Veranstaltungskalender Eberthalle und Pfalzbau

Menschen mit Idealismus sind bewundernswert. Selbstlos setzen sie sich für die gute Sache ein, für das Wohl anderer Menschen, für Gerechtigkeit. Seien wir ehrlich: es gibt nicht viele, denen man das uneingeschränkt nachsagen kann. Gottfried von Berlichingen ist ein solcher Mann. Gegen die Dekadenz des aufstrebenden Adels verteidigt er die alten Ritterrechte, kämpft für die Belange des Volkes und schert sich wenig um sein Ansehen bei der Obrigkeit. Kommt er in Schwierigkeiten, hilft er sich mit dem  berühmten Zitat.

Die erste Fassung seines später Götz von Berlichingen genannten Stücks schrieb Johann Wolfgang von Goethe mit 22 Jahren. Viel ist darin zu spüren vom Aufruhr eines jungen Mannes, der Großes erreichen will und sich an der abgeklärten Gesellschaft reibt. Nicht umsonst gilt Götz von Berlichingen als Urstück des Sturm und Drang. Aber trotz seiner Jugend zeigt Goethe sich klug genug, die energische Unbedingtheit seiner Hauptfigur in Frage zu stellen. Gottfried von Berlichingen regiert mit der eisernen Faust und ist nicht bereit, eigene Anschauungen zu überdenken. Am Ende geht sein Kalkül nicht auf, er bezahlt mit dem Leben. Wo endet die Freiheit des Einzelnen, wo beginnt radikales Denken? Eine Frage von höchster Aktualität.

Intendant Tilman Gersch inszeniert die suggestive, sprachgewaltige erste Fassung des Götz von Berlichingen mit Schauspielern eigens für die Pfalzbau Bühnen Ludwigshafen. 2015 war hier sein Wiesbadener Faust zu Gast, nun führt er die Auseinandersetzung mit dem dramatischen Werk Johann Wolfgang von Goethes fort.

Menschen mit Idealismus sind bewundernswert. Selbstlos setzen sie sich für die gute Sache ein, für das Wohl anderer Menschen, für Gerechtigkeit. Seien wir ehrlich: es gibt nicht viele, denen man das uneingeschränkt nachsagen kann. Gottfried von Berlichingen ist ein solcher Mann. Gegen die Dekadenz des aufstrebenden Adels verteidigt er die alten Ritterrechte, kämpft für die Belange des Volkes und schert sich wenig um sein Ansehen bei der Obrigkeit. Kommt er in Schwierigkeiten, hilft er sich mit dem  berühmten Zitat.

Die erste Fassung seines später Götz von Berlichingen genannten Stücks schrieb Johann Wolfgang von Goethe mit 22 Jahren. Viel ist darin zu spüren vom Aufruhr eines jungen Mannes, der Großes erreichen will und sich an der abgeklärten Gesellschaft reibt. Nicht umsonst gilt Götz von Berlichingen als Urstück des Sturm und Drang. Aber trotz seiner Jugend zeigt Goethe sich klug genug, die energische Unbedingtheit seiner Hauptfigur in Frage zu stellen. Gottfried von Berlichingen regiert mit der eisernen Faust und ist nicht bereit, eigene Anschauungen zu überdenken. Am Ende geht sein Kalkül nicht auf, er bezahlt mit dem Leben. Wo endet die Freiheit des Einzelnen, wo beginnt radikales Denken? Eine Frage von höchster Aktualität.

Intendant Tilman Gersch inszeniert die suggestive, sprachgewaltige erste Fassung des Götz von Berlichingen mit Schauspielern eigens für die Pfalzbau Bühnen Ludwigshafen. 2015 war hier sein Wiesbadener Faust zu Gast, nun führt er die Auseinandersetzung mit dem dramatischen Werk Johann Wolfgang von Goethes fort.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Ein Kuss ist in der Regel eine Geste des Vertrauens und der Liebe. Wie aber verhält es sich mit dem Judaskuss? In der christlichen Kultur steht dieses Wort für den schlimmsten Verrat, den je ein Mensch begangen hat. Der Jünger Judas Iskariot war es, der mit ebendiesem Kuss seinen Propheten Jesus den römischen Häschern preisgab. Was ihn zu dieser Tat bewog, bleibt bis heute im Dunkeln. Den Lohn von dreißig Silberlingen warf er nach dem Todesurteil empört in einen Tempel, dann erhängte er sich, verzweifelt und ohne jede Erklärung. Schnell war er zur Verkörperung des Bösen abgestempelt, und nur wenige haben sich seither die Mühe gemacht, seine Motivation zu befragen.

Die Autorin Lot Vekemans gibt Judas nun eine Stimme. Nach 2000 Jahren beginnt er zu sprechen – ein Akt der Befreiung von einer unermesslichen Schuld. Lot Vekemans geht es in ihrem klug differenzierten Monolog aber nicht um eine simple Rechtfertigung. Judas ringt selbst darum, sein rätselhaftes Handeln plausibel zu machen. Sichtbar wird vor allem der ungeheure Schmerz über die Tat, die auch ihm nicht bis ins letzte ergründbar scheint, und über die Bürde, für immer ein Symbol des Sündhaften zu sein. In der Essenz steht Judas als einer vor uns, der kämpft und fehlbar ist – wie wir alle.
2017 inszenierte Tilman Gersch das Stück am Staatstheater Karlsruhe, gezeigt wurde es dort und auch hier in Ludwigshafen in verschiedenen Kirchen.

Timo Tank spielt den Verfemten mit aller zweifelnden Unwucht, Gewalt und Liebe, dem verbitterten Zorn und der empfindsamen Verletzlichkeit eines Mannes, der sich seit 2000

Jahren in eigener Flamme verzehrt, ohne Erlösung zu finden. Der Dämon, der seinem Judas

Iskariot innewohnt, heißt Mensch. Eine herausragende Leistung. Mannheimer Morgen

Alles beginnt mit einem Versprechen: Sechs Jugendliche wollen nicht einfach das Dasein ihrer Eltern erben. Deshalb ziehen sie gemeinsam ins Auerhaus, aus dem die Nachbarn von nun an ständig den Song „Our House“ von Madness hören. Doch die Schüler wollen nicht nur ihr eigenes Leben leben, sondern vor allem das ihres Freundes Frieder retten, der nicht weiß, warum er überhaupt leben soll. Außer Frieder wohnen in der Schüler-WG noch das reiche Töchterchen Cäcilia, die rebellische Kleptomanin Vera, der zaudernde Höppner, der sich vor der Musterung drückt, die makellos schöne Brandstifterin Pauline und der schwule Kiffer Harry. Die eigenwilligen Idealisten verhalten sich streng nach den Spielregeln ihres radikal-alternativen Lebensentwurfs: Ladendiebstahl heißt Einkaufen, die Musterungsakte liegt im Tiefkühlfach, feiern und reden dienen der Rettung. Es geht um alles:  Freundschaft und Liebe, Gegenwart und Zukunft, Leben und Tod. Die Inszenierung von Philippe Besson spiegelt das wilde, verrückte Lebensgefühl der Teenager wider, das Bov Bjerg in seinem  Überraschungsbestseller mit Leichtigkeit und Tiefsinn beschreibt. Eine Geschichte für junge  Erwachsene und jene, die das Erwachsenwerden schon hinter sich haben und jetzt unentrinnbar im Ernst des Lebens angekommen sind. Auch wenn die Utopie letztlich scheitert, dürfen wir uns am Ende fragen, ob unsere vermeintlichen Sicherheiten es wirklich wert sind, den jugendlichen Leicht-Sinn so restlos aus unserem Leben verbannt zu haben.

Von 1994-1996 war Philippe Besson Oberspielleiter am Ulmer Theater. Später leitete er acht Jahre lang die Kinder- und Jugendtheatersparte am Hans-Otto-Theater Potsdam. Von 2009-2011 war er Oberspielleiter in Dresden. Seine Inszenierung Wir alle für immer zusammen wurde 2007 für den Theaterpreis DER FAUST in der Sparte „Beste Regie Kinder- und Jugendtheater“ nominiert. 2016 war seine bejubelte Theater-am-Kurfürstendamm-Inszenierung Roter Hahn im Biberpelz erfolgreich auf Tournee.

Pauline staunt nicht schlecht, als Eric mit einem Strauß Rosen vor ihrer Tür steht – sieben Jahre, nachdem sie ihn bei Nacht und Nebel verlassen hatte. Eric ist Gründer, Inhaber und einziger Mitarbeiter der Agentur Trennung frei Haus: Für anonyme Kunden, die ihrer Partner überdrüssig sind, übernimmt er das unangenehme Geschäft des Schlussmachens. Mit einem solchen Auftrag steht er also jetzt unvermutet der Liebe seines Lebens gegenüber, doch Hyppolite, Paulines aktueller Lover, hat sich das mit der Trennung kurzfristig anders überlegt und erscheint kurze Zeit später ebenfalls bei Pauline. Als er anruft, um den Auftrag bei Trennung frei Haus in letzter Minute zu canceln, fällt er aus allen Wolken: Das Handy klingelt bei seinem Gegenüber…

Nach der Uraufführung in der Inszenierung des Autors in der Pariser Comédie de Bastille im Jahre 2015 (dort spielte der Autor selbst die Rolle des Hyppolite) wurde Rupture à Domicile in Avignon und auf einer Frankreichtournee gespielt und von Mai bis September 2017 im Le Splendid in Paris wiederaufgenommen. Autor Tristan Petitgirard wurde als bester zeitgenössischer französischsprachiger Autor für den renommierten Prix Molière 2015 nominiert.

Pauline staunt nicht schlecht, als Eric mit einem Strauß Rosen vor ihrer Tür steht – sieben Jahre, nachdem sie ihn bei Nacht und Nebel verlassen hatte. Eric ist Gründer, Inhaber und einziger Mitarbeiter der Agentur Trennung frei Haus: Für anonyme Kunden, die ihrer Partner überdrüssig sind, übernimmt er das unangenehme Geschäft des Schlussmachens. Mit einem solchen Auftrag steht er also jetzt unvermutet der Liebe seines Lebens gegenüber, doch Hyppolite, Paulines aktueller Lover, hat sich das mit der Trennung kurzfristig anders überlegt und erscheint kurze Zeit später ebenfalls bei Pauline. Als er anruft, um den Auftrag bei Trennung frei Haus in letzter Minute zu canceln, fällt er aus allen Wolken: Das Handy klingelt bei seinem Gegenüber…

Nach der Uraufführung in der Inszenierung des Autors in der Pariser Comédie de Bastille im Jahre 2015 (dort spielte der Autor selbst die Rolle des Hyppolite) wurde Rupture à Domicile in Avignon und auf einer Frankreichtournee gespielt und von Mai bis September 2017 im Le Splendid in Paris wiederaufgenommen. Autor Tristan Petitgirard wurde als bester zeitgenössischer französischsprachiger Autor für den renommierten Prix Molière 2015 nominiert.

