gesichter hat. The Way You Look (at me) Tonight stand auf der Shortlist für den Isadora Duncan Dance Award in der Kategorie „Herausragende Verdienste im Bereich Musik/Klang/Text“ in der Saison 2016/17.
Angelehnt an die Tradition des japanischen Kirschblütenfestes lädt die Hanami Fans fernöstlicher Kultur und der farbenfrohen Welten aus Manga und Anime zu einem Wochenende, das Aspekte einer Convention und eines japanischen Volksfestes vereint.
Neben Workshops zu japanischen Traditionen prägt insbesondere die bunte Welt der Moderne die Ludwigshafener Hanami. Neben eigenen Cosplay-Wettbewerben soll auch wieder ein Vorentscheid der Deutschen Cosplaymeisterschaft (DCM) stattfinden. Des Weiteren stehen Auftritte von Showgruppen auf dem Programm. Ein japanischer Markt auf dem Vorplatz ist bei freiem Eintritt besuchbar!
Inszenierung Tilman Gersch Dramaturgie und Textfassung Barbara Wendland Mit Menschen aus Ludwigshafen und der Metropolregion Rhein-Neckar
Haben Sie Interesse, an unserem Bürgerprojekt mitzuwirken? Ein Einstieg ist jederzeit möglich, willkommen sind Menschen jeden Alters und jeder Herkunft. Weitere Informationen erhalten Sie über barbara.wendland@ludwigshafen.de.
Ein Berliner Mietshaus ist Grabstätte für allerhand Lebensträume. Ganz oben, unterm Dach, hat ein beurlaubter Theaterintendant sein provisorisches Reich errichtet. Wenigstens hier darf er noch tönen und zweifelhafte Talentförderung betreiben. Weiter unten geht die Witwe Knobbe ihren Geschäften nach. Auch sie hat bessere Tage gesehen, aber jetzt lässt sich mit den kümmerlichen Resten alten Glamours nur auf der Straße noch ein wenig Geld verdienen. Für den Alkohol reicht es grad eben, für die Kinder nicht. Im Erdgeschoss schließlich lebt Henriette John, die vor Jahren ihr Söhnchen Adelbert verlor. Ihr sehnlichster Wunsch ist seither ein weiteres Kind, aber er bleibt unerfüllt. Da kommt das schwangere Dienstmädchen Pauline Piperkarcka gerade recht. Dessen verzweifelte Lage ist Mutter Johns große Chance, und wie durch Zauberei hat sie plötzlich ein neues Adelbertchen in der Wiege liegen. Vater John ist monatelang auf Montage und schöpft keinen Verdacht. Für einen Moment scheint alles gut zu werden, aber das Schicksal lässt sich am Ende doch nicht betrügen. Alle müssen ihr Kreuz tragen. Manche gehen daran zugrunde, andere nicht.
Bürgerinnen und Bürger aus unserer Region beziehen Gerhart Hauptmanns Haus. Ihre Biographien sind höchst unterschiedlich, aber eine Erfahrung ist allen gemein: dass das Leben Enttäuschungen mit sich bringt, dass es aber auch immer weiter geht. Davon erzählen sie, mit erlebten und erfundenen Geschichten von hier und heute und mit den Figuren aus der Vergangenheit. Hauptmanns Stücktitel erscheint in einem neuen Licht: Ratten sind kluge Tiere mit starken Überlebensstrategien. Von ihnen kann der Mensch manches lernen.
Ludwig van Beethoven, Sinfonie Nr. 9 d-Moll, op. 125
Diesen Kuss der ganzen Welt
Mit der friedlichen Revolution fiel Ende 1989 die Mauer, welche Deutschland 40 Jahre getrennt hatte. Am Weihnachtstag eilte Leonard Bernstein in die deutsche Hauptstadt und dirigierte Beethovens neunte Sinfonie. Legendär ist der textliche Eingriff, den er im Finale der Sinfonie vornahm. Wo es in Schillers Ode „Freude schöner Götterfunken“ heißt, ersetzte er Freude durch Freiheit und spiegelte damit den demokratischen Zeitgeist der berauschenden Ereignisse wider. Kein Werk scheint geeigneter, die Begeisterung eines weltumspannenden Wir-Gefühls zu transportieren. Mit Beethovens neunter Sinfonie haben auch schottische Abgeordnete im Parlament gegen den Brexit gesummt und gepfiffen, und das, obwohl Beethoven sie seinerzeit für die Philharmonische Gesellschaft in London komponierte.