Macht euch bereit für die einzigartige Menstripshow mit gekonnten Moves, faszinierender Akrobatik, live Gesang und natürlich jeder Menge nackter Haut. Eins ist sicher: Die Jungs werden hier nicht die einzigen sein, die ins Schwitzen kommen. Denn bei schmutzig-glänzenden Handwerker-Armen und Knack-Pos unter der Dusche steigt das Hotness-Barometer schnell in ins unermessliche. Also, sichert euch jetzt die begehrten Tickets!
Ihr wollt die SIXX PAXX am liebsten mit nach Hause nehmen? Kein Problem: Nach der Show könnt ihr bei einem Fotoshooting mit den Jungs auf Tuchfühlung gehen und euch den Schnappschuss sofort mitnehmen. Die heißeste Erinnerung an den SIXX PAXX ROXX Abend.

Mit seiner jüngsten Kreation To a simple, rock’n’roll…song hat Großbritanniens „wildes Kind“ Michael Clark zusammen mit seiner Company Begeisterungsstürme bei Publikum und Kritik hervorgerufen. Der Evening Standard beschrieb die Produktion als puren Adrenalin-Stoß, von der einem der Kopf schwirrt – in positivem Sinne selbstverständlich. To a simple, rock’n’roll…song ist ein explosiver Cocktail bestehend aus Tanz, kultischer Musik und prächtigen Bildern. Erik Satie, Patti Smith und David Bowie liefern den Soundtrack zu Clarks fesselnder Choreographie. In drei Akten kommt jede der musikalischen Kultfiguren zu ihrem Recht: das Werk beginnt mit einer kühlen Reflexion über Satie, bevor es zum  spannungsgeladenen Punk-Rock von Patti Smith kraftvoll losprescht. Das sensationelle Finale ist einem erhabenen und feinsinnigen David Bowie gewidmet und spannt einen Bogen von Melancholie zu frohgemuter Rebellion.

Von Anfang an waren Michael Clarks Aufführungen geprägt von technischer Perfektion und Experimentierfreude, einer kräftigen und ausgefeilten choreographischen Handschrift, die Elemente aus Punk, Dada, Pop und Rock aufgreift. Mit seinen Produktionen, die zugleich provozieren und das Publikum regelrecht unter Strom setzen, hat er sich neues Terrain erobert. 1984 gründete Clark seine eigene Company, die seitdem in führende Häuser in Europa, Nord- und Süd-Amerika, Asien und Australien eingeladen wird, seit 2005 ist sie am Barbican Theatre in London verortet. Darüber hinaus hat Michael Clark mit seiner Company den Tanz an neue Zuschauerschichten durch Auftritte an ungewöhnlichen Orten herangeführt wie dem Glastonbury Festival oder dem legendären Barrowland Ballroom in Glasgow sowie durch die Zusammenarbeit mit angesagten Künstlern, Mode-Designern, Musikern und Filmemachern.

Die Tanzband Manhattan Six und 2 Discoanlagen sorgen für die musikalische Unterhaltung auf den beiden Tanzflächen. Die Gäste erwartet eine fantasievolle Saaldekoration und ein umfangreiches Showprogramm.

Die Titelfigur dieser zauberhaften Geschichte ist ein kleiner Hund, der sich um alle Steine kümmern will, die er findet. Manche sind groß, andere sind klein. Der eine ist traurig und einem anderen ist kalt. Allen ist gemeinsam, dass sie unbedingt mitgenommen werden wollen. Und das macht der kleine Hund. Jeder einzelne Stein folgt Aston nach Hause und wird von einem warmen, behaglichen Bett empfangen. Seine Eltern sind zunächst sehr verständnisvoll und geduldig, werden aber allmählich immer besorgter angesichts der wachsenden Anzahl an Steinen in ihrem Wohnzimmer. Schließlich hoffen sie, einen neuen, besseren Ort zu finden, an dem sich Astons Steine wohl fühlen könnten.

Die Geschichte Astons Steine handelt davon, wie leicht es ist, etwas oder jemanden lieb zu gewinnen.

Sie zeigt, wie großartig es ist, den Wert kleiner Dinge zu schätzen zu wissen – auch wenn es dabei „nur“ um einen Stein geht. Für Kinder ist es so einfach zu lieben und Empathie zu empfinden, ohne Wenn und Aber, ganz ohne Einschränkung. Als Erwachsener kann man sich vielleicht nur noch daran erinnern, wie einfach es war.

Die Titelfigur dieser zauberhaften Geschichte ist ein kleiner Hund, der sich um alle Steine kümmern will, die er findet. Manche sind groß, andere sind klein. Der eine ist traurig und einem anderen ist kalt. Allen ist gemeinsam, dass sie unbedingt mitgenommen werden wollen. Und das macht der kleine Hund. Jeder einzelne Stein folgt Aston nach Hause und wird von einem warmen, behaglichen Bett empfangen. Seine Eltern sind zunächst sehr verständnisvoll und geduldig, werden aber allmählich immer besorgter angesichts der wachsenden Anzahl an Steinen in ihrem Wohnzimmer. Schließlich hoffen sie, einen neuen, besseren Ort zu finden, an dem sich Astons Steine wohl fühlen könnten.

Die Geschichte Astons Steine handelt davon, wie leicht es ist, etwas oder jemanden lieb zu gewinnen.

Sie zeigt, wie großartig es ist, den Wert kleiner Dinge zu schätzen zu wissen – auch wenn es dabei „nur“ um einen Stein geht. Für Kinder ist es so einfach zu lieben und Empathie zu empfinden, ohne Wenn und Aber, ganz ohne Einschränkung. Als Erwachsener kann man sich vielleicht nur noch daran erinnern, wie einfach es war.

Die Geschichte spielt in Chabot, einem verschlafenen kleinen Dorf im US-Bundesstaat Mississippi. Dort lebt Larry Ott, der verdächtigt wird, vor Jahren eine junge Frau ermordet zu haben. Auch wenn er vor Gericht freigesprochen wurde, steht ihm seitdem die gesamte Dorfgesellschaft feindselig gegenüber, man nennt ihn nur noch „Scary Larry“. Als dann eine weitere Frau verschwindet, steht der Täter natürlich schon fest. Betrunkene Vandalen randalieren vor Larrys Haus, bis die Situation eskaliert und er angeschossen wird. Mit den Ermittlungen zu diesem Fall wird Silas Jones betraut, ein junger Schwarzer, der in Chabot aufgewachsen ist und nun nach langen Jahren wieder in seine Heimat zurückkehrt. Als Kinder verband Silas und den schon damals sozial isolierten, gemobbten Larry eine enge Freundschaft, die nach dem vermeintlichen Mordfall in die Brüche ging. Mit dem Aufeinandertreffen der Protagonisten brechen die Wunden der Vergangenheit wieder auf, denn auch Silas hat einst eine schwere Schuld auf sich geladen, die er nun zu bereinigen versucht.

Die Geschichte spielt in Chabot, einem verschlafenen kleinen Dorf im US-Bundesstaat Mississippi. Dort lebt Larry Ott, der verdächtigt wird, vor Jahren eine junge Frau ermordet zu haben. Auch wenn er vor Gericht freigesprochen wurde, steht ihm seitdem die gesamte Dorfgesellschaft feindselig gegenüber, man nennt ihn nur noch „Scary Larry“. Als dann eine weitere Frau verschwindet, steht der Täter natürlich schon fest. Betrunkene Vandalen randalieren vor Larrys Haus, bis die Situation eskaliert und er angeschossen wird. Mit den Ermittlungen zu diesem Fall wird Silas Jones betraut, ein junger Schwarzer, der in Chabot aufgewachsen ist und nun nach langen Jahren wieder in seine Heimat zurückkehrt. Als Kinder verband Silas und den schon damals sozial isolierten, gemobbten Larry eine enge Freundschaft, die nach dem vermeintlichen Mordfall in die Brüche ging. Mit dem Aufeinandertreffen der Protagonisten brechen die Wunden der Vergangenheit wieder auf, denn auch Silas hat einst eine schwere Schuld auf sich geladen, die er nun zu bereinigen versucht.

Die schöne Jenufa steht zwischen zwei Männern, den Halbbrüdern Stewa und Laca. Sie ist in den lebenslustigen, aber unzuverlässigen Stewa verliebt und erwartet heimlich ein Kind von ihm. Zur Verzweiflung von Jenufa verbietet ihre strenge Adoptivmutter, die Küsterin Buryja, eine Hochzeit – Stewa soll sich in einem Probejahr als würdig erweisen und das Trinken aufgeben. Als dann der stille, in sich gekehrte Laca seine Liebe erklärt und Jenufa umarmen will, kommt es zur Katastrophe: Jenufa stößt ihn zurück, worauf Laca im Jähzorn mit einem Messer ihre Wangen zerschneidet. Jenufa bringt ihr Kind im Verborgenen zur Welt. Die Küsterin versucht, Stewa doch noch zu einer Ehe mit Jenufa zu bewegen, aber für die so entstellte junge Frau hat Stewa kein Interesse mehr. Die Küsterin sieht nur noch einen Ausweg und lässt das Kind verschwinden, um doch eine Hochzeit zwischen Jenufa und dem bereuenden Laca zu ermöglichen. Doch gerade am Tag der Hochzeit taut das Eis und gibt die Kinderleiche frei …

Jenufa, Leoš Janácĕks dritte Opernkomposition, ist sein erstes Bühnenwerk, das sich dauerhaft mit Erfolg im Repertoire halten konnte. Dabei war der Weg auf die Bühne ein steiniger, denn die Partitur wurde am Prager Nationaltheater abgelehnt. So fand die erfolgreiche, jedoch folgenlose Uraufführung am 21. Januar 1904 in Brno (Brünn) statt. Erst 1916 kam die Oper dann mit einigen Veränderungen zur Aufführung in Prag und wurde zu einem Triumph für Janácĕk.

Der Abend verwöhnt mit aktueller Live-Musik des Gala- und Showorchesters Kim & Kas und mit spannenden Tanzeinlagen. Neben der traditionellen Eröffnungspolonaise und verschiedenen Show-Elementen bleibt ausreichend Zeit fürs eigene Tanzvergnügen.

Zu Gast
Fechtabteilung des TSG Friesenheim
Weingut Lucashof, Forst an der Weinstraße

MUSKETIERE IN FRIESENHEIM

PFALZBAU BÜHNEN LUDWIGSHAFEN

Der Treffpunkt für Musikfans aller Richtungen. Verkauf, Tausch + Kauf von Tonträgern aller Art (CDs, DVDs, Schallplatten, etc. – Neu- und Gebrauchtware), Importe, Raritäten, Poster, Musikzeitschriften, Zubehör, etc. mit DVD-/ Blu-ray Disc- Film- Börsen & Film Area:

DVDs, Blue-Ray Discs und Videos mit Filmen jeden Geschmacks ( Krimis, Fantasy, Comedy, Erotik, Abenteuer, Science Fiction, Klassiker, Action, Horror, Drama, etc.) von heute und gestern (Neu- und Gebrauchtware) .