Haben Sie Interesse, an unserem Bürgerprojekt mitzuwirken? Ein Einstieg ist jederzeit möglich, willkommen sind Menschen jeden Alters und jeder Herkunft. Weitere Informationen erhalten Sie über barbara.wendland@ludwigshafen.de.
Ein Berliner Mietshaus ist Grabstätte für allerhand Lebensträume. Ganz oben, unterm Dach, hat ein beurlaubter Theaterintendant sein provisorisches Reich errichtet. Wenigstens hier darf er noch tönen und zweifelhafte Talentförderung betreiben. Weiter unten geht die Witwe Knobbe ihren Geschäften nach. Auch sie hat bessere Tage gesehen, aber jetzt lässt sich mit den kümmerlichen Resten alten Glamours nur auf der Straße noch ein wenig Geld verdienen. Für den Alkohol reicht es grad eben, für die Kinder nicht. Im Erdgeschoss schließlich lebt Henriette John, die vor Jahren ihr Söhnchen Adelbert verlor. Ihr sehnlichster Wunsch ist seither ein weiteres Kind, aber er bleibt unerfüllt. Da kommt das schwangere Dienstmädchen Pauline Piperkarcka gerade recht. Dessen verzweifelte Lage ist Mutter Johns große Chance, und wie durch Zauberei hat sie plötzlich ein neues Adelbertchen in der Wiege liegen. Vater John ist monatelang auf Montage und schöpft keinen Verdacht. Für einen Moment scheint alles gut zu werden, aber das Schicksal lässt sich am Ende doch nicht betrügen. Alle müssen ihr Kreuz tragen. Manche gehen daran zugrunde, andere nicht.
Bürgerinnen und Bürger aus unserer Region beziehen Gerhart Hauptmanns Haus. Ihre Biographien sind höchst unterschiedlich, aber eine Erfahrung ist allen gemein: dass das Leben Enttäuschungen mit sich bringt, dass es aber auch immer weiter geht. Davon erzählen sie, mit erlebten und erfundenen Geschichten von hier und heute und mit den Figuren aus der Vergangenheit. Hauptmanns Stücktitel erscheint in einem neuen Licht: Ratten sind kluge Tiere mit starken Überlebensstrategien. Von ihnen kann der Mensch manches lernen.
Deutschlandpremiere Skid Choreographie Damien Jalet Musik Christian Fennesz Zusätzliche Musik Marihiko Hara Bühne Jim Hodges, Carlos Marques da Cruz Kostüme Jean – Paul Lespagnard Licht Joakim Brink
Autodance Choreographie Sharon Eyal Ko–Choreograph Gai Behar Musik Ori Lichtik Kostüme und Choreographie–Assistenz Rebecca Hytting Licht Alon Cohen
Als eine der führenden zeitgenössischen Tanzcompagnien Europas und die Größte des Nordens ist die GöteborgsOperans Danskompani wirklich ein Ensemble der heutigen Zeit. Die Gruppe konzentriert sich auf originale und exklusive Stücke, arbeitet sowohl mit bekannten Choreographen als auch mit Nachwuchskünstlern zusammen und steuert neue Ausdrucks- und innovative Kunstformen bei. Die Compagnie besteht aus 38 Tänzerinnen und Tänzern aus aller Welt und wird von der Isländerin Katrín Hall geleitet.
Skid
Die GöteborgsOperans Danskompani geht keiner Herausforderung aus dem Weg. In Skid neigt sich die Bühne in einem Winkel von 34°. Das Gefälle löst atemberaubende Kettenreaktionen und seltsam ergreifende Handlungen unter den Tänzern aus, die durch die Schwerkraft in Bewegung geraten. Die Compagnie ist geeint im Kampf gegen die Kraft, die sie hinabzieht – aber auch im Mut, die Dinge einfach geschehen zu lassen. Das Spiel von Licht und Schatten, das von den Tänzern auf dem schrägen Boden hervorgerufen wird, taucht die Szenerie in einen filmischen Glanz entrückter Schönheit. Bei seiner Premiere ein Riesenerfolg, soll Skid nun quer durch Europa an verschiedenen Theatern gezeigt werden. Der französisch-belgische Choreograph Damien Jalet erhielt 2017 zwei bedeutende Preise der Tanzwelt – den deutschen Theaterpreis Der Faust und die Auszeichnung als bester Choreograph des Jahres im Magazin Tanz.