Die schöne Jenufa steht zwischen zwei Männern, den Halbbrüdern Stewa und Laca. Sie ist in den lebenslustigen, aber unzuverlässigen Stewa verliebt und erwartet heimlich ein Kind von ihm. Zur Verzweiflung von Jenufa verbietet ihre strenge Adoptivmutter, die Küsterin Buryja, eine Hochzeit – Stewa soll sich in einem Probejahr als würdig erweisen und das Trinken aufgeben. Als dann der stille, in sich gekehrte Laca seine Liebe erklärt und Jenufa umarmen will, kommt es zur Katastrophe: Jenufa stößt ihn zurück, worauf Laca im Jähzorn mit einem Messer ihre Wangen zerschneidet. Jenufa bringt ihr Kind im Verborgenen zur Welt. Die Küsterin versucht, Stewa doch noch zu einer Ehe mit Jenufa zu bewegen, aber für die so entstellte junge Frau hat Stewa kein Interesse mehr. Die Küsterin sieht nur noch einen Ausweg und lässt das Kind verschwinden, um doch eine Hochzeit zwischen Jenufa und dem bereuenden Laca zu ermöglichen. Doch gerade am Tag der Hochzeit taut das Eis und gibt die Kinderleiche frei …

Jenufa, Leoš Janácĕks dritte Opernkomposition, ist sein erstes Bühnenwerk, das sich dauerhaft mit Erfolg im Repertoire halten konnte. Dabei war der Weg auf die Bühne ein steiniger, denn die Partitur wurde am Prager Nationaltheater abgelehnt. So fand die erfolgreiche, jedoch folgenlose Uraufführung am 21. Januar 1904 in Brno (Brünn) statt. Erst 1916 kam die Oper dann mit einigen Veränderungen zur Aufführung in Prag und wurde zu einem Triumph für Janácĕk.

Eine Stadt befindet sich im Ausnahmezustand: Ein Kindermörder treibt sein Unwesen, und an jedem Ort, zu jeder Zeit kann er wieder zuschlagen. Die fieberhafte Fahndung der Polizei läuft ins Leere; alle Sicherheitsvorkehrungen erweisen sich als nutzlos. Der Fall ist ein gefundenes Fressen für die Lokalpresse und ein sensationslüsternes Publikum. Die „anständigen“ Verbrecher der Stadt hingegen mobilisieren sich, um dem Mörder in Selbstjustiz beizukommen. Ein rasantes Katz- und Maus-Spiel zwischen Mörder, Polizei und Untergrund beginnt.

Fritz Langs Stummfilmklassiker aus dem Jahre 1931 ist in seiner schneidenden Analyse der Mechanismen von Angst und Terror, Meinungsmache und Massenhysterie aktuell wie je. Regisseurin Roscha A. Säidow hat den Stoff auf diese Bezüge hin abgeklopft und eine Bühnenfassung geschrieben, die Klassiker und Gegenwart subtil und eindringlich verbindet. Im Verbund mit Andres Böhmer hat sie eigens für die Inszenierung markante Songs im Big-Band-Stil komponiert.

Die Schauspieler nutzen alles, was sie in die Hände kriegen: Musikinstrumente, Projektionen, Objekte und Puppen – letztere aus Fundstücken zusammengesetzt, von riesengroß bis minimalistisch, von Handpuppe bis Marionette bis Tischfigur. Schauspiel verbindet sich mit Figurentheater, Konzert mit Show zu einem interdisziplinären Gesamtkunstwerk. Unter dem verschwörerischen Deckmantel der Farce wird so freigelegt, was unsere Gesellschaft mit Mördern und Mörder mit unserer Gesellschaft machen.

Auf anschauliche Weise erfahren Jugendliche ohne Behinderung bei dieser Veranstaltung, was es bedeutet, im Alltag auf einen Rollstuhl angewiesen zu sein. Denn die teilnehmenden Schülerinnen und Schüler erproben in Wettfahrten und im Rahmen eines Basketball-Turniers ihr Geschick im Umgang mit diesem Fortbewegungsmittel. Seit Beginn dieser Veranstaltung konnten auf diese Weise zwischen 7.000 und 8.000 junge Menschen in den Rollstuhl gebeten werden.

Weil Lummerland zu klein wird, verlassen Jim und sein Freund Lukas mit Emma, der multifunktionalen Lokomotive, ihre Heimat. Auf ihrer Reise ins Unbekannte begegnen sie skurrilen Gestalten wie Ping Pong, einem Diener des chinesischen Kaisers, oder Herrn Tur Tur, dem unglücklichen Scheinriesen – und am Ende den eigenen Wurzeln: In Kummerland wollen sie nicht nur die chinesische Prinzessin vor dem Furcht erregenden Drachen Frau Mahlzahn befreien, sondern auch das Geheimnis von Jims Herkunft lösen.

Mit Fabulierkunst, Spielfertigkeit und -freude auf allerhöchstem Niveau, vielen überraschenden, witzigen und poetischen Momenten kommt die Inszenierung von Regisseur Pierre Schäfer Michael Ende ganz nah: Das wahre Abenteuer liegt für den Menschen in einem Ausflug in das Reich der Fantasie. Für Michael Ende selbst ist sein Erstling zum Wendepunkt geworden: Erst mit diesem Buch beginnt seine Laufbahn als Schriftsteller. […] Verdientermaßen gibt es viel Beifall. Es scheint nicht allzu vermessen, zu vermuten: Michael Ende hätte es gemocht. Volksstimme

Weil Lummerland zu klein wird, verlassen Jim und sein Freund Lukas mit Emma, der multifunktionalen Lokomotive, ihre Heimat. Auf ihrer Reise ins Unbekannte begegnen sie skurrilen Gestalten wie Ping Pong, einem Diener des chinesischen Kaisers, oder Herrn Tur Tur, dem unglücklichen Scheinriesen – und am Ende den eigenen Wurzeln: In Kummerland wollen sie nicht nur die chinesische Prinzessin vor dem Furcht erregenden Drachen Frau Mahlzahn befreien, sondern auch das Geheimnis von Jims Herkunft lösen.

Mit Fabulierkunst, Spielfertigkeit und -freude auf allerhöchstem Niveau, vielen überraschenden, witzigen und poetischen Momenten kommt die Inszenierung von Regisseur Pierre Schäfer Michael Ende ganz nah: Das wahre Abenteuer liegt für den Menschen in einem Ausflug in das Reich der Fantasie. Für Michael Ende selbst ist sein Erstling zum Wendepunkt geworden: Erst mit diesem Buch beginnt seine Laufbahn als Schriftsteller. […] Verdientermaßen gibt es viel Beifall. Es scheint nicht allzu vermessen, zu vermuten: Michael Ende hätte es gemocht. Volksstimme

Etwa 90 Prozent unserer Kommunikation findet über Körpersprache statt – Grund genug, um diesem Aspekt seinen gebührenden Platz in der Schauspielkunst einzuräumen. Von den Akteuren der Familie Flöz wird dies seit über zwanzig Jahren konsequent umgesetzt. Im Zentrum ihrer Produktionen steht das ausgefeilte Spiel mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers: Durch Pantomime, Maskenspiel, Tanz, Clownerie und Artistik schaffen sie Theatererlebnisse mit einer einzigartigen Poesie – ebenso anrührend wie skurril. Hotel Paradiso widmet sich einem klassischen Bühnenstoff: der zufälligen Begegnung unverhofft zusammen treffender Gäste in einem abgelegenen Gasthaus. Einst machte es seinem Namen und den vier Sternen alle Ehre. Doch inzwischen leidet der Betrieb unter der erbitterten Rivalität von Sohn und Tochter um die Fortführung des Hotels nach dem Tod des Vaters. Das Dienstmädchen bestiehlt die Gäste und der Koch treibt sein Unwesen im Gästehaus. Zunehmend geraten Personal und Gäste in einen Strudel bitterböser Ereignisse. Bodenlose Abgründe tun sich auf, denen niemand entkommt. Ein Alptraum voll von schwarzem Humor, romantischer Sehnsucht nach der großen Liebe und grotesken Begebenheiten im komplexen Beziehungsspiel der Figuren, deren verschrobener Charakter durch eigens angefertigte Masken zum Vorschein kommt.

Hotel Paradiso beschreibt Himmel und Hölle eines Familienbetriebs im Niedergang. Ein fantastisches Theatererlebnis, durchzogen mit musikalischen Intermezzi und Slapstick, unter großartigem Einsatz sagenhafter Körperbeherrschung – urkomisch wie das Leben selbst.

Gegründet 1994 an der Folkwangschule Essen, ist die Familie Flöz heute ein internationaler Pool von Theaterschaffenden aus zehn Nationen, die in über 30 Ländern auftreten. Die Truppe erhielt zahlreiche Preise, u.a. 2015 den Monica-Bleibtreu-Award Beste Komödie. Hotel Paradiso gastierte weit über Europa hinaus in China, Indien und Vietnam. Seit 2008 produziert die Truppe regelmäßig mit dem Theaterhaus Stuttgart und dem Theater Duisburg.

Etwa 90 Prozent unserer Kommunikation findet über Körpersprache statt – Grund genug, um diesem Aspekt seinen gebührenden Platz in der Schauspielkunst einzuräumen. Von den Akteuren der Familie Flöz wird dies seit über zwanzig Jahren konsequent umgesetzt. Im Zentrum ihrer Produktionen steht das ausgefeilte Spiel mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers: Durch Pantomime, Maskenspiel, Tanz, Clownerie und Artistik schaffen sie Theatererlebnisse mit einer einzigartigen Poesie – ebenso anrührend wie skurril. Hotel Paradiso widmet sich einem klassischen Bühnenstoff: der zufälligen Begegnung unverhofft zusammen treffender Gäste in einem abgelegenen Gasthaus. Einst machte es seinem Namen und den vier Sternen alle Ehre. Doch inzwischen leidet der Betrieb unter der erbitterten Rivalität von Sohn und Tochter um die Fortführung des Hotels nach dem Tod des Vaters. Das Dienstmädchen bestiehlt die Gäste und der Koch treibt sein Unwesen im Gästehaus. Zunehmend geraten Personal und Gäste in einen Strudel bitterböser Ereignisse. Bodenlose Abgründe tun sich auf, denen niemand entkommt. Ein Alptraum voll von schwarzem Humor, romantischer Sehnsucht nach der großen Liebe und grotesken Begebenheiten im komplexen Beziehungsspiel der Figuren, deren verschrobener Charakter durch eigens angefertigte Masken zum Vorschein kommt.

Hotel Paradiso beschreibt Himmel und Hölle eines Familienbetriebs im Niedergang. Ein fantastisches Theatererlebnis, durchzogen mit musikalischen Intermezzi und Slapstick, unter großartigem Einsatz sagenhafter Körperbeherrschung – urkomisch wie das Leben selbst.

Gegründet 1994 an der Folkwangschule Essen, ist die Familie Flöz heute ein internationaler Pool von Theaterschaffenden aus zehn Nationen, die in über 30 Ländern auftreten. Die Truppe erhielt zahlreiche Preise, u.a. 2015 den Monica-Bleibtreu-Award Beste Komödie. Hotel Paradiso gastierte weit über Europa hinaus in China, Indien und Vietnam. Seit 2008 produziert die Truppe regelmäßig mit dem Theaterhaus Stuttgart und dem Theater Duisburg.

Etwa 90 Prozent unserer Kommunikation findet über Körpersprache statt – Grund genug, um diesem Aspekt seinen gebührenden Platz in der Schauspielkunst einzuräumen. Von den Akteuren der Familie Flöz wird dies seit über zwanzig Jahren konsequent umgesetzt. Im Zentrum ihrer Produktionen steht das ausgefeilte Spiel mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers: Durch Pantomime, Maskenspiel, Tanz, Clownerie und Artistik schaffen sie Theatererlebnisse mit einer einzigartigen Poesie – ebenso anrührend wie skurril. Hotel Paradiso widmet sich einem klassischen Bühnenstoff: der zufälligen Begegnung unverhofft zusammen treffender Gäste in einem abgelegenen Gasthaus. Einst machte es seinem Namen und den vier Sternen alle Ehre. Doch inzwischen leidet der Betrieb unter der erbitterten Rivalität von Sohn und Tochter um die Fortführung des Hotels nach dem Tod des Vaters. Das Dienstmädchen bestiehlt die Gäste und der Koch treibt sein Unwesen im Gästehaus. Zunehmend geraten Personal und Gäste in einen Strudel bitterböser Ereignisse. Bodenlose Abgründe tun sich auf, denen niemand entkommt. Ein Alptraum voll von schwarzem Humor, romantischer Sehnsucht nach der großen Liebe und grotesken Begebenheiten im komplexen Beziehungsspiel der Figuren, deren verschrobener Charakter durch eigens angefertigte Masken zum Vorschein kommt.

Hotel Paradiso beschreibt Himmel und Hölle eines Familienbetriebs im Niedergang. Ein fantastisches Theatererlebnis, durchzogen mit musikalischen Intermezzi und Slapstick, unter großartigem Einsatz sagenhafter Körperbeherrschung – urkomisch wie das Leben selbst.

Gegründet 1994 an der Folkwangschule Essen, ist die Familie Flöz heute ein internationaler Pool von Theaterschaffenden aus zehn Nationen, die in über 30 Ländern auftreten. Die Truppe erhielt zahlreiche Preise, u.a. 2015 den Monica-Bleibtreu-Award Beste Komödie. Hotel Paradiso gastierte weit über Europa hinaus in China, Indien und Vietnam. Seit 2008 produziert die Truppe regelmäßig mit dem Theaterhaus Stuttgart und dem Theater Duisburg.

Ein klarer Fall für den Notfall-Schampus: Benny geht für ein Jahr als Gastdozent nach New York – sein Anteil an der WG im 200-Quadratmeter-Altbau-Paradies muss untervermietet werden. Er möchte an den aktuellen gesellschaftlichen Veränderungen mitwirken und das Zimmer Flüchtlingen zur Verfügung stellen. Sofort nimmt das Gedankenkarussell der vier verbleibenden Stuckliebhaber rasant Fahrt auf. Wird man sich dann noch frei und nackt durch die Wohnung bewegen können? Wie lange freut man sich über die „südliche“ Lebensfreude? Und könnte man das Zusammenleben nicht in einem künstlerischen Projekt dokumentieren? Schnell verstricken sich Bennys Mitmieter in fragwürdige Überlegungen. Sie fürchten den Verlust feministischer Errungenschaften, werfen sich gegenseitig pathologischen Araberhass vor und loben pauschal das leckere syrische Essen – bis irgendwann der türkische Sozialarbeiter Achmed in der WG-Küche steht und die Diskussion in eine ganz neue Richtung dreht.

Deutschlands meistgespielte zeitgenössische Theaterautoren Lutz Hübner und Sarah Nemitz haben einen genauen Blick für unsere Befindlichkeiten und Ängste. Nicolai Sykosch, Experte für Komödien, bringt mit dieser Inszenierung großes Schauspielertheater auf die Bühne.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

David Maslanka – Symphony No. 10: The River of Time
(Europäische Uraufführung)

Guido Rennert – Konzert für Es-Altsaxophon

Solistin: Monika Leufgen

Yosuke Fokuda – Symphonic Dances

Renaissance Dances – Tango – Belly Dance – Hoe Down

Mitwirkende

Michael Francis Dirigent

Pinchas Zukerman Violine

Programm

Edward Elgar Konzert für Violine und Orchester h-moll, op. 61

Ralph Vaughan Williams Sinfonie Nr. 2 G-Dur „A London Symphony“

Beschreibung

Der israelische Ausnahmemusiker Pinchas Zukerman, der Vorbild für Generationen von Geigern geworden ist, gastiert erneut bei der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz – beim gemeinsamen Konzert in Ludwigshafen widmet sich Zukerman einer absoluten Herzenskomposition, dem Violinkonzert von Edward Elgar: Der Mosaikcharakter erzeugt eine besondere Verbindung zwischen Solist und Orchester und ein einmaliges Hörerlebnis für das Publikum. Mit der musikalischen Liebeserklärung „A London Symphony“ von Ralph Vaughan Williams bringt die Staatsphilharmonie unter der Leitung von Michael Francis die englische Metropole an den Rhein.

Die Auswahl für das Berliner Theatertreffen 2018 sorgte für eine Überraschung: Unter den Gewinnern fand sich eine Zweipersonen-Produktion, entstanden in einer Nebenspielstätte des Thalia Theaters Hamburg. Die Bühne der Gaußstraße eignet sich hervorragend für szenische Experimente, und ein solches ist das Wagnis, den weltumspannenden Mythos von der Irrfahrt des Odysseus derart unaufwändig zu erzählen.

Telemachos und Telegonos sind Söhne des Odysseus. Die Lücke, die der abwesende Vater hinterlässt, füllen sie spielerisch mit einer Flut von Phantasien über die Abenteuer, die er erlebt haben könnte.

So gegensätzlich die beiden Jungen in ihrem Charakter sind, so unterschiedlich ist das Bild, das sich jeder vom Vater macht: Der eine sieht in ihm den ruchlosen Krieger, der andere imaginiert einen zarten Schöngeist. Gemeinsam erwecken sie die Fabelwesen der antiken Legende zum Leben. Als Kyklopen, Vampire, Lustknaben und Monster entfachen sie einen Theaterzauber, der pure Lust am Erfinden ist. Bei all den überbordenden Bildern schaffen es die beiden grandiosen Darsteller immer noch, die Einsamkeit und Trauer der zurückgelassenen Kinder zu vermitteln, denen die Geborgenheit einer funktionierenden Familie fehlt.

 Thomas Niehaus und Paul Schröder sind schlichtweg großartig. Sie spielen sich und große Teile des Publikums geradezu um den Verstand. Nachtkritik

Antú Romero Nunes ist Regieabsolvent der Berliner Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“. Seit 2014 ist er Hausregisseur am Thalia Theater Hamburg und hat dort auch Brechts Dreigroschenoper inszeniert, die bei den Festspielen Ludwigshafen 2016 das Publikum begeisterte.

Er arbeitete außerdem u.a. am Maxim Gorki Theater Berlin, am Schauspiel Frankfurt und am Burgtheater Wien. 2012 wurde er mit dem renommierten Friedrich-Luft-Preis ausgezeichnet.

Wir bringen 150 Tontopftrommeln und begrüßen unsere Erde. Sie bringen bitte Familie, Freunde, die Nachbarn und ganz viel Freude am Tanz mit ins Theater im Pfalzbau!
Wir zeigen ein zweistündiges abwechslungsreiches Tanzprogramm, wunderschöne Musik, tolle Kostüme. Sie ziehen sich so an, wie Sie sich wohl fühlen und wenn es Sie vor Begeisterung über die vielen kleinen und großen Tänzerinnen und Tänzer von Pia´s Ballettstudio von den Sitzen reißt, kann man das nicht verhindern!Wir präsentieren Ihnen interessante Choreografien zur Musik aus vielen Ländern dieser Erde, eingebettet in das Ballettstück „Napoli“. Ein Fischer sucht seine Frau….
Sie müssen sich nicht wundern, wenn Ihnen bei so viel herzlicher Freude am Tanz der Kleinen ab 4 Jahren und so viel tänzerischem Können der vielen langjährigen Tanz- und BallettschülerInnen, danach ist, die vor Ihnen sitzende Person zu umarmen!

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Im Januar 2012 war sie schon einmal in Ludwigshafen – beim begeistert aufgenommenen Gastspiel der Pina Bausch Company mit dem asiatisch inspirierten Tanzstück Ten Chi. Nun steht Cristiana Morganti, dem Tanztheater Wuppertal seit mehr als 20 Jahren als Darstellerin verbunden, wieder in Ludwigshafen auf der Bühne und lädt im rassigen roten Kleid zu einer Reise durch das Pina-Bausch-Universum ein, gesehen aus der Perspektive einer Tänzerin. Mit Temperament und Charme entführt sie die Zuschauer in die ganz eigene faszinierende Welt der großen Künstlerin und ihrer Tänzerpersönlichkeiten, plaudert aus dem Nähkästchen und demonstriert auch gleich mit ihrer umwerfenden persönlichen Ausstrahlung, wie aus einzelnen Tanzschritten eine Choreographie entsteht. So erzählt Cristiana Morganti von ihrem persönlichen, künstlerischen und menschlichen Werdegang unter der außergewöhnlichen Choreographin und lässt uns unterhaltsam entdecken, wie viel Hingabe, Fantasie und Liebe zum Detail in der Bewegungssprache Pina Bauschs verborgen sind. Und vor allem gibt sie uns ein Gefühl dafür, auf welche Weise die mysteriöse und magische Verbindung zwischen Künstler und Publikum entsteht.

Angelehnt an die Tradition des japanischen Kirschblütenfestes lädt die Hanami Fans fernöstlicher Kultur und der farbenfrohen Welten aus Manga und Anime zu einem Wochenende, das Aspekte einer Convention und eines japanischen Volksfestes vereint.
Neben Workshops zu japanischen Traditionen prägt insbesondere die bunte Welt der Moderne die Ludwigshafener Hanami. Neben eigenen Cosplay-Wettbewerben soll auch wieder ein Vorentscheid der Deutschen Cosplaymeisterschaft (DCM) stattfinden. Des Weiteren stehen Auftritte von Showgruppen auf dem Programm. Ein japanischer Markt auf dem Vorplatz ist bei freiem Eintritt besuchbar!

Im Januar 2012 war sie schon einmal in Ludwigshafen – beim begeistert aufgenommenen Gastspiel der Pina Bausch Company mit dem asiatisch inspirierten Tanzstück Ten Chi. Nun steht Cristiana Morganti, dem Tanztheater Wuppertal seit mehr als 20 Jahren als Darstellerin verbunden, wieder in Ludwigshafen auf der Bühne und lädt im rassigen roten Kleid zu einer Reise durch das Pina-Bausch-Universum ein, gesehen aus der Perspektive einer Tänzerin. Mit Temperament und Charme entführt sie die Zuschauer in die ganz eigene faszinierende Welt der großen Künstlerin und ihrer Tänzerpersönlichkeiten, plaudert aus dem Nähkästchen und demonstriert auch gleich mit ihrer umwerfenden persönlichen Ausstrahlung, wie aus einzelnen Tanzschritten eine Choreographie entsteht. So erzählt Cristiana Morganti von ihrem persönlichen, künstlerischen und menschlichen Werdegang unter der außergewöhnlichen Choreographin und lässt uns unterhaltsam entdecken, wie viel Hingabe, Fantasie und Liebe zum Detail in der Bewegungssprache Pina Bauschs verborgen sind. Und vor allem gibt sie uns ein Gefühl dafür, auf welche Weise die mysteriöse und magische Verbindung zwischen Künstler und Publikum entsteht.

Angelehnt an die Tradition des japanischen Kirschblütenfestes lädt die Hanami Fans fernöstlicher Kultur und der farbenfrohen Welten aus Manga und Anime zu einem Wochenende, das Aspekte einer Convention und eines japanischen Volksfestes vereint.
Neben Workshops zu japanischen Traditionen prägt insbesondere die bunte Welt der Moderne die Ludwigshafener Hanami. Neben eigenen Cosplay-Wettbewerben soll auch wieder ein Vorentscheid der Deutschen Cosplaymeisterschaft (DCM) stattfinden. Des Weiteren stehen Auftritte von Showgruppen auf dem Programm. Ein japanischer Markt auf dem Vorplatz ist bei freiem Eintritt besuchbar!

Die drei ??? – das sind die drei Jungdetektive Justus Jonas, Peter Shaw und Bob Andrews, das erfolgreichste und beliebteste Detektivtrio der Weltliteratur. Robert Arthur ersann die erste Geschichte der drei jugendlichen Detektive 1964 und gewann Alfred Hitchcock als Schirmherrn für die ersten Bücher. Rund 45 Millionen Hörspiele und 15 Millionen Bücher der inzwischen über 180 Fälle der Drei ??? wurden bis heute verkauft. Nun lösen die drei Nachwuchsdetektive auch einen ihrer Fälle auf der Theaterbühne: Das Junge Theater Bonn (JTB) hat den Schauplatz der spannenden Geschichte eigens nach Ludwigshafen verlegt.

In Rocky Beach, dem kleinen Ort an der kalifornischen Pazifikküste ganz in der Nähe von Los Angeles, haben gerade die Sommerferien begonnen. Justus, Peter und Bob treffen sich in ihrem Hauptquartier, um einen gerade erfolgreich aufgeklärten Fall zu den Akten zu legen und dann ganz entspannt den Ferienbeginn mit ein paar Freunden – und Bob und Peter mit ihren Freundinnen – am Strand zu feiern. Dementsprechend sind sie nicht wirklich passend für einen Einsatz gekleidet, als Justus plötzlich von Althena über den Haufen gerannt wird, weil sie von einem bewaffneten Mann verfolgt wird. Althena hat den Moment des Zusammenstoßes genutzt, um Justus eine kleine Digitalkamera in die Hosentasche zu stecken, wie er später bemerkt. Die Bilder auf der rätselhaften Kamera enthalten verschiedene Hinweise auf einen ziemlich mysteriösen Fall, an dem Althena vermutlich gerade arbeitete. Aber worum geht es in dem Fall? Wer ist der Entführer, und wo ist die Entführte?

Mit seiner Musik hat er Millionen begeistert und gleichzeitig für seine Ideale geworben: We Shall Overcome bringt die Lebensgeschichte des Bürgerrechtsaktivisten, Umweltschutzpioniers und Folksängers Pete Seeger als inszeniertes Konzert auf die Bühne. Als gealterter Musiker erzählt er rückblickend vom eigenen Leben und Wirken, untermalt von seinen legendären Protestsongs.

Gesungen wird solo, in der Gruppe, im Chor, auf deutsch und im Original, mal ganz reduziert, fastdokumentarisch, dann wieder grandios instrumentalisiert. Die rund 50 Akteure führen die Zuschauer gekonnt durch mehrere Jahrzehnte amerikanischer Folk- und Fashion-Geschichte. Geschickt eingespielte Foto- und Filmdokumente veranschaulichen die musikalische Zeitreise zusätzlich. Pete Seeger ist eine Schlüsselfigur der US-Folkmusik. Mit Banjo, Gitarre und seiner Stimme hat er unzählige Menschen zum Mitsingen bewegt und für den Kampf um Frieden und soziale Gerechtigkeit gewonnen. Noch bei der Amtseinführung von Barack Obama brachte der damals 90jährige mehrere hunderttausend Zuschauer dazu, in Washington „This land is your land“ mitzusingen. Heiner Kondschak verkörpert die Folk-Legende mit leidenschaftlicher Hingabe. Wenn er „Where have all the flowers gone“ singt, entfaltet der Song seine mitreißende und anrührende Kraft von damals. Und wir merken, dass Pete Seeger gar nicht wirklich tot sein kann, solange seine Musik so lebendig ist.

Heiner Kondschak ist Musiker, Autor, Regisseur und Schauspieler. Seine kunterbunte Karriere begann als Straßenmusikant und Kleindarsteller, u.a. im Zirkus. Seit 1978 schrieb er Bühnenmusiken für ca. 150 und Liedertexte für ca. 50 Theaterstücke. Seit 2003 wirkt er in dem musikalischen Kabarett Männer & ich mit, seit 2005 hat er sein eigenes Liederprogramm mit der Band Kondschak & Kapelle. In den letzten Jahren folgten Regiearbeiten über die Musiker Woody Guthrie (2007), Bob Dylan (2008), John Lennon (2010) und zuletzt Pete Seeger (2016).

Mit „110 Karat“ starten die Amigos 2019 wieder richtig durch. Facettenreich wie Diamanten das Licht, so fangen Karl-Heinz und Bernd Ulrich mit ihren Liedern das Leben ein. Große, überschäumende, aber auch widerstrebende Gefühle, tröstliche Erinnerungen, geheime Sehnsüchte und verschüttete Träume holen sie ans Licht und reflektieren dabei nicht nur die Sonnen-, sondern auch die Schattenseiten. Das Leben hat diese Rohdiamanten geschliffen. Mit ihrer „110 Karat Tour“ präsentieren sich die Amigos erneut ungemein vielseitig – jedes Lied hat seine eigene, einzigartige Geschichte. Eine Menge Leidenschaft, Mut und Lebenserfahrung flossen in diese Produktion. Auf ihre über 100 Gold- und Platin-Awards und die wiederholten Charts-Triple angesprochen, zeigen sich die Amigos wohltuend entspannt. „Wir haben keinen Erfolgsdruck. Wir machen Musik aus Leidenschaft. So ist auch das neue Album entstanden. Die Amigos sind derzeit das Maß aller Dinge im internationalen Schlagergeschäft und sorgen für grenzenlose Begeisterung im gesamten deutschsprachigen Europa! „Was wären wir ohne unsere Fans! Ihnen verdanken wir, dass wir so erfolgreich unterwegs sein dürfen. Wenn unsere Fans zufrieden und glücklich sind, sind wir es auch.“ Und genau diese Einstellung zeichnet Bernd und Karl-Heinz Ulrich vor allem aus. Erleben Sie die Amigos hautnah bei ihrer großen Tour 2019

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Andere Kinder wachsen – Schorschi schrumpft. Er erzählt allen davon, doch merkwürdigerweise hört ihm keiner richtig zu. Schließlich findet er ganz allein die Ursache für sein Kleiner-Werden. Irgendwie hängt es mit dem Spiel zusammen, das ihm die Haferflockenfirma zugeschickt hat und das er nicht zu Ende gespielt hat: ein Spiel für Kinder, die wachsen wollen. Lakonisch und ironisch beschreibt die Geschichte ein Familienleben, in dem Schorschi immer wieder auf sich selbst zurückgeworfen wird und das Beste daraus macht. Mit einer kraftvollen, poetischen Bühnensprache zeigt ein Schauspieler die inneren Veränderungen der Titelfigur auf. Wie allmächtig und selbstgefällig seine Umgebung, ja selbst die eigenen Eltern Schorschi gegenübertreten, machen mehrere große Puppen augenfällig. Schorschi ist ein einsames Kind und doch voller Kraft.

Gero Vierhuff hat den Kinderbuchklassiker wiederentdeckt, der 1976 den Deutschen Jugendliteraturpreis erhielt, und ihn in einer spannungsreichen Version auf die Bühne gebracht: amüsant und wehmütig, poetisch und komisch.

Andere Kinder wachsen – Schorschi schrumpft. Er erzählt allen davon, doch merkwürdigerweise hört ihm keiner richtig zu. Schließlich findet er ganz allein die Ursache für sein Kleiner-Werden. Irgendwie hängt es mit dem Spiel zusammen, das ihm die Haferflockenfirma zugeschickt hat und das er nicht zu Ende gespielt hat: ein Spiel für Kinder, die wachsen wollen. Lakonisch und ironisch beschreibt die Geschichte ein Familienleben, in dem Schorschi immer wieder auf sich selbst zurückgeworfen wird und das Beste daraus macht. Mit einer kraftvollen, poetischen Bühnensprache zeigt ein Schauspieler die inneren Veränderungen der Titelfigur auf. Wie allmächtig und selbstgefällig seine Umgebung, ja selbst die eigenen Eltern Schorschi gegenübertreten, machen mehrere große Puppen augenfällig. Schorschi ist ein einsames Kind und doch voller Kraft.

Gero Vierhuff hat den Kinderbuchklassiker wiederentdeckt, der 1976 den Deutschen Jugendliteraturpreis erhielt, und ihn in einer spannungsreichen Version auf die Bühne gebracht: amüsant und wehmütig, poetisch und komisch.

Christian Spuck hat in der Vergangenheit immer wieder Handlungsballette zu großen literarischen Vorlagen entworfen. Dennoch erscheint es zunächst wie ein wahres Wunderwerk, einen 1000-Seiten-Roman wie Tolstois Anna Karenina als zweistündigen Ballettabend auf die Bühne zu bringen. Das gelingt nur durch extreme szenische Verdichtung und jähe Schnitte und Brüche in der Szenenfolge wie in der Musik.

Mit einer wohlüberlegten Musikauswahl beginnt, so Christian Spuck, für ihn fast die wichtigste Phase der Vorarbeit, für die er sich ausreichend Zeit nimmt. Für Anna Karenina war er auf der Suche nach der sogenannten „russischen Seele“, deshalb habe er sich „durch das Gesamtwerk von Sergej Rachmaninow gehört“. Um Rachmaninows Musik zugleich einen starken Kontrast entgegenzusetzen, bringt er Witold Lutoslawski ins Spiel. Dieser spannende polnische Komponist des 20. Jahrhunderts erreicht in seiner Musik eine verstörende Tiefe, die Spuck in seiner Choreographie so einsetzt, dass man den Eindruck erhält, den Figuren sehr nahe zu kommen.

Für Christian Spuck ist die Musik der Schlüssel zum Inhaltlichen, ihr kommt die große Aufgabe zu, Unsichtbares sichtbar zu machen und Emotionen wortlos zu unterstreichen. Diese Tiefendimension der Musik eröffnet für den Tanz die Möglichkeit, die einzelnen Figuren in ihrer ganzen emotionalen Vielfalt und Widersprüchlichkeit zu zeigen. Insbesondere Anna Kareninas Verhaltensweisen geben oftmals Rätsel auf und man fragt sich, wieso sie so weit geht und sich ohne Sicherheitsnetz über einen Abgrund begibt. Genau diese Unbeirrbarkeit der Titelfigur, die sich in Leidenschaft und Emotionen verliert, hat Christian Spuck fasziniert.

Christian Spuck wurde an der John Cranko Schule in Stuttgart ausgebildet. Seine tänzerische Laufbahn begann er in Jan Lauwers‘ Needcompany und Anne Teresa de Keersmaekers Ensemble Rosas. 1995 wurde er Mitglied des Stuttgarter Balletts und war von 2001 bis 2012 Hauschoreograph der Compagnie. Darüber hinaus hat Christian Spuck mit zahlreichen namhaften Ballettcompagnien in Europa und den USA gearbeitet. Die Uraufführung von Poppea//Poppea für Gauthier Dance am Theaterhaus Stuttgart wurde mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2011 und dem italienischen Danza&Danza Award ausgezeichnet. Seit der Saison 2012/13 ist Christian Spuck Direktor des Ballett Zürich. Das 2014 in Zürich uraufgeführte Ballett Anna Karenina nach Lew Tolstoi wurde 2016 auch in Oslo und am Moskauer Stanislawski-Theater ins Repertoire übernommen.

Christian Spuck hat in der Vergangenheit immer wieder Handlungsballette zu großen literarischen Vorlagen entworfen. Dennoch erscheint es zunächst wie ein wahres Wunderwerk, einen 1000-Seiten-Roman wie Tolstois Anna Karenina als zweistündigen Ballettabend auf die Bühne zu bringen. Das gelingt nur durch extreme szenische Verdichtung und jähe Schnitte und Brüche in der Szenenfolge wie in der Musik.

Mit einer wohlüberlegten Musikauswahl beginnt, so Christian Spuck, für ihn fast die wichtigste Phase der Vorarbeit, für die er sich ausreichend Zeit nimmt. Für Anna Karenina war er auf der Suche nach der sogenannten „russischen Seele“, deshalb habe er sich „durch das Gesamtwerk von Sergej Rachmaninow gehört“. Um Rachmaninows Musik zugleich einen starken Kontrast entgegenzusetzen, bringt er Witold Lutoslawski ins Spiel. Dieser spannende polnische Komponist des 20. Jahrhunderts erreicht in seiner Musik eine verstörende Tiefe, die Spuck in seiner Choreographie so einsetzt, dass man den Eindruck erhält, den Figuren sehr nahe zu kommen.

Für Christian Spuck ist die Musik der Schlüssel zum Inhaltlichen, ihr kommt die große Aufgabe zu, Unsichtbares sichtbar zu machen und Emotionen wortlos zu unterstreichen. Diese Tiefendimension der Musik eröffnet für den Tanz die Möglichkeit, die einzelnen Figuren in ihrer ganzen emotionalen Vielfalt und Widersprüchlichkeit zu zeigen. Insbesondere Anna Kareninas Verhaltensweisen geben oftmals Rätsel auf und man fragt sich, wieso sie so weit geht und sich ohne Sicherheitsnetz über einen Abgrund begibt. Genau diese Unbeirrbarkeit der Titelfigur, die sich in Leidenschaft und Emotionen verliert, hat Christian Spuck fasziniert.

Christian Spuck wurde an der John Cranko Schule in Stuttgart ausgebildet. Seine tänzerische Laufbahn begann er in Jan Lauwers‘ Needcompany und Anne Teresa de Keersmaekers Ensemble Rosas. 1995 wurde er Mitglied des Stuttgarter Balletts und war von 2001 bis 2012 Hauschoreograph der Compagnie. Darüber hinaus hat Christian Spuck mit zahlreichen namhaften Ballettcompagnien in Europa und den USA gearbeitet. Die Uraufführung von Poppea//Poppea für Gauthier Dance am Theaterhaus Stuttgart wurde mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2011 und dem italienischen Danza&Danza Award ausgezeichnet. Seit der Saison 2012/13 ist Christian Spuck Direktor des Ballett Zürich. Das 2014 in Zürich uraufgeführte Ballett Anna Karenina nach Lew Tolstoi wurde 2016 auch in Oslo und am Moskauer Stanislawski-Theater ins Repertoire übernommen.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Was wäre die Welt ohne Phantasie? Diese zentrale Frage steht im Mittelpunkt von Michael Endes Die unendliche Geschichte. Der Roman hat sich seit seinem Erscheinen 1979 zu einem Kultbuch entwickelt und begeistert auch heute noch junge und alte Leser auf der ganzen Welt. Bastian Balthasar Bux wird ständig von seinen Klassenkameraden geärgert und flüchtet daher oft und gerne in die Welt der Bücher. Als er sich eines Tages auf dem Schulweg vor seinen Peinigern verstecken muss, landet er durch Zufall in einem alten Antiquariat. Dort stößt Bastian auf ein Buch, das eine geradezu magische Anziehungskraft auf ihn hat: Es ist Die unendliche Geschichte. Impulsiv stiehlt Bastian das Buch, versteckt sich damit auf dem Dachboden seiner Schule und beginnt zu lesen.

Das Buch erzählt vom Land Phantásien, das in riesiger Gefahr schwebt. Immer größere Teile des Landes werden vom Nichts verschlungen und seine Herrscherin, die Kindliche Kaiserin, leidet an einer mysteriösen Krankheit, von der sie kein Arzt erlösen kann. Alle Hoffnung liegt auf dem jungen Atréju, der durch das zerfallende Phantásien geschickt wird, um ein Menschenkind zu finden, das der Kindlichen Kaiserin einen neuen Namen geben kann: Denn nur das kann sie und Phantásien jetzt noch retten…

Das Junge Theater Bonn (JTB) hat Michael Endes Roman Die unendliche Geschichte in einer völlig neuen Bühnenbearbeitung produziert und mit großem Aufwand auf die Bühne gebracht.

Michael Ende (1929 – 1995) zählt zu den bekanntesten deutschen Schriftstellern und ist gleichzeitig einer der vielseitigsten Autoren. Neben Kinder- und Jugendbüchern schrieb er poetische Bilderbuchtexte und Bücher für Erwachsene, er verfasste Theaterstücke und Gedichte, und viele seiner Bücher wurden bereits verfilmt oder für Funk und Fernsehen bearbeitet. 1960 gelang ihm mit Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer der Durchbruch als Kinderbuchautor. Für sein literarisches Werk erhielt er zahlreiche deutsche und internationale Literaturpreise. Seine Werke wurden in über 45 Sprachen übersetzt.

Büchners Fähigkeit, die herrschende Verrohung auch als eine der Sprache darzustellen, steht im Mittelpunkt der Inszenierung. Ein vehement donnernder Rhythmus peitscht über die Sprache der Figuren hinweg. Was Woyzeck bleibt, ist blinde Gewalt, erlebte und ausgeübte. Ulrich Rasche 

Georg Büchners zerbrechliches Fragment, eines der bedeutendsten und einflussreichsten Dramen der deutschen Literatur, basiert auf dem Fall des Soldaten und Friseurs Johann Christian Woyzeck, der seine Geliebte erstach und dafür zum Tode verurteilt wurde. Büchner waren die Fakten des historischen Kriminalfalls bekannt, über den juristische, medizinische und psychologische Gutachten verfasst wurden. Er zeigt einen Eifersuchtsmord und seine Vorgeschichte: Woyzeck, „guter Kerl und armer Teufel“, finanziell an den untersten Rand der Gesellschaft gedrängt, von seinen Vorgesetzten gedemütigt, von der Wissenschaft zum Studienobjekt gemacht, ist dem radikalen Mangel an Empathie seiner Umwelt ausgeliefert. So wird er schuldig, nachdem seine Ängste, Triebe und Begierden obszön aufbrechen. Doch Woyzeck geht weit über den traurigen Einzelfall einer geschundenen Kreatur hinaus. Büchner untersucht am „Subjekt Woyzeck“ die immer gültige Frage unserer Abhängigkeit von gesellschaftlichen Bedingungen, die „außer uns liegen“, nach sozialen Verhältnissen, individueller Freiheit und schicksalhafter Determination.

Der Regisseur Ulrich Rasche, der aufgrund seiner formstrengen Chorprojekte und überwältigenden Bühnenbilder als einer der außergewöhnlichsten Regisseure seiner Generation gilt und mit seiner Inszenierung von Schillers Die Räuber zum Berliner Theatertreffen 2017 eingeladen wurde, arbeitet erstmalig für das Theater Basel. Auch mit seiner Woyzeck-Inszenierung ist Ulrich Rasche zum Berliner Theatertreffen 2018 eingeladen.

Büchners Fähigkeit, die herrschende Verrohung auch als eine der Sprache darzustellen, steht im Mittelpunkt der Inszenierung. Ein vehement donnernder Rhythmus peitscht über die Sprache der Figuren hinweg. Was Woyzeck bleibt, ist blinde Gewalt, erlebte und ausgeübte. Ulrich Rasche

Georg Büchners zerbrechliches Fragment, eines der bedeutendsten und einflussreichsten Dramen der deutschen Literatur, basiert auf dem Fall des Soldaten und Friseurs Johann Christian Woyzeck, der seine Geliebte erstach und dafür zum Tode verurteilt wurde. Büchner waren die Fakten des historischen Kriminalfalls bekannt, über den juristische, medizinische und psychologische Gutachten verfasst wurden. Er zeigt einen Eifersuchtsmord und seine Vorgeschichte: Woyzeck, „guter Kerl und armer Teufel“, finanziell an den untersten Rand der Gesellschaft gedrängt, von seinen Vorgesetzten gedemütigt, von der Wissenschaft zum Studienobjekt gemacht, ist dem radikalen Mangel an Empathie seiner Umwelt ausgeliefert. So wird er schuldig, nachdem seine Ängste, Triebe und Begierden obszön aufbrechen. Doch Woyzeck geht weit über den traurigen Einzelfall einer geschundenen Kreatur hinaus. Büchner untersucht am „Subjekt Woyzeck“ die immer gültige Frage unserer Abhängigkeit von gesellschaftlichen Bedingungen, die „außer uns liegen“, nach sozialen Verhältnissen, individueller Freiheit und schicksalhafter Determination.

Der Regisseur Ulrich Rasche, der aufgrund seiner formstrengen Chorprojekte und überwältigenden Bühnenbilder als einer der außergewöhnlichsten Regisseure seiner Generation gilt und mit seiner Inszenierung von Schillers Die Räuber zum Berliner Theatertreffen 2017 eingeladen wurde, arbeitet erstmalig für das Theater Basel. Auch mit seiner Woyzeck-Inszenierung ist Ulrich Rasche zum Berliner Theatertreffen 2018 eingeladen.

Doris ist achtzehn, hält nichts von Bildung, sondern will „lieber auf der Tauentzien ein Glanz werden, statt zu arbeiten“. Geld oder eine Bleibe hat sie längst nicht mehr, also sitzt sie vor einem Vergnügungs-Etablissement und hofft darauf, eingeladen zu werden. Oder vielleicht ja auch engagiert zu werden: „Schließlich bin ich schon Schauspielschule.“ Während sie auf ihr Vorsingen wartet, hat sie Zeit genug, ihre Geschichte zu erzählen: die spektakuläre Flucht aus der Kleinstadt nach Berlin, die zahlreichen Männergeschichten und Betrügereien, durch die sie ihr Überleben sichert.  Vor allem aber sind es ihr Humor und ihre besondere Sicht auf die Dinge, die dafür sorgen, dass sie immer wieder auf die Beine kommt. Carsten Golbeck und Rainer Bielfeldt erzählen den Klassiker von Irmgard Keun neu, ohne etwas hinzuzufügen –außer naturlich die Lieder, die aus Textpassagen des Buches heraus entwickelt wurden. Musikalisch wie inhaltlich schlägt diese Fassung den Bogen zwischen den Zwanzigern und heute. Der Stoff besticht durch zeitlose Aktualität: Im Mittelpunkt der Handlung steht die ungebremste Lebenslust und Kreativität eines jungen Menschen, der an Armut und lebensfeindlichen Umständen nach und nach zerbricht. Sowohl auf der Bühne als auch im Spiel wird alles vermieden, was den Stoff ins Nostalgische entrückt. Vor allem die Virtuosität und Spielfreudigkeit der Schauspielerin Antonia Bill lässt uns die Figur schnörkellos nahe kommen.

Helena Waldmann lädt zu einer Autopsie. Der Blick geht unter die Haut, ins Innere des menschlichen Körpers und zugleich ins Innere des Systems „Staat“. Kein Körper, sei es der eines Lebewesens oder die menschliche Gesellschaft selbst, funktioniert als geschlossenes System. Öffnungen sind lebensnotwendig, machen aber auch verletzlich. Der erste Impuls ist, sich zu schützen: Barrieren werden errichtet, potentielle Angreifer sollen fern gehalten werden. Dass der Eindringling aber auch Nutzen bringen kann, ist eine alte Erkenntnis der Immunologie, die in der gegenwärtigen Forschung neue Bedeutung erhält. Das „biologische Selbst“, der nur aus sich heraus funktionierende autarke Körper, gilt inzwischen als Illusion. Der Mensch lebt mit und durch eine Vielzahl eigenständiger Mikroben und Bakterien. Eindringlinge fordern das Immunsystem heraus und veranlassen es, zu lernen und sich zu entwickeln. Die Medizin weiß, dass nur derjenige Organismus überlebt, der zur Auseinandersetzung mit dem Fremden bereit ist.

Auf der mikroskopischen Ebene des Körpers inszeniert Helena Waldmann die Makroskopie einer Politik. Mit den Mitteln des Tanzes zeigt sie Strategien von Abwehr und Anpassung und nutzt dabei die sehr speziellen Fähigkeiten ihrer Performer. Nach Tanz bei Revolver besorgen, Kathak-Tanz bei Made in Bangladesh und Akrobatik bei Gute Pässe – Schlechte Pässe lässt sie sich diesmal von der chinesischen Kampfkunst Kung Fu inspirieren. Hier sind Angriff und Abwehr eins. Die Kraft des jeweiligen Gegners wird durch wendige Schritt- und Schlagtechniken neutralisiert und gegen den Angreifer gewendet. Ziel ist es, am Gegner zu wachsen, ohne ihn zu vernichten. Damit tritt Helena Waldmann den Beweis an, dass Offenheit, Freiheit und Freizügigkeit lebenswichtig sind, um jener perfiden Konstruktion von Sicherheit zuvor zu kommen, die in ihrer Logik der Geschlossenheit nur lebendig Totes erzeugen kann.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Künstler:
Lukasz Borowicz, Dirigent
Federico Colli, Klavier

Werkangaben:
Peter Tschaikowsky, Konzert für Klavier und Orchester Nr. 1 b-Moll, op. 23
Nikolai Rimski-Korsakow, „The Tale of Tsar Saltan“; „Mlada“

Im Mai 2016 war er zuletzt mit der Staatsphilharmonie zu sehen und zu hören, in dieser Spielzeit kehrt er nach Ludwigshafen zurück: Lukasz Borowicz gilt als „Erneuerer der Musik“ unter den Dirigenten: „Heute geht es darum, Musik wieder neu zu entdecken.“ So erwarten Sie Werke von Rimski-Korsakow, die auf der Schwelle zum 20. Jahrhundert uraufgeführt wurden und heute durch die Staatsphilharmonie im neuen Glanz erscheinen. Bereits der Auftakt des Konzertabends verspricht Außerordentliches: Federico Collis Interpretation von Tschaikowskys erstem Klavierkonzert lässt das 5. Philharmonische Konzert zum wahren Glanzstück werden!

Im Landhaus von Rechtsanwalt Bassow und seiner Frau Warwara trifft sich eine privilegierte Runde: Ärzte, Schriftsteller, Fabrikanten, Ingenieure. Die gehobene Mittelschicht hat die Stadt verlassen, um den Sommer im Grünen zu verbringen. Sie haben Zeit, sie haben Geld und führen ein überwiegend angenehmes, sorgenfreies Leben. Und doch fühlen sie sich einsam und leer, sind von sich selbst ermattet und müde von ihren Freiheiten. Da helfen auch die diversen Bindungen, Verhältnisse und Freundschaften nicht weiter. Sie sehnen sich nach einer anderen Zukunft – mit erlösender Liebe und einer sinnhafteren Erde. Sie reden, streiten, lamentieren und diskutieren. Wie mit diesem Weltschmerz umgehen? Was für eine Realität anstreben? Wozu sich weiter hetzen und warum Ideale verfolgen? Welche Vision entwerfen? Warwara: „Dieses Abwägen, dieses Berechnen! Wir haben so eine Angst vor dem Leben! Was soll das? Wir versinken im Selbstmitleid!“

Maxim Gorki schrieb Sommergäste 1904, am Vorabend der Russischen Revolution. Laut eigener Aussage wollte er mit diesem Szenenreigen und Beziehungsgeflecht „die moderne bürgerlich materialistische Intelligenz darstellen“. Er zeigt eine bequem gewordene Gesellschaft, die sich ihrer selbst nicht mehr sicher ist und in der es ruhelos rumort. Eine umwälzende Zeitenwende wirft ihre Schatten voraus auf diese Sommergäste und ihre suchenden Seelen.

Wie in Gorkis Stück die Szenen abrupt ineinander übergehen, ja sich manchmal geradezu ins Wort fallen, agiert das Ensemble auch in Daniela Löffners hoch verdichteter, von immenser Binnenspannung und freudigem Vertrauen in die Erzählungskraft des Theaters getragener Inszenierung. In ihrer mit dem Dramaturgen David Heiligers erstellten Fassung überwiegt eine heutige Redeweise („Du solltest eine Therapie machen, Warja!“), die Kostüme von Eva Martin entsprechen der aktuellen Mode. Das freilich ist nur die niedrigschwellige Oberfläche, unter der diese großartig geschlossene Aufführung eine ganze Welt ausbreitet: als kunstvolle Einladung zum Mitdenken, Mitfühlen, Mitlernen und Mitgenießen. Frankfurter Allgemeine Zeitung

Im Landhaus von Rechtsanwalt Bassow und seiner Frau Warwara trifft sich eine privilegierte Runde: Ärzte, Schriftsteller, Fabrikanten, Ingenieure. Die gehobene Mittelschicht hat die Stadt verlassen, um den Sommer im Grünen zu verbringen. Sie haben Zeit, sie haben Geld und führen ein überwiegend angenehmes, sorgenfreies Leben. Und doch fühlen sie sich einsam und leer, sind von sich selbst ermattet und müde von ihren Freiheiten. Da helfen auch die diversen Bindungen, Verhältnisse und Freundschaften nicht weiter. Sie sehnen sich nach einer anderen Zukunft – mit erlösender Liebe und einer sinnhafteren Erde. Sie reden, streiten, lamentieren und diskutieren. Wie mit diesem Weltschmerz umgehen? Was für eine Realität anstreben? Wozu sich weiter hetzen und warum Ideale verfolgen? Welche Vision entwerfen? Warwara: „Dieses Abwägen, dieses Berechnen! Wir haben so eine Angst vor dem Leben! Was soll das? Wir versinken im Selbstmitleid!“

Maxim Gorki schrieb Sommergäste 1904, am Vorabend der Russischen Revolution. Laut eigener Aussage wollte er mit diesem Szenenreigen und Beziehungsgeflecht „die moderne bürgerlich materialistische Intelligenz darstellen“. Er zeigt eine bequem gewordene Gesellschaft, die sich ihrer selbst nicht mehr sicher ist und in der es ruhelos rumort. Eine umwälzende Zeitenwende wirft ihre Schatten voraus auf diese Sommergäste und ihre suchenden Seelen.

Wie in Gorkis Stück die Szenen abrupt ineinander übergehen, ja sich manchmal geradezu ins Wort fallen, agiert das Ensemble auch in Daniela Löffners hoch verdichteter, von immenser Binnenspannung und freudigem Vertrauen in die Erzählungskraft des Theaters getragener Inszenierung. In ihrer mit dem Dramaturgen David Heiligers erstellten Fassung überwiegt eine heutige Redeweise („Du solltest eine Therapie machen, Warja!“), die Kostüme von Eva Martin entsprechen der aktuellen Mode. Das freilich ist nur die niedrigschwellige Oberfläche, unter der diese großartig geschlossene Aufführung eine ganze Welt ausbreitet: als kunstvolle Einladung zum Mitdenken, Mitfühlen, Mitlernen und Mitgenießen. Frankfurter Allgemeine Zeitung

Das Carl-Bosch-Gymnasium hat bundesweit einen der größten musischen Schwerpunkte mit weit über 800 Instrumentalisten. Das Sinfonieorchester, das Sinfonische Blasorchester, die Mittelstufenorchester, die Juniororchester, die Gesangs- und Tanzgruppen, das Kammerorchester, die Big-Band und die Chöre setzen musikalische Schlaglichter von der sinfonischen Musik Antonin Dvoraks und Edward Griegs über Songs aus Musicals bis hin zur Pop- und Rockmusik.

Teil des Programms ist ein großes Turnier der lateinamerikanischen Tänze. Musikalisch umrahmt wird der Abend von der Tanz-Band Manhattan Six und zwei Disco-Anlagen.

Das Carl-Bosch-Gymnasium hat bundesweit einen der größten musischen Schwerpunkte mit weit über 800 Instrumentalisten. Das Sinfonieorchester, das Sinfonische Blasorchester, die Mittelstufenorchester, die Juniororchester, die Gesangs- und Tanzgruppen, das Kammerorchester, die Big-Band und die Chöre setzen musikalische Schlaglichter von der sinfonischen Musik Antonin Dvoraks und Edward Griegs über Songs aus Musicals bis hin zur Pop- und Rockmusik.

Rom im 14. Jahrhundert nach Christus: Der Papst ist im Exil in Avignon – und in der Ewigen Stadt befehden sich die einflussreichen Patrizierfamilien bis aufs Blut um die politische Vormachtstellung. In diesem chaotischen Machtvakuum versucht Cola Rienzi, eine historisch verbürgte Person, die alte römische Republik neu zu beleben. Er bringt das der Machtkämpfe müde Volk dazu, ihn als Volkstribun zu installieren, scheinbar beugen sich auch die verschiedenen Adelscliquen dem charismatischen Politiker. Rienzi hat den Gipfel seiner Macht erreicht, doch gelingt es ihm nicht, die verfeindeten Parteien hinter sich zu vereinen. Die Adeligen planen ein Mordkomplott und ziehen gegen ihn zu Felde – am Ende steht das Kapitol in Flammen.

Rienzi war der erste durchschlagende Erfolg Richard Wagners und zu seinen Lebzeiten sein meistgespieltes Werk. 1837 lernte der Komponist den Historienroman Rienzi, der letzte Tribun des englischen Schriftstellers Edward Bulwer-Lytton kennen und entschloss sich, diesen Stoff für eine Oper aufzugreifen, mit der er idealerweise die Pariser Oper erobern wollte. So wundert es nicht, dass sich die musikalische Konzeption an der Grand Opéra im Stil von Spontini, Meyerbeer oder Halévy mit ihren großen Chortableaus orientiert. In der eher traditionellen Nummerndramaturgie ist gleichwohl bereits die Handschrift des späteren Musikdramatikers Wagner erkennbar. Eine Realisierung in Paris erwies sich zu Wagners tiefer Enttäuschung als unmöglich, doch die Uraufführung an der Dresdner Hofoper am 20. Oktober 1842 wurde zu einem ungeheuren Publikumserfolg und zu einem ersten Triumph des Dichterkomponisten.

Rom im 14. Jahrhundert nach Christus: Der Papst ist im Exil in Avignon – und in der Ewigen Stadt befehden sich die einflussreichen Patrizierfamilien bis aufs Blut um die politische Vormachtstellung. In diesem chaotischen Machtvakuum versucht Cola Rienzi, eine historisch verbürgte Person, die alte römische Republik neu zu beleben. Er bringt das der Machtkämpfe müde Volk dazu, ihn als Volkstribun zu installieren, scheinbar beugen sich auch die verschiedenen Adelscliquen dem charismatischen Politiker. Rienzi hat den Gipfel seiner Macht erreicht, doch gelingt es ihm nicht, die verfeindeten Parteien hinter sich zu vereinen. Die Adeligen planen ein Mordkomplott und ziehen gegen ihn zu Felde – am Ende steht das Kapitol in Flammen.

Rienzi war der erste durchschlagende Erfolg Richard Wagners und zu seinen Lebzeiten sein meistgespieltes Werk. 1837 lernte der Komponist den Historienroman Rienzi, der letzte Tribun des englischen Schriftstellers Edward Bulwer-Lytton kennen und entschloss sich, diesen Stoff für eine Oper aufzugreifen, mit der er idealerweise die Pariser Oper erobern wollte. So wundert es nicht, dass sich die musikalische Konzeption an der Grand Opéra im Stil von Spontini, Meyerbeer oder Halévy mit ihren großen Chortableaus orientiert. In der eher traditionellen Nummerndramaturgie ist gleichwohl bereits die Handschrift des späteren Musikdramatikers Wagner erkennbar. Eine Realisierung in Paris erwies sich zu Wagners tiefer Enttäuschung als unmöglich, doch die Uraufführung an der Dresdner Hofoper am 20. Oktober 1842 wurde zu einem ungeheuren Publikumserfolg und zu einem ersten Triumph des Dichterkomponisten.

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Live-Musik der Formation Celebration begleitet diese spätsommerliche Ballnacht. Mehrere Shows und eindrucksvolle Tanzeinlagen sorgen neben der traditionellen Eröffnungspolonaise für ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm.

Mit knapp 150 namhaften Unternehmen, Hochschulen, Bildungseinrichtungen und Institutionen präsentiert sich SPRUNGBRETT als eine der größten und wichtigsten Ausbildungsmessen der Region. Nahezu 12.000 Schülerinnen und Schüler informieren sich jährlich über Lehrstellen- und Ausbildungsangebote, über Berufsbilder und Studiengänge sowie Weiterbildungsmöglichkeiten.

160 Fachfirmen der Mess-, Steuer-, Regel- und Automatisierungstechnik präsentieren Geräte und Prozessleitsysteme, Engineering- und Serviceleistungen sowie neue Trends im Bereich der Automatisierung. Die Messe wendet sich an Fachleute und Entscheidungsträger, die in ihren Unternehmen für die Optimierung der Geschäfts- und Produktionsprozesse entlang der gesamten Wertschöpfungskette verantwortlich sind. 36 Fachvorträge finden parallel zur Messe statt.

Investitionen in die eigenen vier Wände sind weiterhin der Trend in einer Zeit mit Niedrigzinsniveau und somit ist die „meinZuhause! Ludwigshafen“ DIE neue Informationsplattform für Neubau- und Immobilieninteressenten sowie Renovierer und Sanierer, um Informationen aus erster Hand zu bekommen.
Der Bau- und Energiebereich präsentiert dem Hausbesitzer neueste Entwicklungen zu Renovierung, Sanierung und Modernisierung sowie zu Energieeinsparung, Energiesteuerung und Heizungsoptimierung.
Der Immobilien- und Neubaubereich gibt einen umfassenden Überblick über den regionalen Markt und richtet sich gezielt an den vorwiegend privaten Interessenten für An- und Verkauf, An- und Vermietung, Neubau, Kapital und Finanzierungsberatung.

Die Liebe zum Lied verbindet sie. „Poesie und Musik können vielleicht die Welt nicht verändern, aber sie können denen Mut machen, die sie verändern wollen“, so Konstantin Wecker, der sich seit über 40 Jahren für eine Welt ohne Waffen und Grenzen einsetzt. Nun setzt der Münchner Liedermacher mit zwei kongenialen Mitstreitern an seiner Seite zu einem musikalisch-poetischen Liebesflug der ganz besonderen Art an. Neben seinem langjährigen Bühnenpartner und Alter Ego am Klavier, Jo Barnikel, ist auch Fany Kammerlander bei seinem aktuellen Trio-Programm dabei. Die Ausnahme-Cellistin, die mit ihrem Spiel sowohl in der Klassik- als auch in der Popwelt zuhause ist, steht ebenso seit längerem mit Konstantin Wecker auf der Bühne. Zuletzt bei der umjubelten „Ohne Warum“-Tour, die durch ausverkaufte Säle in Deutschland und Österreich führte.

Die drei Musiker vereinen lyrisch-sensible Klavierstücke mit dem zart-schmelzenden Klang des Cellos, das Konstantin Weckers Liedern seit jeher ihre ganz persönliche Note gab.

Am liebsten würde man sie festhalten. Die Melodien. Und die Sehnsüchte. Auch darin sind sich die drei Musiker einig, deren neues Bühnenprogramm geprägt ist von Wut und Zärtlichkeit, Mystik und Widerstand – und immer auch von der Suche nach dem Wunderbaren. Eine Suche, die Mut macht. Und Hoffnung. Denn wer in die Lieder des neuen Trio-Programmes eintaucht, wird schnell erkennen, dass es durchaus eine Welt ohne Grenzen geben kann.

Nach dem Mega-Erfolg von „Feuerwehrmann Sam rettet den Zirkus“ mit vielen ausverkauften Vorstellungen ist der Lieblingsheld der Kinder, Feuerwehrmann Sam, mit einer komplett neuen Show für Jung und Alt wieder live auf der Bühne. Zusammen mit seinen Kollegen und dem ungezogenen Norman Price erlebt Sam ein neues Abenteuer!
Die spektakuläre Show voller Musik, Tanz und viel Humor ist definitiv die beste Theaterreise des Jahres für die ganze Familie.
Sam kommt auch zu Euch nach Deutschland, Österreich, Luxembourg und in die Schweiz!

„Der perfekte Moment .. wird heut verpennt“ ist auch der Titel des neuen Programms von Max Raabe & Palast Orchester. Mit Leichtigkeit verbindet sich die feine Ironie der Lieder aus den 20ger und 30ger Jahren mit dem schrägen Humor in den „Raabe-Pop”- Songs.

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Abendfüllendes Bühnenprogramm mehrerer Chöre des BASF Gesangvereins

Ich hab mal in einer Cocktailbar gearbeitet. Mein Chef Deniz meinte damals „Fäälix, weißt du wie man merkt, dass die Gäste wirklich zufrieden waren? Wenn sie wiederkommen.“ Deniz hat zwar auch mit brennender Fluppe im Mundwinkel die Gaskartusche von dem Bunsenbrenner für die Shishakohle gewechselt, aber trotzdem hat er recht.
Nach „kenn ick.“ sollte es also eigentlich reichen, das neue Programm von Felix Lobrecht mit den Worten „das neue Programm von Felix Lobrecht“ zu bewerben. Zufriedene Leute kommen ja eh wieder. Die Society will aber einen akkurat-verkopften Pressetext von mir, will Formulierungen wie „messerscharfe Alltagsbeobachtungen“, „unangenehm wahr“, „brüllend komisch“ hören. Aber come on, ES IST DAS NEUE PROGRAMM VON FELIX LOBRECHT.
Jetzt noch voller mit messerscharfen Alltagsbeobachtungen, noch unangenehm wahrer und noch brüllend komischer.
„Kenn ick.“ war krass, „Hype“ ist krasser. GEHT DA HIN!

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Die Tanzschule MOHL lädt zu ihrem festlichen Galaball in den Pfalzbau Ludwigshafen ein. Tanzen Sie zur Musik der Transatlantik Band und kommen in den Genuss von professionellen

Egal ob Kino oder Fernsehen: Musik verleiht mit emotionaler Tiefe und überwältigender Energie jedem Film eine einzigartige Stimmung.
Songs wie „I Will Always Love You” aus BODYGUARD oder „Circle of Life“ aus KÖNIG DER LÖWEN sind zeitlos und weltbekannt, Discohits aus SATURDAY NIGHT FEVER und FLASHDANCE genauso unvergessen wie die unzähligen fantastischen Songs aus den JAMES BOND-FILMEN.
Große Komponisten wie Ennio Morricone (SPIEL MIR DAS LIED VOM TOD), John Williams (STAR WARS) und Hans Zimmer (GLADIATOR) erschufen orchestrale Meisterwerke für die Ewigkeit.
STERNSTUNDEN DER FILMMUSIK präsentiert die bekanntesten und erfolgreichsten Soundtracks aus den letzten fünf Jahrzehnten und zaubert das perfekte Hollywood-Flair auf die Bühne.
Eine Auswahl internationaler Starsolisten, begleitet von Orchester und Band, entführt (natürlich live) in die aufregende Welt der Filmmusiken.

STERNSTUNDEN DER FILMMUSIK – Emotional! Mitreißend! Unvergessen!

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Ein vielseitiges Showprogramm und eine aufwendige Saaldekoration bilden den stimmungsvollen Rahmen dieser Ballnacht. Für die musikalische Unterhaltung sorgen die Tanzband Manhattan Six und zwei Discoanlagen. Reichlich Gelegenheit zum Tanz bieten gleich zwei Tanzflächen.

Erleben Sie das Musical mit heißem Rock´n Roll in einem heißen Sommer eines längst vergangenen Jahres.
Freuen Sie sich auf ein Musical mit hochkarätigen Sängern und Sängerinnen, authentische und witzige Tanzeinlagen, mitreißende Gags, lässige Typen und DIE Ausnahme-Rock´n-Roll-Band des Musicals.

Beim Winterball feiern die Tanzschüler der Herbstkurse ihren Premierenball und damit zugleich den Höhepunkt zum Abschluss des Jahresprogramms der Tanzschule Nagel. Für aktuelle Musik sorgt die Live-Kapelle Twins Band. Tanzeinlagen und Shows liefern ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm.

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