Aufgeführt von den besten Tänzern der Welt. Dagens Nyheter
Autodance Autodance ist die zweite Kreation, die die preisgekrönte israelische Choreographin Sharon Eyal für die GöteborgsOperans Danskompani schuf. Sie sagt, sie habe das Stück aus der Lust an der puren Bewegung heraus choreographiert. Die Tänzer scheinen keinem Geschlecht anzugehören, ihre betonten Beine lassen sie wie kraftvolle Zentauren wirken. Autodance schließt nahtlos Tanz, Techno und Technik; manchmal explosiv, manchmal erhaben. Ein visuelles, emotionales, wohlstrukturiertes und hochästhetisches Ganzes. Sharon Eyal kreierte zusammen mit Gai Behar in den letzten zehn Jahren eine Reihe von hochgelobten Werken für bekannte Compagnien.
Hinreißend, aufwühlend und gefühlvoll. Svenska Dagbladet
Als Formulierungshilfe für den Einstieg böte sich vielleicht an:
„Voll Fett“ nennt der große alte Mann der Zwerchfellerschütterung sein neuestes Comedyprogramm und dieser Titel ist -wie immer- mehrdeutig, oder polysem, wie ich als Altsprachler sagen würde. Einerseits könnte es bedeuten: Ich bin viel jünger als ich wiege, oder Jugendslang (Juvenolekt) sein für „richtig toll“.
Die augenfälligste Neuerung ist ein Riesenbildschirm als Bühnenhintergrund, mit dem ich mir einen langgehegten Wunsch erfülle: Comedy mit Hilfe von Bildern und kleinen Filmen zu erzeugen, wie ich es 10 Jahre lang bei „Geld oder Liebe“ gemacht habe. Munition dafür liefert mein unerschöpfliches Privatarchiv, in wenigen Fällen, wenn es passt, auch mal das, was täglich via WhatsApp über mich hereinbricht. Außerdem kann man so die Hintergrundstimmung ständig wechseln.
Alle mal kurz das Besteck weglegen: Sascha Grammel’s neues live-Programmel ist „FAST FERTIG! „Nee, Moment, es heißt “ FAST FERTIG!“ .
Und das neue Programm ist selbstverständlich zum großen live-Tourstart im Mai 2019 „rechtzeitig fertig“, wobei Spandaus ganzer Stolz und fast-von-Natur-aus-blondgesträhnter Bauchredner-König dafür bekannt ist, noch bis zur allerletzten Minute hier und da an seiner Show zu feilen. Und das lohnt sich: Denn auch „FAST FERTIG!“ ist wieder genau das, was man zurecht von Sascha und seinem liebevoll-verrückten Puppenzoo erwarten kann: Immer lustig, manchmal albern und oft ans Herz gehend. Bauchredner-Ehrenwort!
Zu Bewundern ist die neue, unvergleichlich unbeschwerte und bunte Dauergeburtstagsparty auf ausgedehnter „FAST FERTIG!“ – Tour durch Deutschland, Österreich, der Schweiz, der Österreichischen Schweiz und dem Schweizer Deutschland. Soll heißen: bestimmt auch irgendwo in Deiner Nähe! Und pssst, streng geheim: Sascha wäre nicht Sascha, sondern sagen wir seine Oma, wenn er nicht auch bei “ FAST FERTIG!“ mindestens einen oder zwei neue Puppencharaktere „aus dem Bauch“ zaubern würde. Angeblich diesmal mit dabei: seine bisher größte und bisher kleinste Puppe. Die eine hat zwei Ohren und die andere ist der Schrecken der Meere. Oha.
Sascha Grammel „FAST FERTIG!“ – live! Kleiner Tipp: Unbedingt hingehen!!!
Von der „Generation Instagram“ lernen, heißt siegen lernen! Deswegen zeigt BÜLENT seinem Publikum nicht die kalte Schulter, sondern die rasierte Brust. Bülent macht sich zum LUSCHTOBJEKT! Optik statt Inhalt, Nippel statt Nietzsche! Kabarettpreise müssen warten. Bülent bedient als LUSCHTOBJEKT alle nur denkbaren Geschlechter und Vorlieben: osmanophile Kurpfalz-Lover, Langhaar-Fetischisten oder Liebhaber großer Nasen und kleiner Bärte… bei BÜLENT packt jeden die Wolluscht! Und wer Intelligenz sexy findet, wird natürlich auch befriedigt nach Hause gehen.
Aber BÜLENT macht sich in seinem 11. Live-Programm nicht nur selbst zum LUSCHTOBJEKT, er macht sich auch über Luschtobjekte lustig. Über seine eigenen (Frauenfüße und Gummifrösche) und über die anderer Leute. Denn heute kann offenbar alles ein LUSCHTOBJEKT sein: Autos, Schuhe, Smartphones… es gibt sogar Menschen, die Atomkraftwerke lieben. Selbst Götter sind objektophil! Und weil der Donnergott THOR bekanntlich gebürtiger Mannheimer ist, verrät er bei BÜLENT weltexklusiv und zum ersten Mal, wo, wann und wie bei ihm der Hammer hängt. Das wird luschtig, versprochen!
Seit mehr als 20 Jahren beweisen Freddy Malinowski und Martin Hein, dass die Begriffe Fantasy und Schlagererfolg untrennbar zusammengehören. Nur wenige Künstler verstehen es wie FANTASY, ihre Fans auf eine Reise in eine Phantasiewelt mit ausgelassener Partystimmung, stillen Momenten und Gedanken an Leidenschaft und Liebe mitzunehmen. Großartige Unterhaltung ist bei jedem FANTASY-Konzert garantiert! Das erfolgreiche Schlagerduo sorgt bei seinen einzigartigen Live-Konzerten für ausverkaufte Arenen und ist auch aus den großen TV-Shows nicht mehr wegzudenken. FANTASY hat sich damit definitiv in die erste Reihe der deutschsprachigen Schlagerszene eingereiht. Die Liste der Auszeichnungen, die das Duo mit den spektakulär schönen Bühnenshows verliehen bekam, ist lange. Sie umfasst neben zahlreichen Gold- und Platinauszeichnungen ihrer Alben im gesamten deutschsprachigen Raum auch sechs Echo-Nominierungen und drei, von Florian Silbereisen überreichten, „EINS der Besten“-Auszeichnungen in Folge (2017, 2018 und 2019). Ein Ende ihrer außergewöhnlichen Karriere ist noch lange nicht in Sicht und die eingeschworene Fangemeinde von FANTASY darf sich jetzt schon auf DIE GROSSE CASANOVA ARENA TOUR 2020/2021 mit vielen Überraschungsmomenten freuen.
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Erleben Sie das unvergleichliche Tanz-Musical „Havana Nights“ und einen Abend mit authentischer Karibik-Atmosphäre. Erliegen Sie dem Charme und dem Schwung eines wahrhaft charaktervollen Landes. Havanna sehen, hören und fühlen! Die besten Tänzer Havannas, eine Starbesetzung des „Circo Nacional de Cuba“ und eine Live „Girl-Band” präsentieren eine spektakuläre Inszenierung des neuen Tanz-Musicals „Havana Nights“ und entführen das Publikum auf die heißblütige Insel Kuba. Erleben Sie eine feurige Mischung aus Salsa, Merengue, Hip-Hop, Breakdance und kubanischer Zirkustradition. 34 hochkarätige Künstler, höchstes tänzerisches Niveau und unglaubliche akrobatische und musikalische Darbietungen werden geboten. Die Leidenschaft, das Temperament und die Dynamik der Karibik lassen das Erlebnis vollkommen werden.
Hazel Brugger ist wieder da, und das ist auch gut so. In ihrem zweiten Programm spricht sie über die großen Themen dieser Welt.
Als Formulierungshilfe für den Einstieg böte sich vielleicht an:
