Unter diesem Motto präsentiert Ihnen unsere Veranstaltungsübersicht die Top-Veranstaltungen im Pfalzbau und in der Eberthalle Ludwigshafen. Konzerte, Events, Comedy, Theater, Sport und Publikumsmessen – das Spektrum ist riesengroß. Wir wünschen Ihnen viel Spaß beim Besuch unserer Veranstaltungen.
Musik von George Stiles Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard
Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.
Musik von George Stiles Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard
Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.
Gesellschaftliches Ereignis
25.08.2018
Pfalzbau
Tanzschule Nagel – Sommerball mit Premierenball der Jugendkurse
Live-Musik der Formation Celebration begleitet diese spätsommerliche Ballnacht. Mehrere Shows und eindrucksvolle Tanzeinlagen sorgen neben der traditionellen Eröffnungspolonaise für ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm.
Musik von George Stiles Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard
Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.
Musik von George Stiles Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard
Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.
Musik von George Stiles Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard
Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.
Das Ensemble Sankai Juku wurde 1975 vom Butoh-Tänzer Ushio Amagatsu gegründet. Butoh entstand Ende der 1950er Jahre als Gegenbewegung zum traditionellen japanischen Tanz und ist unter anderem eine Reaktion der Post-Hiroshima-Generation auf den Eindruck der immensen Zerstörung durch die Atombombe. Butoh sucht jenseits der hochästhetisierten und normativen Traditionen des klassischen japanischen Tanzes den authentischen Ausdruck einer Körpersprache, an der sich die tiefen Schichten der Seele bis hin zur Verletzung oder Grausamkeit ablesen lassen. Utsushi ist die Quintessenz der Kunst von Ushio Amagatsu. Teile des Repertoires aus dreißig Jahren wurden zu einem neuen Werk zusammengefügt. Raimund Hoghe, Choreograph und ehemaliger Dramaturg von Pina Bausch, schreibt dazu: „Ushio Amagatsu schafft einen atemberaubenden Dialog zwischen der Schönheit seiner Arbeit und der Schönheit der Natur, den Klängen der Natur und der komponierten Musik, dem Tanz und dem Wind, dem Boden und dem Himmel, den Sternen über unseren Köpfen und dem Feuer vor uns.“
Messe/Ausstellung
07.09.2018 – 08.09.2018
Eberthalle
Sprungbrett - die Ludwigshafener Messe für Ausbildung, Studium & Weiterbildung
LUKOM Ludwigshafener Kongress- und Marketing-Gesellschaft mbH
Mit knapp 150 namhaften Unternehmen, Hochschulen, Bildungseinrichtungen und Institutionen präsentiert sich SPRUNGBRETT als eine der größten und wichtigsten Ausbildungsmessen der Region. Nahezu 12.000 Schülerinnen und Schüler informieren sich jährlich über Lehrstellen- und Ausbildungsangebote, über Berufsbilder und Studiengänge sowie Weiterbildungsmöglichkeiten.
Carpe diem! – Nutze den Tag! In dem berühmten Film Der Club der toten Dichteraus dem Jahre 1989 ist dieser Aufruf des Dichters Horaz ein zentrales Motiv, das den Schülern eines strengen Internats Mut macht, sich gegen den ewigen Gehorsam aufzulehnen und ihre eigene Individualität zu leben. Einem charismatischen jungen Lehrer gelingt es darin, bei den Schülern mit Hilfe der Poesie und des Theaters Widerstandsgeist zu wecken.
Dreißig Jahre später: der Jugendclub des Jungen Pfalzbaus setzt sich mit dem Film auseinander und holt die Themen darin in die Gegenwart. Er hinterfragt, sucht nach Antworten und Parallelen im eigenen Leben und in der gegenwärtigen Gesellschaft. Er setzt sich auseinander mit Disziplin, mit der Notwendigkeit des Widerstandes, mit der eigenen Individualität und dem Mut, seinen eigenen Weg zu gehen. Wogegen müssen wir uns auflehnen, wofür kämpfen, welchen Weg gehen? Wie individuell muss ich in einer globalisierten durchorganisierten, digitalisierten Welt sein?
Eine Geschichte voller Poesie über den Mut, für etwas einzustehen.
Der Kinderheld Feuerwehrmann Sam kommt zurück – in einer brandneuen Familienshow für Jung und Alt. Mit dabei sind sein treues Feuerwehrauto Jupiter, Elvis, Penny, Feuerwehrhauptmann Steele und Norman. In Sams neuem Abenteuer kommt der Zirkus nach Pontypandy. Das kleine Städtchen freut sich sehr darüber, doch wie immer, wenn Norman in der Nähe ist, geht etwas schief. Wird Sam den Zirkus retten? Manege frei für Feuerwehrmann Sam!
Das Theater auf Tour bringt die mitreißende Bühnenshow voller Musik, Tanz und Humor exklusiv als Erstaufführung nach Deutschland, Österreich, Luxemburg und in die Schweiz. Die Inhalte wenden sich insbesondere an Kinder zwischen drei und sechs Jahren.
Feuerwehrmann Sam lädt alle Besucher ein, sich als Feuerwehrmann oder Zirkusartist zu verkleiden.
Carpe diem! – Nutze den Tag! In dem berühmten Film Der Club der toten Dichteraus dem Jahre 1989 ist dieser Aufruf des Dichters Horaz ein zentrales Motiv, das den Schülern eines strengen Internats Mut macht, sich gegen den ewigen Gehorsam aufzulehnen und ihre eigene Individualität zu leben. Einem charismatischen jungen Lehrer gelingt es darin, bei den Schülern mit Hilfe der Poesie und des Theaters Widerstandsgeist zu wecken.
Dreißig Jahre später: der Jugendclub des Jungen Pfalzbaus setzt sich mit dem Film auseinander und holt die Themen darin in die Gegenwart. Er hinterfragt, sucht nach Antworten und Parallelen im eigenen Leben und in der gegenwärtigen Gesellschaft. Er setzt sich auseinander mit Disziplin, mit der Notwendigkeit des Widerstandes, mit der eigenen Individualität und dem Mut, seinen eigenen Weg zu gehen. Wogegen müssen wir uns auflehnen, wofür kämpfen, welchen Weg gehen? Wie individuell muss ich in einer globalisierten durchorganisierten, digitalisierten Welt sein?
Eine Geschichte voller Poesie über den Mut, für etwas einzustehen.
Hier zeigen ca. 160 Fachfirmen der Mess-, Steuer-, Regel- und Automatisierungstechnik von 8 bis 16 Uhr Geräte und Prozessleitsysteme, Engineering- und Serviceleistungen sowie neue Trends im Bereich der Automatisierung. Die Messe wendet sich an Fachleute und Entscheidungsträger, die in ihren Unternehmen für die Optimierung der Geschäfts- und Produktionsprozesse entlang der gesamten Wertschöpfungskette verantwortlich sind. Der Eintritt zur Messe und die Teilnahme an den Fachvorträgen sind für die Besucher kostenlos und sollen ihnen Informationen und interessante Gespräche ermöglichen. Snacks und Erfrischungsgetränke gibt´s gratis.
Musik von George Stiles Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard
Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.
Musik von George Stiles Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard
Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.
Carpe diem! – Nutze den Tag! In dem berühmten Film Der Club der toten Dichteraus dem Jahre 1989 ist dieser Aufruf des Dichters Horaz ein zentrales Motiv, das den Schülern eines strengen Internats Mut macht, sich gegen den ewigen Gehorsam aufzulehnen und ihre eigene Individualität zu leben. Einem charismatischen jungen Lehrer gelingt es darin, bei den Schülern mit Hilfe der Poesie und des Theaters Widerstandsgeist zu wecken.
Dreißig Jahre später: der Jugendclub des Jungen Pfalzbaus setzt sich mit dem Film auseinander und holt die Themen darin in die Gegenwart. Er hinterfragt, sucht nach Antworten und Parallelen im eigenen Leben und in der gegenwärtigen Gesellschaft. Er setzt sich auseinander mit Disziplin, mit der Notwendigkeit des Widerstandes, mit der eigenen Individualität und dem Mut, seinen eigenen Weg zu gehen. Wogegen müssen wir uns auflehnen, wofür kämpfen, welchen Weg gehen? Wie individuell muss ich in einer globalisierten durchorganisierten, digitalisierten Welt sein?
Eine Geschichte voller Poesie über den Mut, für etwas einzustehen.
Maurice Ravel Konzert für Klavier (linke Hand) und Orchester D-Dur
Johann Strauß Kaiserwalzer op. 437
Rudi Stephan Musik für Orchester in einem Satz
Sergej Prokofjew Sinfonie Nr. 1 D-Dur op. 25 „Symphonie classique“
Die MODERN TIMES 2018 wollen einerseits noch ein wenig vom „Duft der alten Märchenzeit“ verbreiten, andererseits möchte die renommierte Konzertserie auch den Sound der Nachkriegszeit hörbar werden lassen. Bei MODERN TIMES 1 KAISERWALZER mutiert der Kaiserwalzer à la Johann Strauss zum Totentanz. Abzulesen am Schicksal des hochbegabten, 1887 in Worms geborenen und 1915 in der Ukraine gefallenen Rudi Stephan. Seine einsätzige Musik für Orchester, duftet noch nach Märchenzeit; jedoch nicht frei von bedrohlichen und tragischen Untertönen. Maurice Ravels Klavierkonzert für die linke Hand knüpft diese Stimmungen auf, noch heute kommt es einer pianistischen Tour de force gleich.
Carpe diem! – Nutze den Tag! In dem berühmten Film Der Club der toten Dichteraus dem Jahre 1989 ist dieser Aufruf des Dichters Horaz ein zentrales Motiv, das den Schülern eines strengen Internats Mut macht, sich gegen den ewigen Gehorsam aufzulehnen und ihre eigene Individualität zu leben. Einem charismatischen jungen Lehrer gelingt es darin, bei den Schülern mit Hilfe der Poesie und des Theaters Widerstandsgeist zu wecken.
Dreißig Jahre später: der Jugendclub des Jungen Pfalzbaus setzt sich mit dem Film auseinander und holt die Themen darin in die Gegenwart. Er hinterfragt, sucht nach Antworten und Parallelen im eigenen Leben und in der gegenwärtigen Gesellschaft. Er setzt sich auseinander mit Disziplin, mit der Notwendigkeit des Widerstandes, mit der eigenen Individualität und dem Mut, seinen eigenen Weg zu gehen. Wogegen müssen wir uns auflehnen, wofür kämpfen, welchen Weg gehen? Wie individuell muss ich in einer globalisierten durchorganisierten, digitalisierten Welt sein?
Eine Geschichte voller Poesie über den Mut, für etwas einzustehen.
Mehr als 20 Millionen Zuschauer, darunter fast 4 Millionen in Deutschland, sahen den 2014 erschienenen Film, der lustvoll und mit einem Augenzwinkern die Geschichte von Monsieur Claude und seinen Töchtern erzählt. Das amüsante Stück, eine der erfolgreichsten Komödien des französischen Kinos überhaupt, liefert auf sympathische und humorvolle Weise Denkanstöße für Toleranz und ein friedliches Miteinander. Der Notar Claude, stockkonservativer Gaullist und erzkatholisch, hat vier erwachsene Töchter. Drei davon ehelichen zu Claudes Leidwesen Männer, die zwar Franzosen, aber allesamt keine Katholiken sind. Adèle ist mit dem erfolglosen jüdischen Geschäftsmann Abraham verheiratet, Isabelle hat sich den Muslim Abderazak ausgesucht, und Michelle wurde die Frau des Bankers Chao Ling. Claudes letzte Hoffnung ruht auf Laura, seiner jüngsten Tochter. Und so ist er entzückt, als Laura ankündigt, sie werde den katholischen Schauspieler Charles heiraten – zumindest so lange, bis er den vierten Schwiegersohn zu Gesicht bekommt…
Mehr als 20 Millionen Zuschauer, darunter fast 4 Millionen in Deutschland, sahen den 2014 erschienenen Film, der lustvoll und mit einem Augenzwinkern die Geschichte von Monsieur Claude und seinen Töchtern erzählt. Das amüsante Stück, eine der erfolgreichsten Komödien des französischen Kinos überhaupt, liefert auf sympathische und humorvolle Weise Denkanstöße für Toleranz und ein friedliches Miteinander. Der Notar Claude, stockkonservativer Gaullist und erzkatholisch, hat vier erwachsene Töchter. Drei davon ehelichen zu Claudes Leidwesen Männer, die zwar Franzosen, aber allesamt keine Katholiken sind. Adèle ist mit dem erfolglosen jüdischen Geschäftsmann Abraham verheiratet, Isabelle hat sich den Muslim Abderazak ausgesucht, und Michelle wurde die Frau des Bankers Chao Ling. Claudes letzte Hoffnung ruht auf Laura, seiner jüngsten Tochter. Und so ist er entzückt, als Laura ankündigt, sie werde den katholischen Schauspieler Charles heiraten – zumindest so lange, bis er den vierten Schwiegersohn zu Gesicht bekommt…
n Kooperation mit dem Théâtre Eclair, Burkina Faso
Ensemblearbeit mit Musik
Für die Allerkleinsten von 1 bis 5 Jahren
Kleine Kinder lieben es, Erwachsene singen zu hören, und auf diese Erfahrung greift die Aufführung Taama zurück. In der westafrikanischen Mande-Sprache Dioula bedeutet „Taama“ Reise. Eine Sängerin aus Burkina Faso und ein bretonischer Geiger bringen in farbenfroher Atmosphäre Abzählreime und klassische Melodien zum Klingen. Diese Momente des gemeinsamen Erlebens dienen dem Austausch und dem gegenseitigen Sich-Verstehen. Überall auf der Welt singen Mütter bekannte, traditionelle Lieder, um ihr Baby aufzumuntern, zu beruhigen oder in den Schlaf zu singen. Die Kleinen werden von der Musik, der Melodie und dem Rhythmus der Lieder gefesselt. Die Lieder gleichen ersten kleinen Erzählungen, die die Phantasie anregen, selbst wenn sich die Kinder noch im Ein-Wort-Stadium befinden. Die Musik, die Reime und Lieder versetzen den Körper in Schwingung und reißen mit – auch die Erwachsenen. Kinder wie Erwachsene werden mit auf eine Reise genommen und teilen die vielen neuen, spannenden Sinneseindrücke. Die Aufführung Taama für die Allerkleinsten geht besonders auf die Lebens- und Erfahrungswelt von Kindern ab einem Jahr ein. Im Anschluss an die Vorstellung laden die Künstler die Kinder ein, selbst zu entdecken und zu berühren, was sie zuvor gesehen haben.
Franz Kafkas surreale Welten gleichen einer Reise in die menschliche Seele. Sie sind wie die Traumbilder, die unsere Psyche Nacht für Nacht hervorbringt – mit all den beängstigenden, aber auch den verrückten, grotesken Situationen, die irgendetwas zwischen lustig und peinlich sind. Für die Protagonisten unserer Kafka-Adaption beginnt der Alptraum mit dem Erwachen: Herr K. wird unsanft von seinem Strohsack hochgerissen und des Ortes verwiesen. Josef K. bekommt nicht das Frühstück ans Bett gereicht, sondern einen Haftbefehl. Gregor Samsa bemerkt eine seltsame körperliche Veränderung. Gerne hätten die drei Herren sich ans gewohnte Tagwerk gemacht, werden aber durch solche ungewöhnlichen Vorgänge daran gehindert. Geben wir es zu: Wer hat sich nicht schon manches Mal gewünscht, das Läuten des Weckers zu überhören und einfach in den Tag hineinzuschlafen. Nicht aufs Amt zu gehen, nicht in die Bank, nicht auf die Dienstfahrt. So ist, was unseren liebenswerten Figuren zustößt vielleicht auch ein wenig subversiver Widerstand. Franz Kafka, der sein Brot als Versicherungsangestellter zu verdienen hatte, erspart seinen Alter Egos den öden Arbeitsalltag. Allerdings kann er ihnen das schlechte Gewissen, das autoritäre Über-Ich nicht ersparen, das hier in Gestalt von bösartigen Wächtern, ignoranten Kleinbürgern, machtlosen Helfern auftritt und am Ende leider den Sieg davonträgt. Oder auch nicht, denn das großartige, unerschrockene Ensemble der Pfalzbau Bühnen geht mit Kafka seinen eigenen Weg.
Kein Kafka mit deutungsschwangerer Philosophie, sondern ein gut spielbares, dem Publikum zugewandtes Stück. (…) Guter Besuch und herzlicher Premierenbeifall für einen gelungenen, ambitionierten und darstellerisch bemerkenswerten Abend. Mannheimer Morgen
Franz Kafkas surreale Welten gleichen einer Reise in die menschliche Seele. Sie sind wie die Traumbilder, die unsere Psyche Nacht für Nacht hervorbringt – mit all den beängstigenden, aber auch den verrückten, grotesken Situationen, die irgendetwas zwischen lustig und peinlich sind. Für die Protagonisten unserer Kafka-Adaption beginnt der Alptraum mit dem Erwachen: Herr K. wird unsanft von seinem Strohsack hochgerissen und des Ortes verwiesen. Josef K. bekommt nicht das Frühstück ans Bett gereicht, sondern einen Haftbefehl. Gregor Samsa bemerkt eine seltsame körperliche Veränderung. Gerne hätten die drei Herren sich ans gewohnte Tagwerk gemacht, werden aber durch solche ungewöhnlichen Vorgänge daran gehindert. Geben wir es zu: Wer hat sich nicht schon manches Mal gewünscht, das Läuten des Weckers zu überhören und einfach in den Tag hineinzuschlafen. Nicht aufs Amt zu gehen, nicht in die Bank, nicht auf die Dienstfahrt. So ist, was unseren liebenswerten Figuren zustößt vielleicht auch ein wenig subversiver Widerstand. Franz Kafka, der sein Brot als Versicherungsangestellter zu verdienen hatte, erspart seinen Alter Egos den öden Arbeitsalltag. Allerdings kann er ihnen das schlechte Gewissen, das autoritäre Über-Ich nicht ersparen, das hier in Gestalt von bösartigen Wächtern, ignoranten Kleinbürgern, machtlosen Helfern auftritt und am Ende leider den Sieg davonträgt. Oder auch nicht, denn das großartige, unerschrockene Ensemble der Pfalzbau Bühnen geht mit Kafka seinen eigenen Weg.
Kein Kafka mit deutungsschwangerer Philosophie, sondern ein gut spielbares, dem Publikum zugewandtes Stück. (…) Guter Besuch und herzlicher Premierenbeifall für einen gelungenen, ambitionierten und darstellerisch bemerkenswerten Abend. Mannheimer Morgen
Aus Deutschland geflüchtet? Nachkommen deutscher Einwanderer findet man heute in allen Schichten der brasilianischen Metropolregion um Porto Alegre. Im 19. Jahrhundert kamen deutsche Kleinbauern als Armutsflüchtlinge – sie waren willkommen für die Kolonisierung des Bodens und die „Aufweißung“ der Bevölkerung. Während der Weltwirtschaftskrise um 1920 strandeten zahlreiche Arbeiterfamilien, später Verfolgte des NS-Regimes und untergetauchte Nationalsozialisten. In den meisten Einwandererfamilien wird bis heute deutsch gesprochen. Autobiografische Recherchen verdichtete der Autor Jürgen Berger zu einem doku-fiktionalen Abend. Vier brasilianische Performer, Schauspieler und Musiker mit deutschen Wurzeln spielen mit einem Karlsruher Schauspieler. Kann man in zwei Kulturen gleichzeitig leben? Sind das dann Parallelgesellschaften? Ist Heimat ein Instrument des Kolonialismus? Welche Gemeinsamkeiten gibt es mit der Einwanderung nach Deutschland heute? Wie wandelt sich zukünftig der Begriff der Migration? Die deutsch-brasilianische Regisseurin Mirah Laline studierte in Porto Alegre und wurde mit ihrer Inszenierung von Der Hässliche von Marius von Mayenburg in Brasilien vielfach zu Festivals eingeladen und ausgezeichnet. Ein Stipendium des DAAD führte sie in den Studiengang Regie der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Berlin.
Sheikh Bahauddin Adil, Meister eines der ältesten Sufi-Orden, fasziniert und berührt Menschen durch seine weisen Ansprachen und seinen hinreißenden meditativen Gesang. Viele Institutionen wie z.B. die UNESCO schätzen seine menschennahen und friedlichen Botschaften und laden ihn gern zu Vorträgen ein. Seine Schriften handeln von Herzlichkeit, Menschlichkeit und Spiritualität. Als Sufimus bezeichnet man die mystische Auslebung des Islam, im Westen hauptsächlich bekannt durch die drehenden Derwische und Jalaluddin Rumi, den persischen Poeten. So wie sich alles, was lebendig ist, dreht auf dieser Welt, so drehen sich die Derwische mit ihren weiten weißen Röcken weltentrückt um sich selbst, um eins zu werden mit dem Lebendigen, dem Liebenden, mit Gott. Begleitet wird Sheikh Bahauddin Adil, der Tradition entsprechend, von einer original osmanischen Mehter-Kapelle. Ensembles dieser Art wurden schon zu Zeiten des Osmanischen Reiches genutzt, um Ehrengäste willkommen zu heißen. Die Musiker stammen aus Ludwigshafen und proben im Ludwigshafener Sufi-Verein „Harmonie der Herzen e.V.“, der 2009 von Ayberk Efendi gegründet wurde. Die osmanische Mehter-Kapelle des Vereins tourte bereits durch viele Länder und Hauptstädte Europas. Die Ottoman Sufi-Night von Sheikh Bahauddin Adil verspricht ein mystisches Erlebnis aus Gesang, Derwischtanz und Sufi-Weisheiten.
Veranstaltergemeinschaft Ludwigshafener Sportverband, Stadt Ludwigshafen am Rhein, LUKOM Ludwigshafener Kongress- und Marketing-Gesellschaft mbH
Zum dreizehnten Mal präsentiert diese Veranstaltung eine faszinierende Bandbreite an sportlichen Höchstleistungen. Ein beeindruckendes Showprogramm mit internationalen, nationalen, aber auch regionalen Sportlern und Akrobaten der Spitzenklasse.
Der Sound des Südafrikaners James Tuft generiert sich aus einer Vielzahl von Einflüssen und kann am treffendsten als Indie-Folk mit einem tief unterschwelligen Neoklassizismus beschrieben werden. Seine Songs erzählen über die Beziehung des Menschen zu Liebe, Zeit und Tod. Er ist ein Multitalent, schreibt nicht nur seine hochphilosophischen Texte selbst, sondern versucht, auch durch das Fotografieren und Zeichnen dem Wesen der Welt und ihrer Bewohner auf die Spur zu kommen. Stets ist er auf der Suche nach dem Erhabenen, nach der ästhetischen Vollendung. Als Jugendlicher wurde James Tuft an der klassischen Gitarre ausgebildet, und noch heute steht die Gitarre im Zentrum seiner Musik. Zwischen 2010 und 2014 trat Tuft in Südafrika mit der Band Holiday Murray auf. Im Jahr 2015 zog er nach Berlin.
Zur Zeit arbeitet er an seinem Debütalbum Valley Road.
Cementary (ein Wortspiel aus „cemetery“ – Friedhof –und „cement“ – Zement) ist die neueste Arbeit der griechischen Choreographin und zum ersten Mal in Deutschland zu Gast. Die sechs Tänzerinnen und Tänzer zeigen heimatlose Figuren, die durch urbane Zonen treiben, irgendwo im Niemandsland zwischen schutzlosen Räumen und kleinen (Traum-) Oasen. Zur ergreifend sinnlichen Musik von Vassilis Mantzoukis entsteht eine Art Straßen-Ballett. Ihr Thema, so die Choreographin Patricia Apergi, ist die Trauer über ihre eigene Generation ohne Zukunft. Um die Magie der Melancholie zum Leuchten zu bringen, hat sie für diese Produktion ein neues Tanzvokabular entwickelt – ein wunderbar melancholischer und berührender Abend über eine „lost generation“.
Patricia Apergi, geboren 1979, lebt und arbeitet als freischaffende Choreographin in ihrer Geburtsstadt Athen. Sie studierte Tanz, Theater und Choreographie in Athen, Nizza und London. 2006 gründete sie die Aerites Tanzcompagnie, mit der sie seitdem auf vielen Festivals (u.a. Avignon, London, Barcelona) international gefeiert wurde.
Griechenland, Wiege der Demokratie und der westlichen Kultur (insbesondere des Theaters), ist durch seine geopolitische Lage an der Schnittstelle zu Asien, dem Nahen Osten und Europa von größter aktueller Bedeutung. Hier bündeln sich wie in einem Brennglas die Widersprüche der gegenwärtigen Welt und prallen in extremer Weise aufeinander. Die Hauptstadt Athen, in der geschätzt die Hälfte der Griechen leben, ist eine Stadt der Brüche und Kontraste: Pulsierend und tempogeladen, aber gleichzeitig wie gelähmt. Eine Stadt, in der antike Ausgrabungsstätten und kühne moderne Architektur auf Armut, Leerstand, bröckelnde Fassaden und Industriebrachen treffen und interkulturelle Vielschichtigkeit an jeder Ecke intensiv greifbar wird. Das Internationale Festival NACH ATHEN! an den Pfalzbau Bühnen Ludwigshafen lenkt den Blick auf ein Land im Umbruch. Es zeigt den kreativen Umgang von Künstler*innen mit prekären Produktionsbedingungen und großen Zukunftsfragen, die sich perspektivisch für ganz Europa stellen. NACH ATHEN! greift die Diskurse auf, die sich durch die Präsenz Griechenlands bei der Documenta 14 entwickelt haben. Unser Festival denkt über die Demokratie als Grundwert der westlichen Welt nach und über die Herausforderungen, denen sich demokratische Staatsformen gegenwärtig stellen müssen. Es ist ein Bekenntnis zur kulturellen Vielfalt und Solidarität.
„Was sich zu diesem Zeitpunkt abzeichnete, war nicht das Europa der Nationen. Es war das Europa der Könige“, schrieb der große Dichter, Schriftsteller und Visionär eines vereinten Europas, Victor Hugo, Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Theaterleiterin und Regisseurin Sophia Marathaki und ihr fünfköpfiges Ensemble von ATONAL nehmen Hugos Hymne an ein Vereintes Europa als Ausgangspunkt ihrer theatralen Recherche über Utopien und Realitäten in Europa. Marathaki verschneidet Hugos Text unter anderem mit Nietzsche-Zitaten aus dem europäischen Nihilismus und schafft einen Theaterabend, der oszilliert zwischen Oratorium und schrägem Abendessen mit Musik. Ein europakritischer Diskurs in Zeiten der Europadämmerung. Die griechische Regisseurin, geboren in London, Absolventin der George-Theodosiades-Schauspielschule in Athen, studierte Theaterregie in London und ist bekannt für ihre körperbetonten und musikalischen Arbeiten.
Platon, einer der herausragenden griechischen Denker, entwarf im 4. Jahrhundert vor Christus das geistige Modell eines Idealstaates, in dem die Gesamtheit aller Bürger ihrem Wesen und ihren Fähigkeiten entsprechend in Gerechtigkeit zusammenleben. Politeia – Der Staat ist bahnbrechende Weltliteratur und zugleich ein Zeugnis seiner Zeit. Platon formuliert wegweisende Gedanken von Gleichheit, Freiheit und Gerechtigkeit. Viele der brisanten Themen, die in heutigen multikulturellen Gesellschaften Menschen vor kaum lösbare Aufgaben stellen, wie freie Religionsausübung, Meinungsfreiheit, soziale Gerechtigkeit oder Umgang mit „Fremden“ oder Flüchtlingen, werden in Platons Politeia thematisiert und kontrovers diskutiert. Die konzertante Bearbeitung von Texten aus Politeia führt zu einem musikalischen Streitgespräch, in dem Sprechstimme und Gesang in künstlerische und intellektuelle Reibung treten. Instrumente und Klangquellen bilden die Basis für eine Musik zwischen Emotion und Ratio, zwischen Tradition und Experiment. Spektakuläres Zentrum des Konzertes ist eine acht Meter lange Stahlsaite. Dieses Instrument, das an das Monochord erinnert, an dem schon Pythagoras die musikalischen Schwingungsverhältnisse erforschte, erzeugt komplex schillernde Klangspektren, die sich kontinuierlich, bisweilen chaotisch verändern und damit auf die Veränderbarkeit politischer Verhältnisse verweisen.
Mit Ludwigshafen Sound Surround und Mare Nostrum / Unser Meer hat Volker Staub bereits zwei konzertante Werke an den Pfalzbau Bühnen erfolgreich realisiert. Das Theater gibt ihm mit Politeia erstmals den Auftrag für ein szenisch-musikalisches Werk.
Fünf Menschen ziehen durch imaginäre Landschaften wie Planeten im Weltall. Sie sind Heimatlose auf dem Weg durch urbane Labyrinthe, auf der Suche nach einer besseren Zukunft und einem eigenen Sein. Im Gepäck tragen sie Geschichten und Erfahrungen, ihre Sprache und Kultur. Sie sind Einwanderer auf Zeit und Weltbürger, die im Exil ihre Spuren hinterlassen. Städte werden zu einem Schmelztiegel von Fremden und Ausgegrenzten, deren kulturelle Vielfalt sich auch in dem Bewegungsvokabular widerspiegelt, das von keltischen Tänzen, Flamenco sowie griechischen, afrikanischen und arabischen Elementen inspiriert wurde. Ein Tanzstück von fesselnder Dringlichkeit und packender Intensität.
Aerites gehört zu den neuen aufstrebenden Tanzcompagnien der jüngeren Generation in Griechenland. Mit einer klaren Haltung zum Tanz, die eine pure kinetische Tanzsprache mit der Expressivität des Tanztheaters verknüpft, entwickelt Aerites eine Ausdruckskraft, die dazu einlädt, aufzustehen und selbst zu tanzen, und die einen zugleich zum Weinen bringt.LIFO
Das in Berlin ansässige Quintett Onom Agemo & The Disco Jumpers schafft mit seiner Musik eine einzigartige Mixtur aus Weltmusik, Psychedelic-, Space- und Jazzrock. Die Band, allen voran der weit gereiste Saxofonist Johannes Schleiermacher, hat ein starkes Faible für Marokko, wo sie schon mit Sufi-Brüdern zusammenspielte. Auf ihrem Vorgänger-Album Cranes And Carpets entstand ein authentischer Mix aus nordafrikanischen Rhythmen und Stimmungen, aus Jazz und Elektronik, der sowohl an Pioniere wie William Onyeabor und Manu Dibango, aber auch an die Heliocentrics erinnert. Onom Agemo & the Disco Jumpers haben ihr neues Album nach dem ersten Stück Liquid Love benannt. Es erinnert an einen limetten-grünen Cocktail, der in der Dämmerung serviert wird, während die Passagiere im Taucher-Outfit auf einem Boot im Hafen herumdümpeln. Das gesamte Album ist eine Art psychedelischer Trip mit raffinierten Grooves, die wie in einer übersprudelnden Jam-Sesson gleiten und toben.
Platon, einer der herausragenden griechischen Denker, entwarf im 4. Jahrhundert vor Christus das geistige Modell eines Idealstaates, in dem die Gesamtheit aller Bürger ihrem Wesen und ihren Fähigkeiten entsprechend in Gerechtigkeit zusammenleben. Politeia – Der Staat ist bahnbrechende Weltliteratur und zugleich ein Zeugnis seiner Zeit. Platon formuliert wegweisende Gedanken von Gleichheit, Freiheit und Gerechtigkeit. Viele der brisanten Themen, die in heutigen multikulturellen Gesellschaften Menschen vor kaum lösbare Aufgaben stellen, wie freie Religionsausübung, Meinungsfreiheit, soziale Gerechtigkeit oder Umgang mit „Fremden“ oder Flüchtlingen, werden in Platons Politeia thematisiert und kontrovers diskutiert. Die konzertante Bearbeitung von Texten aus Politeia führt zu einem musikalischen Streitgespräch, in dem Sprechstimme und Gesang in künstlerische und intellektuelle Reibung treten. Instrumente und Klangquellen bilden die Basis für eine Musik zwischen Emotion und Ratio, zwischen Tradition und Experiment. Spektakuläres Zentrum des Konzertes ist eine acht Meter lange Stahlsaite. Dieses Instrument, das an das Monochord erinnert, an dem schon Pythagoras die musikalischen Schwingungsverhältnisse erforschte, erzeugt komplex schillernde Klangspektren, die sich kontinuierlich, bisweilen chaotisch verändern und damit auf die Veränderbarkeit politischer Verhältnisse verweisen.
Mit Ludwigshafen Sound Surround und Mare Nostrum / Unser Meer hat Volker Staub bereits zwei konzertante Werke an den Pfalzbau Bühnen erfolgreich realisiert. Das Theater gibt ihm mit Politeia erstmals den Auftrag für ein szenisch-musikalisches Werk.
Oma, wie war das damals, als du hierher kamst? Und Opa, hattest du Angst? Was hast du auf deine Reise mitgenommen und warum bist du eigentlich hergekommen? Wolltest du wieder zurück, in deine Heimat? Warst du traurig? Kinder fragen ihre Großeltern, die vor Jahrzehnten aus der Ferne nach Deutschland kamen, beim Aufbau unseres Wohlstands geholfen haben und mit ihren Familien in Ludwigshafen geblieben sind. Sie sind neugierig auf die Geschichten ihrer Vorfahren, die auch ein Teil von ihnen sind; lustige, traurige, interessante und nachdenkliche Geschichten. Geschichten, die ein wenig nach Abenteuer klingen und vielleicht die Sehnsucht nach Sonne, Zitronenduft und Straßenstaub in sich tragen. Reales und Erfundenes wird zu einem Theaterstück gemischt, das zurückblickt auf die Zeit, als Menschen mit Migrationsgeschichte noch Gastarbeiter waren. Und was die Abenteurer von gestern bislang noch nicht erzählen mochten, vermitteln nun ihre Enkel, mit Liebe, Respekt und ein wenig Erstaunen.
In griechischer, französischer, englischer Sprache mit deutschen Übertiteln
Eine Gruppe von Menschen hat sich zurückgezogen in ein geheimnisvolles, surreal anmutendes Institut, vom Rest der Welt isoliert und in der Hoffnung, von dem „Virus der Einsamkeit“ geheilt zu werden. Einige von ihnen verbringen schon ein paar Jahre dort, andere hoffen, nach kurzer Zeit wieder in die normale Welt zurückzukehren. Entworfen wird eine zeitlos dystopische Welt von Menschen, die ihren Atem aus Sauerstoffflaschen saugen und sich in erschöpften Liebesgeständnissen und nicht enden wollenden Tanzabfolgen verlieren. Das Stück ist eine absurde Komödie über Einsamkeit in der Stadt, Einsamkeit unter dem leeren Himmel, Einsamkeit und Isolation in Europa und letztlich über Einsamkeit als philosophische Kategorie. Und es ist unmissverständlich und bezeichnend, dass es ein Stück aus Griechenland ist – allerdings inspiriert durch Thomas Manns großen Roman Der Zauberberg.
Das renommierte freie Theaterkollektiv Blitz wurde 2004 von Aggeliki Papoulia, Giorgos Valais und Christos Passalis in Athen gegründet. Das Trio arbeitet gemeinsam und gleichberechtigt an Konzeption, Textentwicklung, Regie und Dramaturgie seiner Stücke. Ihre Inspiration sowie die Basis ihrer Stoffe findet die Gruppe in der Weltliteratur, Popkultur und Geschichte. Die blitztheatergroup zielt stets auf gesellschaftlich relevante Themen ab, um diese, verknüpft mit Musik, Tanz und Performance-Elementen, spielerisch und zeitaktuell aufzubereiten. Einem breiteren Publikum sind sie auch aus mehreren, teils preisgekrönten Filmen von Yorgos Lanthimos, Syllas Tzoumerkas u.a. bekannt.
Zum Themenschwerpunkte Griechenland gehört notwendigerweise ein Nachdenken über Europa. Einst großer Hoffnungsträger, scheint das Projekt Europa angesichts von Flüchtlings- und Schuldenkrise, sozialer Ungleichheit zwischen Nord und Süd, Populismen und Nationalismen, inzwischen gescheitert. Ist Europa noch zu retten und wie ist es neu zu denken? Visionäre Europakritiker diskutieren Entwürfe für ein anderes Europa.
Space Tigers sind eine dreiköpfige Berliner Jazzgruppe: Grgur Savic am Alt-Saxophon, Vanja Kevresan an der E-Gitarre und Jesus Vega an den Drums. Ihre Musik entsteht nach einem einzigartigen und originellen Konzept: Melodielinien werden fragmentiert und zu neuen Einheiten gemixt. Jedes Detail einer bestehenden Komposition gerät so in ein anderes Licht, Harmonien werden durcheinandergewirbelt und wiederhergestellt. Jazz, Techno, Punk oder Funk – alle Kategorien treffen auf die Space Tigers zu und irgendwie auch wieder nicht. Sie selbst nennen ihren Stil Sofa-Techno-Jazz und behaupten selbstbewusst, nicht nur eine Band, sondern vor allem eine Bewegung, eine Invasion zu sein. Drei Experten sind hier am Werk, jeder mit einem Musikstudium ausgestattet und technisch brillant.
Was bedeutet die andauernde wirtschaftliche und humanitäre Krise Griechenlands, deren Ende nicht abzusehen ist, für die freie Theaterszene Athens? Unter welchen strukturellen und finanziellen Bedingungen arbeitet sie, seitdem sich der Staat fast ganz aus der Kulturförderung zurückgezogen hat? Welche neuen ästhetischen Formen sind aus der Krise heraus entstanden? Und welche Geschichten werden erzählt? Theatermacher*innen aus verschiedenen performativen Bereichen berichten über ihre Arbeit.
Die Sängerin Valerie Trebeljahr ist Kopf und Herz der Band Lali Puna, die sich mit prägnantem Elektro-Pop einen Namen gemacht hat. 1999 veröffentlichte die vier- bis fünfköpfige Gruppe ihr Debütalbum Tridecoder, das vor allem von elektronischen Klängen geprägt war. Mit dem zweiten Album Scary World Theorie kamen Gitarren hinzu und der Anspruch, Pop und Politik in Reibung zu bringen. Diesem Stil ist die Band bis heute treu geblieben – allerdings hat sie sich mit der Produktion des letzten Albums Two Windows zu den Anfängen zurückbegeben und den Elektrosound wieder verstärkt. Leicht metallisch und etwas düster ist der Beat, die Texte sind wie gewohnt zeitkritisch. Valerie Trebeljahr wächst in Lissabon auf und zieht in den 1990er Jahren nach Weilheim in Oberbayern, wo die Musikszene überraschend lebendig ist. Trebeljahr singt in der Frauenband L.B. Page und nimmt nach der Auflösung der Gruppe ihre eigene Musik auf einem Vierspurgerät auf. Dann begegnet sie The Notwist und dessen Sänger und Gitarristen Markus Acher, der von da an Teil ihrer Band und ihr Lebensgefährte ist. Die Verbindung zu The Notwist ist Fluch und Segen zugleich. Lali Puna profitiert von der wachsenden Bekanntheit der Gruppe, aber Valerie Trebeljahr hat viel damit zu tun, ihre Eigenständigkeit zu bewahren und nicht als (weibliches) Partnerprojekt abgewertet zu werden. Vielleicht sind deshalb mit Two Windows ihre Songs noch kämpferischer, ja geradezu feministisch geworden.
Clean City ist ein faszinierendes und kluges Stück Dokumentartheater, das europaweit gefeiert wird und jetzt endlich auch in Ludwigshafen zu sehen ist. Anlass dafür war eine Kampagne der griechischen Neonazi-Partei Goldene Morgenröte mit ihrem Aufruf: „Athen ausmisten!“ Was bedeutete: Athen gewaltsam von den migrantischen Einwohnern zu säubern. Das Regieduo Azas und Tsinikoris, künstlerische Leiter der Experimentierbühne des Athener Nationaltheaters, nahm diesen Slogan wörtlich und stellte die Gegenfragen: „Wer macht eigentlich die Stadt Athen Tag für Tag sauber? Wer befreit sie vom Dreck? Sind es nicht die Putzfrauen aus aller Herren Länder?“ Und so wurden eben jene Putzfrauen, eine ‚stille‘ Minderheit, zum Subjekt der Geschichte und zu den Protagonistinnen von Clean City. Fünf von ihnen – aus Moldawien, Südafrika, Bulgarien, den Philippinen und Albanien – erzählen ihre Geschichten, wie sie für 3 Euro pro Stunde die Straßen und Gebäude der Akropolis-Metropole sauber halten – und das mit viel Witz und Humor.
Tsinikoris und Azas sammelten wochenlang die Lebensgeschichten der fünf Frauen und komprimierten das Ganze zu einem großartigen Stück Gegenwart, einem Text über Globalisierung und Heimat, Sehnsucht und Familie, das Verschwinden der Mittelklasse und die Träume, die Europa noch immer für viele birgt. Süddeutsche Zeitung
Das Foyer bebt. Bis zu tausend Menschen strömen in die Pfalzbau Bühnen. Es wird gegessen, geschwatzt, gelacht. Auf der kleinen Bühne im Gläsernen Foyer ist Kunst aus Ludwigshafen zu sehen: Mongolische Gesänge, Osmanische Trommeln und Pfeifen, kroatische Tänze und vieles mehr. Die internationale Tafel bietet Genuss aus Bulgarien, dem Libanon, Italien und vielen anderen Ländern. So war es bisher, und so soll es auch diesmal wieder sein. Feiern Sie mit uns an diesem Tag des Friedens und der Verständigung!
Oma, wie war das damals, als du hierher kamst? Und Opa, hattest du Angst? Was hast du auf deine Reise mitgenommen und warum bist du eigentlich hergekommen? Wolltest du wieder zurück, in deine Heimat? Warst du traurig? Kinder fragen ihre Großeltern, die vor Jahrzehnten aus der Ferne nach Deutschland kamen, beim Aufbau unseres Wohlstands geholfen haben und mit ihren Familien in Ludwigshafen geblieben sind. Sie sind neugierig auf die Geschichten ihrer Vorfahren, die auch ein Teil von ihnen sind; lustige, traurige, interessante und nachdenkliche Geschichten. Geschichten, die ein wenig nach Abenteuer klingen und vielleicht die Sehnsucht nach Sonne, Zitronenduft und Straßenstaub in sich tragen. Reales und Erfundenes wird zu einem Theaterstück gemischt, das zurückblickt auf die Zeit, als Menschen mit Migrationsgeschichte noch Gastarbeiter waren. Und was die Abenteurer von gestern bislang noch nicht erzählen mochten, vermitteln nun ihre Enkel, mit Liebe, Respekt und ein wenig Erstaunen.
Konzert/Show
21.10.2018
Pfalzbau
Sinfonisches Blasorchester Ludwigshafen – Konzert im Pfalzbau
Der französische Komponist Maurice Ravel hat mit Boléro eines der am meisten gespielten Orchesterwerke überhaupt geschaffen. Es wurde als Ballet Ende der Zwanziger Jahre an der Pariser Oper uraufgeführt. Das klar strukturierte Werk besteht aus nur einer Melodielinie und erzeugt allein durch die Orchestrierung und den fortwährend beständigen Trommelrhythmus einen enormen Spannungsbogen.
In ganz ähnlicher Weise verarbeitete der Norweger Øyvind Moe in Cerebral Vortex seine Erfahrungen als Komponist: eine, wie er selbst sagt, „im Kopf herumwirbelnde Idee“ lässt ihn nicht mehr los. Aus diesem Gedankenspiel entstand ein Werk, das nicht nur in seiner Form, sondern auch in seiner spanischen Tonsprache an das berühmte Vorbild Boléro erinnert.
Mit Angels in the Architecture vertonte Frank Ticheli auf dramatische Weise den inneren Kampf zwischen Gut und Böse. Dieser Gegensatz ist strukturell maßgebend für sein Werk. Am Beginn steht ein Gesangssolo des Engels des Lichts, der mit tröstenden Worten auf die menschliche Existenz blickt. Doch immer wieder schleichen sich fast unbemerkt düstre Mächte und Gedanken ein, und bald entflammt ein Kampf zwischen Dunkelheit und ewigem Licht.
Zum Abschluss des Konzertes kehren wir mit George GershwinsEin Amerikaner in Paris zurück in das Frankreich der goldenen Zwanziger. Inspiriert von seiner eigenen Zeit in Paris erweckt die Tondichtung den Esprit der Stadt auf musikalische Art zum Leben
Das Ballet National de Marseille wurde 1972 von Roland Petit gegründet und über zwanzig Jahre lang geleitet. Als die künstlerische Leitung 1998 an Marie-Claude Pietragalla und in ihrer Nachfolge 2004 an Frédérick Flamand überging, setzten sich beide dafür ein, dass sich die Compagnie neuen künstlerischen Erfahrungen öffnete. 2014 wurden Emio Greco und Pieter C. Scholten berufen, die Geschicke des Ballet National de Marseille zu lenken. Sie knüpften an das an, was sie mit ICKAmsterdam begonnen hatten, einem internationalen Choreographie-Zentrum in Amsterdam. Dort hatten sie ebenso intensiv mit dem klassischen Vokabular als auch mit Elementen des postmodernen Tanzes gearbeitet. Mit dem Ballet National de Marseille entwickelten sie ein Programm, das sie „the rebellious body“ nannten und das sich mit der Stellung des Künstlers in der Gesellschaft auseinandersetzt. Mit dem schlichten Titel „le corps du ballet“ überschrieben sie ihr Streben, eine neue Form des zeitgenössischen Balletts zu gestalten.
Ihre Aufsehen erregende Kreation Extremalism enthält den Widerspruch von „extrem“ und „Minimalismus“: Extrem im Hinblick auf den Umgang mit Körper, Bewegung, Bühnenbild, Beleuchtung, Ton, minimalistisch in der Beschränkung auf das Wesentliche. Ausgangspunkt ihrer Arbeit war die Frage, wie sich der Körper in extremen Situationen verhält. Wie reagiert der Körper auf eine Krise? Wie wirken sich Hunger, Wohlstand, Stress, Fluchterfahrung, Digitalisierung, Überbevölkerung, Erschöpfung auf den Körper aus? Greco/Scholten zeigen in ihrer Choreographie, wie destabilisierend und zerstörerisch extreme Situationen auf den Körper einwirken.
Für Boléro befreiten sie sich von Anfang an davon, dem nacheifern zu wollen, was die russische Tänzerin und Choreographin Bronislava Nijinska zur Musik Maurice Ravels für ihre Tänzer geschaffen hatte und unweigerlich an berühmte Szenen aus Carmen denken ließ. Greco/Scholten hingegen kam es auf die Reibung zwischen Körper und Musik an. Bei ihnen ist die Musik nicht nur ein Zeichenstift, aus dem die Erzählung fließt, sondern ein Protagonist, mit dem sich die Tänzer auseinandersetzen müssen. Die Musik des Boléro symbolisiert einen inneren Kampf, der die Dualität in jedem Menschen zum Ausdruck bringt. Indem der Körper der unerbittlichen Rhythmus-Linie ausgesetzt ist, offenbart er ihr Zögern, ihre Risse, ihren Atem.
Das Ballet National de Marseille wurde 1972 von Roland Petit gegründet und über zwanzig Jahre lang geleitet. Als die künstlerische Leitung 1998 an Marie-Claude Pietragalla und in ihrer Nachfolge 2004 an Frédérick Flamand überging, setzten sich beide dafür ein, dass sich die Compagnie neuen künstlerischen Erfahrungen öffnete. 2014 wurden Emio Greco und Pieter C. Scholten berufen, die Geschicke des Ballet National de Marseille zu lenken. Sie knüpften an das an, was sie mit ICKAmsterdam begonnen hatten, einem internationalen Choreographie-Zentrum in Amsterdam. Dort hatten sie ebenso intensiv mit dem klassischen Vokabular als auch mit Elementen des postmodernen Tanzes gearbeitet. Mit dem Ballet National de Marseille entwickelten sie ein Programm, das sie „the rebellious body“ nannten und das sich mit der Stellung des Künstlers in der Gesellschaft auseinandersetzt. Mit dem schlichten Titel „le corps du ballet“ überschrieben sie ihr Streben, eine neue Form des zeitgenössischen Balletts zu gestalten.
Ihre Aufsehen erregende Kreation Extremalism enthält den Widerspruch von „extrem“ und „Minimalismus“: Extrem im Hinblick auf den Umgang mit Körper, Bewegung, Bühnenbild, Beleuchtung, Ton, minimalistisch in der Beschränkung auf das Wesentliche. Ausgangspunkt ihrer Arbeit war die Frage, wie sich der Körper in extremen Situationen verhält. Wie reagiert der Körper auf eine Krise? Wie wirken sich Hunger, Wohlstand, Stress, Fluchterfahrung, Digitalisierung, Überbevölkerung, Erschöpfung auf den Körper aus? Greco/Scholten zeigen in ihrer Choreographie, wie destabilisierend und zerstörerisch extreme Situationen auf den Körper einwirken.
Für Boléro befreiten sie sich von Anfang an davon, dem nacheifern zu wollen, was die russische Tänzerin und Choreographin Bronislava Nijinska zur Musik Maurice Ravels für ihre Tänzer geschaffen hatte und unweigerlich an berühmte Szenen aus Carmen denken ließ. Greco/Scholten hingegen kam es auf die Reibung zwischen Körper und Musik an. Bei ihnen ist die Musik nicht nur ein Zeichenstift, aus dem die Erzählung fließt, sondern ein Protagonist, mit dem sich die Tänzer auseinandersetzen müssen. Die Musik des Boléro symbolisiert einen inneren Kampf, der die Dualität in jedem Menschen zum Ausdruck bringt. Indem der Körper der unerbittlichen Rhythmus-Linie ausgesetzt ist, offenbart er ihr Zögern, ihre Risse, ihren Atem.
Bei der „Bau- und ImmobilienMesse“ in Ludwigshafen – Die Messe rund ums Eigenheim – stellen eine große Anzahl von Anbieter Ihre Produkte und Dienstleistungen vor, denn Investitionen in die eigenen vier Wände sind weiterhin der Trend in einer Zeit mit Niedrigzinsniveau. Somit ist diese Publikumsveranstaltung die ideale Plattform für Neubau- und Immobilieninteressenten sowie Renovierer und Sanierer, um Informationen aus erster Hand zu bekommen.
Der Bau- und Energiebereich präsentiert dem Hausbesitzer neueste Entwicklungen zu Renovierung, Sanierung und Modernisierung sowie zu Energieeinsparung, Energiesteuerung und Heizungsoptimierung. Der Immobilien- und Neubaubereich gibt einen umfassenden Überblick über den regionalen Markt und richtet sich gezielt an den vorwiegend privaten Interessenten für An- und Verkauf, An- und Vermietung, Neubau, Kapital und Finanzierungsberatung.
Konzert/Show
28.10.2018
Pfalzbau
51. Gala-Konzert für Seniorinnen und Senioren der Stadt Ludwigshafen am Rhein mit den Chören des BASF Gesangvereins
Kartenvorverkauf ab 13. August 2018 in allen städtischen Seniorentreffs, im Café Alternativ, beim Seniorenrat und bei der Seniorenförderung der Stadt Ludwigshafen am Rhein im Stadthaus Nord, Zimmer 225
Karten für Rollstuhlfahrer und deren Begleitperson sowie Karten für Rollatoren-Nutzer sind nur im Stadthaus Nord erhältlich!
Auf einem Spiegel in einer Bar in Greenwich Village hatte er die Worte entdeckt: Who‘s Afraid of Virginia Woolf? Eigentlich sollte der Titel seines neuen Dramas The Exorcism heißen. Und um eben eine solche Austreibung ging es Edward Albee bei seiner legendären Afterparty von Martha, George, Nick und Honey, die seit der New Yorker Uraufführung im Jahr 1962 als „Klassiker“ gilt und als Schauspielerfest.
Ohne Wissen ihres Ehemannes George hat Martha den neuen Biologieprofessor Nick und seine Frau Honey nach einem offiziellen Fest in ihr Haus eingeladen. George, Geschichtsdozent am hiesigen College, kennt die Gesellschaftsspiele seiner Ehefrau Martha nur zu gut. Als Tochter des Rektors besitzt sie Macht und Einfluss und liebt es, mit den Gefühlen anderer zu spielen. Doch an diesem Abend ist alles anders und das Spiel eskaliert.
Bereits in seinen Inszenierungen Die bitteren Tränen der Petra von Kant und Hedda Gabler widmete sich Martin Kušej den düsteren Beziehungsspielen des gehobenen Bürgertums. Sein Interesse gilt den Schaukämpfen der modernen Gefühlswelt, deren Verletzungen sich tief in die Seelen und Herzen seiner Protagonisten wühlen, bis ins Mark.
Martin Kušej ist einer der renommiertesten Regisseure des deutschsprachigen Theaters. Er inszeniert sowohl im Schauspiel als auch in der Oper und hat u.a. am Burgtheater Wien, am Thalia Theater Hamburg und am Opernhaus Zürich gearbeitet. Kušejs Inszenierungen wurden vielfach ausgezeichnet; drei Mal wurden seine Arbeiten zum Berliner Theatertreffen eingeladen, 2008 erhielt er zudem den Nestroy-Preis. Seit der Spielzeit 2011/2012 ist Martin Kušej Intendant des Residenztheaters München, in der kommenden Spielzeit wechselt er als Intendant ans Burgtheater Wien.
Auf einem Spiegel in einer Bar in Greenwich Village hatte er die Worte entdeckt: Who‘s Afraid of Virginia Woolf? Eigentlich sollte der Titel seines neuen Dramas The Exorcism heißen. Und um eben eine solche Austreibung ging es Edward Albee bei seiner legendären Afterparty von Martha, George, Nick und Honey, die seit der New Yorker Uraufführung im Jahr 1962 als „Klassiker“ gilt und als Schauspielerfest.
Ohne Wissen ihres Ehemannes George hat Martha den neuen Biologieprofessor Nick und seine Frau Honey nach einem offiziellen Fest in ihr Haus eingeladen. George, Geschichtsdozent am hiesigen College, kennt die Gesellschaftsspiele seiner Ehefrau Martha nur zu gut. Als Tochter des Rektors besitzt sie Macht und Einfluss und liebt es, mit den Gefühlen anderer zu spielen. Doch an diesem Abend ist alles anders und das Spiel eskaliert.
Bereits in seinen Inszenierungen Die bitteren Tränen der Petra von Kant und Hedda Gabler widmete sich Martin Kušej den düsteren Beziehungsspielen des gehobenen Bürgertums. Sein Interesse gilt den Schaukämpfen der modernen Gefühlswelt, deren Verletzungen sich tief in die Seelen und Herzen seiner Protagonisten wühlen, bis ins Mark.
Martin Kušej ist einer der renommiertesten Regisseure des deutschsprachigen Theaters. Er inszeniert sowohl im Schauspiel als auch in der Oper und hat u.a. am Burgtheater Wien, am Thalia Theater Hamburg und am Opernhaus Zürich gearbeitet. Kušejs Inszenierungen wurden vielfach ausgezeichnet; drei Mal wurden seine Arbeiten zum Berliner Theatertreffen eingeladen, 2008 erhielt er zudem den Nestroy-Preis. Seit der Spielzeit 2011/2012 ist Martin Kušej Intendant des Residenztheaters München, in der kommenden Spielzeit wechselt er als Intendant ans Burgtheater Wien.
Seit Oktober 2018 präsentiert der Kurpfälzer Comedian sein brandneues Programm, eine Comedy-Safari für Urlaubsweltmeister, natürlich – wie immer – uff pälzisch! Chako macht sein Publikum kurzerhand zur Reisegruppe und sich selbst zum Tourguide und Safari-Ranger auf der Suche nach dem edlen Wilden, der in Laos ebenso sein kann wie in Ludwigshafen.
Pfalz, ich lieb dich! So soll es König Ludwig I. von Bayern einst auf den Punkt gebracht haben, und wer will es ihm verdenken. Um für unseren in jedem Sinne fruchtbaren Landstrich einen herzlichen Lokalpatriotismus zu entwickeln, braucht es kein Heimatministerium. Es genügt, bei einem guten Glas Pfälzer Wein die literarische, historische, musikalische, kulturelle Vielfalt dieser Region hochleben zu lassen. Im Gläsernen Foyer der Pfalzbau Bühnen ist dazu viermal pro Spielzeit Gelegenheit. Dann lädt Tilman Gersch illustre Gäste ein und bespricht mit ihnen Dinge von lokaler Bedeutung. Winzerinnen und Winzer aus der Gegend (und damit ist ein Umkreis von höchstens 50 Kilometern gemeint) offenbaren ihr Erfolgsrezept, Schülerinnen und Schüler der Städtischen Musikschule Ludwigshafen zeigen erstaunliche Talente. Und selbst wenn ausnahmsweise mal der Blick bis ins ferne Rheinhessen schweift, bleibt am Ende doch immer das wohlige Credo: „Fröhlich Pfalz – Gott erhalt’s“.
Amir Kapoor hat es geschafft. Er ist ein erfolgreicher New Yorker Anwalt, arbeitet in einer renommierten jüdischen Kanzlei in New York und bewohnt ein Loft in der Upper East Side von Manhattan. Für all das hat er einen hohen Preis bezahlt. Kapoor ist Sohn pakistanischer Einwanderer und versteckt seine Herkunft hinter einem falschen, buddhistisch klingenden Nachnamen. Auf dem Weg zur kompletten Assimilation an die amerikanische Gesellschaft erschien es ihm notwendig, jeden Bezug zum Islam zu kappen. Im Gegenzug entwickelt seine weiße, christlich geprägte Ehefrau eine übermäßige Liebe zur islamischen Kunst.
Um das explosive Maß der Selbstverleugnung seiner Hauptfigur zu offenbaren, bedient sich der junge Erfolgsautor Ayad Akhtar beim dankbaren Genre der Wohnzimmerschlacht. Ein befreundetes Ehepaar ist zum Dinner geladen: Er ein amerikanisch-jüdischer Kurator, sie eine afroamerikanische Karrieristin, die wie Kapoor den Aufstieg aus kleinsten Verhältnissen vollzogen hat und nun in der Hierarchie seiner Kanzlei über ihm steht. In diesem gemischten Doppel manifestieren und entzünden sich die Grundkonflikte der vermeintlich aufgeklärten, toleranten, politisch korrekten westlichen Welt. Eine Diskussion über religiöse Traditionen eskaliert, Amir verliert erst die Kontrolle, dann seinen Job und seine Frau. Ob er durch diesen Befreiungsschlag seine Identität wiederfindet, ist fraglich. Zu sehr ist er schon aufgerieben im Kampf um Aufnahme in eine Gesellschaft, die sich durchlässig gibt und voller Rassismus ist.
Geächtet ist eines der erfolgreichsten amerikanischen Theaterstücke der letzten Jahre und hat schnell auch seinen Siegeszug an deutschen Bühnen angetreten. Es wurde mit dem Pulitzer-Preis und dem renommierten österreichischen Nestroy-Preis ausgezeichnet und bei der Kritikerumfrage des Magazins Theater heute 2016 zum besten ausländischen Stück gewählt. Der Autor Ayad Akhtar ist wie seine Hauptfigur Amerikaner mit pakistanischer Abstammung.
Akhtar, geboren 1970 als Sohn pakistanischer Einwanderer in New York, gelingt hier das Kunststück, in der Struktur eines Well-made-Plays eine ziemlich brillante Debatte über Identität, Integration und Ressentiments zu führen. Süddeutsche Zeitung
Amir Kapoor hat es geschafft. Er ist ein erfolgreicher New Yorker Anwalt, arbeitet in einer renommierten jüdischen Kanzlei in New York und bewohnt ein Loft in der Upper East Side von Manhattan. Für all das hat er einen hohen Preis bezahlt. Kapoor ist Sohn pakistanischer Einwanderer und versteckt seine Herkunft hinter einem falschen, buddhistisch klingenden Nachnamen. Auf dem Weg zur kompletten Assimilation an die amerikanische Gesellschaft erschien es ihm notwendig, jeden Bezug zum Islam zu kappen. Im Gegenzug entwickelt seine weiße, christlich geprägte Ehefrau eine übermäßige Liebe zur islamischen Kunst.
Um das explosive Maß der Selbstverleugnung seiner Hauptfigur zu offenbaren, bedient sich der junge Erfolgsautor Ayad Akhtar beim dankbaren Genre der Wohnzimmerschlacht. Ein befreundetes Ehepaar ist zum Dinner geladen: Er ein amerikanisch-jüdischer Kurator, sie eine afroamerikanische Karrieristin, die wie Kapoor den Aufstieg aus kleinsten Verhältnissen vollzogen hat und nun in der Hierarchie seiner Kanzlei über ihm steht. In diesem gemischten Doppel manifestieren und entzünden sich die Grundkonflikte der vermeintlich aufgeklärten, toleranten, politisch korrekten westlichen Welt. Eine Diskussion über religiöse Traditionen eskaliert, Amir verliert erst die Kontrolle, dann seinen Job und seine Frau. Ob er durch diesen Befreiungsschlag seine Identität wiederfindet, ist fraglich. Zu sehr ist er schon aufgerieben im Kampf um Aufnahme in eine Gesellschaft, die sich durchlässig gibt und voller Rassismus ist.
Geächtet ist eines der erfolgreichsten amerikanischen Theaterstücke der letzten Jahre und hat schnell auch seinen Siegeszug an deutschen Bühnen angetreten. Es wurde mit dem Pulitzer-Preis und dem renommierten österreichischen Nestroy-Preis ausgezeichnet und bei der Kritikerumfrage des Magazins Theater heute 2016 zum besten ausländischen Stück gewählt. Der Autor Ayad Akhtar ist wie seine Hauptfigur Amerikaner mit pakistanischer Abstammung.
Akhtar, geboren 1970 als Sohn pakistanischer Einwanderer in New York, gelingt hier das Kunststück, in der Struktur eines Well-made-Plays eine ziemlich brillante Debatte über Identität, Integration und Ressentiments zu führen. Süddeutsche Zeitung
Das Scapino Ballett aus Rotterdam blickt auf ein langjähriges Bestehen zurück und steht an der Spitze von Hollands Tanzkultur, die international einen herausragenden Ruf errungen hat. Seit seiner Gründung 1945 hat Scapino eine entscheidende Rolle in der Entwicklung des Modern Dance gespielt. Das Ballett-Ensemble zeigt nicht nur an die hundert Vorstellungen in den Niederlanden, sondern erhält auch regelmäßig Einladungen ins Ausland und auf internationale Festivals. 2015 beispielsweise war das Scapino in das internationale Opern-Ballett-Projekt Les Fêtes Vénitiénnes in der Regie von Robert Carson eingebunden mit Aufführungen in Paris und New York.
Als Ed Wubbe 1992 zum künstlerischen Leiter ernannt wurde, brachte dies eine frische Vision mit sich und ein neues Kapitel in der Ballettgeschichte wurde aufgeschlagen. Seine expressiven Choreographien, in denen theatrale Finesse und Emotionalität zusammenfließen, seine Vielseitigkeit und Produktivität sind einzigartig. Über mehr als zwei Dekaden hinweg zählt Wubbe zu Europas virtuosesten Choreographen.
Mittlerweile gehört das Scapino Ballett zu den führenden und stilbildenden Tanzcompagnien in den Niederlanden und zieht ein breites Publikum an. Scapino ist für seine abendfüllenden, thematisch ausgerichteten Aufführungen bekannt, die oftmals von Live-Musik begleitet werden. Und so entfaltet sich auf der Bühne ein spannendes, unterhaltsames und obendrein innovatives Abenteuer, das durch seine großartigen Tänzer überhaupt erst möglich wird. Seine Vielseitigkeit macht das Scapino unverwechselbar und zu einer der erfolgreichsten Compagnien in Holland, die zugleich seine älteste ist: im Jahre 2016 feierte das Ensemble seinen 70. Geburtstag mit seinem längsten Werk TING!.
Mit Scala hat Ed Wubbe ein extravagantes Barock-Tanzdrama geschaffen, das an das Vorgänger-Stück Pearl anknüpft. Letztlich geht es ihm darin um das menschliche Drama: Unter aller äußeren Schönheit liegt eine dunkle Welt der Intrigen und des Verfalls. Insofern evoziert Scala nicht nur äußerlich Bilder von Filmen wie Gefährliche Liebschaften.
Dieser Titel offenbart es – Schubert möchte neue Wege gehen.
Zwar bleibt er der mahnende, intellektuelle Stachel im Fleische der Bourgeoisie, welcher uns dieAntworten auf die brennenden Fragen der heutigen Zeit liefert – zuzüglich möchte er nun aber auch seine sinnliche Seite präsentieren. Durch die Trennung von seiner langjährigen Freundin Carola ist er reifer geworden – und bodenständiger. Er will ein Olaf zum Anfassen werden. Der bewusst englischsprachig gewählte Titel zeigt jedoch auch: nach den großen Erfolgen inTeutonien will Olaf jetzt endlich auch den amerikanischen Markt erobern, zumindest den rumänischen. Womöglich etabliert er im neuen Programm sogar Elemente der Show – Ballett, Feuerwerk, wer weiß?
Olaf wäre aber nicht Schubert, wenn er seine eigenen Statements nicht kritisch hinterfragen würde. Kann überhaupt jemand „Sexy Forever“ sein? Außer ihm selbst natürlich. Man sollte sich also auf keinen Fall das großartige Erlebnis entgehen lassen, wenn der Bundesolaf und Zentralschubert, der größte Gedankengigant der Gegenwart, die Lichtgestalt
„Lassmalache“ fordert Bülent Ceylan in seinem aktuell bereits zehnten Programm, nicht zuletzt da das Lachen die Gesundheit von Körper, Geist und Seele fördert. Er widmet sich aber auch Menschen mit chronischen Zwerchfellkrämpfen und Lachfalten. Die Bandbreite seiner humoristischen Betrachtungen reich darüber vom Lachzwang bis hin zu Lachtränen. Kurzum haben auch an diesem Abend sicherlich alle gut lachen!
Susn ist sechzehn. Höchste Zeit, aus der Enge eines bayrischen Provinzdorfes auszubrechen. Endlich zu leben, dem Zugriff der katholischen Kirche zu entkommen, eigene Entscheidungen zu treffen. Aber wohin sie auch geht, überall stößt Susn auf Mauern. Und so entwickelt sich aus dem mutigen Ausbruch die Geschichte eines Scheiterns. Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgt der Dramatiker Herbert Achternbusch den Abstieg seiner Figur. Mit sechsundvierzig ist Susn am Ende, desillusioniert und vom Alkohol zerstört.
Eine Passionsgeschichte, gelesen von der Ausnahmeschauspielerin Brigitte Hobmeier. Wer sie je auf der Bühne oder im Film gesehen hat, weiß um ihre enorme Ausdrucksfähigkeit zwischen überwältigender Kraft und anrührender Zartheit. Von 2005 bis 2017 war Brigitte Hobmeier Ensemblemitglied an den Münchner Kammerspielen und spielte dort große Rollen. Für ihre Darstellung der Elisabeth in Ödön von Horváths Glaube Liebe Hoffnung wurde sie 2007 mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST ausgezeichnet, ein Jahr später war sie als Titelfigur in Fassbinders Die Ehe der Maria Braun beim Berliner Theatertreffen zu Gast. Sie war die Buhlschaft im Jedermann bei den Salzburger Festspielen und ist regelmäßig in Film- und Fernsehproduktionen zu sehen, für die sie mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet wurde: Unter anderem dem Grimmepreis für Die Hebamme(ZDF, Regie: Dagmar Hirz) und Ein Teil von uns (ARD, Regie: Nicole Weegmann) sowie mit dem Bayerischen Filmpreis für Ende der Schonzeit (Kino, Regie: Franziska Schlotterer).
Die Kreationen des Griechen Dimitris Papaioannou sind überwältigende Gesamtkunstwerke. Mit seiner 1986 gegründeten Compagnie Edafos Dance Theatre entwickelte er einen unverwechselbaren Stil, in dem Tanz, Performance, Bühne, Licht und Musik gleichwertig ineinander verwoben sind. Sein Gespür für starke Bilder resultiert aus einem Studium der Bildenden Kunst an der Hochschule in Athen. Inzwischen ist Papaioannou Regisseur, Choreograph, Performer, Bühnen- und Kostümbildner sowie Maler in einem, seine Inszenierungen sind von großer ästhetischer Harmonie und spiegeln zugleich die intensive Reibung des Künstlers mit gesellschaftlichen, politischen und sozialen Sujets.
The Great Tamer ist eine Tiefenbohrung durch die Schichten unserer Vergangenheit – im wahrsten Sinne des Wortes. Die zehn Performerinnen und Performer begeben sich auf eine archäologische Expedition, um den Kern unseres Daseins freizulegen. Zum Vorschein kommt der menschliche Körper, zuerst nackt und unbeschrieben wie bei seiner Geburt, dann berührt, gezähmt, vervielfältigt, geheiligt und gefressen. Der Lebensweg des Menschen ist immer auch ein Leidensweg, daran erinnert Dimitris Papaioannou mit allen Mitteln, die ihm und seinen Tänzerinnen und Tänzern zur Verfügung stehen. Mit atemberaubendem Einsatz lotet das Ensemble die Grenzen der Physis aus und lässt Bilder von großer Archaik entstehen. The Great Tamer beschließt den Reigen unserer Gastspiele aus Griechenland im Rahmen des Internationalen Festivals NACH ATHEN!. Es erzählt von der Chance, aus dem Endpunkt der Geschichte einen Neuanfang zu machen.
Er ist der Inbegriff des Münchner Originals, und allein schon seine Silhouette ist bemerkenswert. Dürr und überlang, mit riesiger spitzer Nase, ein Ritter von der traurigen Gestalt, so bleibt Karl Valentin in Erinnerung. Schon als Junge in der Vorstadt Au soll er es wild getrieben haben, und gleich nach der Schreinerlehre zog es ihn auf die Brettlbühnen der Heimatstadt. Als irrwitziger Wortverdreher schaffte er dort 1908 den Durchbruch und galt von da an als „Blödsinnkönig Valentin“. Mit seiner Partnerin Liesl Karlstadt erfand er, meist aus dem Stegreif, unvergessliche Dialoge, und der Ruhm des Komikerpaares reichte bald weit über München hinaus. „Kunst ist schön, macht aber viel Arbeit“; dieses gern zitierte Bonmot sagt viel über Karl Valentins wunderbare Art, die Dinge mit Spitzfindigkeit und knallharter Logik auf den Punkt zu bringen.
Der Schauspieler Rainer Kühn hat eine Wesensverwandtschaft zu Karl Valentin entdeckt, und das hat bei weitem nicht nur mit seiner Erscheinung zu tun, die zweifelsohne Ähnlichkeiten aufweist. Ihm liegt der anarchische Humor des Künstlers, der sich zeitlebens nicht anpassen wollte und, nach einer gar nicht so langen Phase des Erfolgs, Lebenskrisen und Schicksalsschläge zu bewältigen hatte. Und so soll an diesem Abend nicht nur der lustige Karl Valentin auferstehen, auch dem Anderen, dem Einsamen und an der Welt Verzweifelnden, wird angemessener Raum gewährt.
Dem Publikum in Ludwigshafen ist Rainer Kühn schon bekannt. Er hat den Faust in der Inszenierung von Tilman Gersch gespielt, die mehrfach hier gastierte. Am Staatstheater Wiesbaden trafen Gersch und Kühn aufeinander und entwickelten eine fruchtbare Arbeitsbeziehung. Vor seiner Zeit in Wiesbaden arbeitete Rainer Kühn u.a. am Schauspiel Frankfurt, Theater Basel, Schauspiel Bonn und am Maxim Gorki Theater Berlin. Vor einigen Jahren war er in Edgar Reitz‘ Film Die andere Heimat – Chronik einer Sehnsucht zu sehen.
Nach der Veröffentlichung ihres neuen Albums -M- im Frühjahr 2018 gastiert Westafrikas im Moment wohl berühmteste Sängerin Fatoumata Diawara im Herbst auf den Pfalzbau Bühnen. Fünf Jahre nach ihrem viel beachteten Debüt produzierte sie -M- zusammen mit Mathieu Chedid. Sie selbst äußerte sich dazu: „Er brachte die Liebe in Malis Musik und Kultur – und natürlich seine eigene Erfahrungswelt, und ich versuchte, meine malische und afrikanische Bluestradition einzubringen. Gemeinsam haben wir nach einem moderneren Sound gesucht.”
Im Rahmen der Vorbereitungen reiste die liebevoll Fatou genannte Sängerin zusammen mit der weltweit bekannten Fotografin Aida Muluneh nach Äthiopien in die Wüste Danakil. An diesem Ort, dem tiefsten Punkt Afrikas, geprägt von vulkanischer Aktivität und Salzwüsten, entstanden traumhafte Aufnahmen, die im perfekten Einklang zu den Songs ihres neuen Albums stehen. Diawaras Biographie spiegelt die Spannungen einer Gesellschaft, in der Musiker einerseits Identität stiften, andererseits jedoch zunehmend von religiösen Extremisten bedroht werden. Nachdem sie gegen ihren Willen mit einem Cousin verheiratet werden sollte, floh die junge Frau aus Mali nach Frankreich ins Exil, von wo aus sie sich jedoch immer in ihre Heimat zurück sehnt. In ihren melodiösen Liedern, die die traditionelle Musik Malis mit Elementen aus Rock und Pop verbindet, prangert sie gesellschaftliche Missstände wie die Beschneidung und Zwangsheiraten an.
Er imitiert, parodiert, politisiert, karikiert, musiziert. Er ist Comedian, Kabarettist, Satiriker, Humorist, multitalentierter Großimitator (1,91 Meter) und SWR3-Comedy-Chef. Sein Name: Andreas Müller. 2018/2019 geht „der Mann der 100 Stimmen“ wieder auf Tour durch SWR3-Land, das neue Bühnenprogramm „SWR3 Comedy live – mit Andreas Müller“ startet im Oktober 2018.
Ob Bundes-Angie, Modepapst Glööckler, Food-Experte Rainer Calmund oder Superkoch Johann Lafer – SWR3-Comedystar Andreas Müller bringt sie alle an einem Abend auf eine Bühne. Musikparodien, Polit-Kabarett, Dialoge, Parodien, Klamauk, Persönlichkeitsspaltung in Perfektion, multimedial und interaktiv – im Radio und auf der Bühne. Müller ist schnell, schräg und galoppiert atemlos durch die Comedy-Nacht.
Er malte die Abgründe der menschlichen Seele: der britische Maler Francis Bacon. Die Beziehungen zugrunde liegenden Mechanismen von Begehren, Dominanz und Ausgrenzung stellte er in seinen Bildern auf eine schonungslos ehrliche Weise dar, die von schmerzhafter Schönheit zeugt. Die Choreographin Nanine Linning, bei den diesjährigen Festspielen für das Tanzprogramm verantwortlich, ergründet mit ihrem Stück die Gefühlswelten der Bilder Bacons und entdeckt in der Kompromisslosigkeit der Darstellung auch eine Analogie zur eigenen Kunst: „Mich interessiert das Tierische, das Instinkthafte. Ich fordere meine Tänzer auf, ihre eigenen Grenzen zu überschreiten.“ Mit exzessiver Körperlichkeit erforscht die Choreographie fundamentale Verhaltensmuster, die mit ihrer Archaik und Unbarmherzigkeit die Grenzen zwischen menschlichem und animalischem Gebaren verschwimmen lassen. Aus beinahe beunruhigender Nähe wird der Zuschauer Zeuge des Kampfes des Einzelnen um Zugehörigkeit. Linnings Szenerie spielt dabei mit den verborgenen Seiten wie auch mit den charakteristischen geometrischen Strukturen in Bacons Gemälden, die die Figuren zu umgrenzen scheinen.
Das unter anderem mit dem „Swan“ für die beste niederländische Choreographie ausgezeichnete Stück ist nun in einer aktuellen choreographischen Bearbeitung und mit neuem Video- und Lichtdesign in Ludwigshafen zu sehen.
Er malte die Abgründe der menschlichen Seele: der britische Maler Francis Bacon. Die Beziehungen zugrunde liegenden Mechanismen von Begehren, Dominanz und Ausgrenzung stellte er in seinen Bildern auf eine schonungslos ehrliche Weise dar, die von schmerzhafter Schönheit zeugt. Die Choreographin Nanine Linning, bei den diesjährigen Festspielen für das Tanzprogramm verantwortlich, ergründet mit ihrem Stück die Gefühlswelten der Bilder Bacons und entdeckt in der Kompromisslosigkeit der Darstellung auch eine Analogie zur eigenen Kunst: „Mich interessiert das Tierische, das Instinkthafte. Ich fordere meine Tänzer auf, ihre eigenen Grenzen zu überschreiten.“ Mit exzessiver Körperlichkeit erforscht die Choreographie fundamentale Verhaltensmuster, die mit ihrer Archaik und Unbarmherzigkeit die Grenzen zwischen menschlichem und animalischem Gebaren verschwimmen lassen. Aus beinahe beunruhigender Nähe wird der Zuschauer Zeuge des Kampfes des Einzelnen um Zugehörigkeit. Linnings Szenerie spielt dabei mit den verborgenen Seiten wie auch mit den charakteristischen geometrischen Strukturen in Bacons Gemälden, die die Figuren zu umgrenzen scheinen.
Das unter anderem mit dem „Swan“ für die beste niederländische Choreographie ausgezeichnete Stück ist nun in einer aktuellen choreographischen Bearbeitung und mit neuem Video- und Lichtdesign in Ludwigshafen zu sehen.
Wolfgang Amadeus Mozart Sinfonia concertante Es-Dur für Oboe, Klarinette, Horn, Fagott und Orchester KV 297b
Gustav Mahler Sinfonie Nr. 4 G-Dur für Sopran und Orchester
Beschreibung
Gleichzeitig mit Mozart hielten sich im Frühjahr 1778 vier hervorragende Bläservirtuosen, alle Mitglieder der berühmten Mannheimer Hofkapelle, in Paris auf. Mozart, der das Zusammentreffen nutzte, muss wahren Genuss empfunden haben, für dieses erlesene Bläserquartett zu schreiben – den unverwechselbaren Klangzauber Mozarts, bringen beim 1. Philharmonischen Konzert vier hervorragende Bläser aus den eigenen Reihen der Staatsphilharmonie zum Klingen. Komplettiert wird der Konzertabend durch Mahlers vierte Sinfonie, die den großartigen Gesang der Sopranistin Katharina Ruckgaber mit dem ausdrucksstarken Dirigat von Christof Prick verbindet.
Fünf Schwestern fassen einen radikalen Entschluss. An der Schwelle zum Erwachsenwerden soll ihr Leben enden, und so beginnt das „Jahr der Selbstmorde“ im Haus der bis dahin unauffälligen Mittelstandsfamilie Lisbon. Fassungslos beobachten die Söhne der Nachbarsfamilie, wie eine Schwester nach der anderen den Freitod sucht. Ihre Beschreibungen offenbaren das Drama, das sich hinter der sauber verputzten Fassade des Einfamilienhauses abspielt, lassen die dort herrschende Kälte erahnen, in der die Mädchen emotional verkümmern. Nach dem Verlust aller ihrer Töchter gehen die Eltern Lisbon schnell zur Routine über. Die Nachbarsjungen aber sind nachhaltig erschüttert.
Auf der Bühne finden sie sich nun zu einem Erinnerungsritual zusammen. Der Roman des amerikanischen Autors Jeffrey Eugenides ist hier nur noch in Fragmenten präsent. Susanne Kennedys außergewöhnlicher Regiezugriff fokussiert in vielen Dimensionen das Thema Tod und Gedächtnis. Die Jungen sind längst eins geworden mit den Objekten ihrer Verehrung, ihre Identität verschwindet hinter den großäugigen, blumengeschmückten Traumwesen, die ihrer übersteigerten Phantasie entsprungen zu sein scheinen. In einem psychedelischen Gedächtnisraum vollziehen sie ihre kultischen Handlungen nach geheimnisvollen Regeln. Wer sich darauf einlässt, erlebt Theater, das einem LSD-Trip gleicht – Bewusstseinserweiterung inklusive.
Die junge Regisseurin Susanne Kennedy ist mit ungewöhnlichen Regiezugriffen aufgefallen. Bereits zwei ihrer ersten Inszenierungen an deutschen Theatern wurden 2014 und 2015 zum Theatertreffen nach Berlin eingeladen. Sie arbeitet mit starker Verfremdung und Entindividualisierung durch Masken, Multimedia, Playback-Dialoge und Doppelgänger.
Susanne Kennedy begreift Theater als Ritual und schafft dafür Bühnenräume, die an Installationen erinnern. Ihre Arbeiten sind radikale Form-Experimente, die mit Überbelichtungen und Video- Irritationen, Gesichtsmasken und Voice-Over-Technik Sehgewohnheiten infrage stellen und Sprache extrem räumlich-körperlich fassen. Süddeutsche Zeitung
Die Tanzschule MOHL lädt zu ihrem festlichen Galaball in den Pfalzbau Ludwigshafen ein. Tanzen Sie zur Musik der Transatlantik Band und kommen in den Genuss von professionellen Shows.
Achtzig Jahre Deutschland verdichten sich in einer Seewirtschaft in der bayerischen Provinz. Hier wird Geschichte geschrieben, zwei Kriege und eine bäuerliche, von engen Moralvorstellungen geprägte Gesellschaft fordern ihre Opfer. Mittelreich von Josef Bierbichler ist ein Heimatroman im besten Sinne, der unsentimentale Blick eines Mannes, aus dessen kraftvollen und bildreichen Beschreibungen zugleich Liebe und Wut sprechen. Am Aufstieg und Niedergang des Mittelreiches erzählt sich die Historie unseres Landes im 20. Jahrhundert – so plastisch wie selten in der zeitgenössischen Literatur.
Josef Bierbichlers Filmkarriere begann in den siebziger Jahren mit Werner Herzogs Herz aus Glas, bis heute ist er in hervorragenden deutschen Filmen zu sehen. Unter dem Titel Zwei Herren im Anzug hat er seinen Roman selbst verfilmt und spielt darin die Rolle des Vaters. Seit März läuft der Film erfolgreich in deutschen Kinos. In Ludwigshafen liest Josef Bierbichler selbst aus seinem Roman.
Fünf Schwestern fassen einen radikalen Entschluss. An der Schwelle zum Erwachsenwerden soll ihr Leben enden, und so beginnt das „Jahr der Selbstmorde“ im Haus der bis dahin unauffälligen Mittelstandsfamilie Lisbon. Fassungslos beobachten die Söhne der Nachbarsfamilie, wie eine Schwester nach der anderen den Freitod sucht. Ihre Beschreibungen offenbaren das Drama, das sich hinter der sauber verputzten Fassade des Einfamilienhauses abspielt, lassen die dort herrschende Kälte erahnen, in der die Mädchen emotional verkümmern. Nach dem Verlust aller ihrer Töchter gehen die Eltern Lisbon schnell zur Routine über. Die Nachbarsjungen aber sind nachhaltig erschüttert.
Auf der Bühne finden sie sich nun zu einem Erinnerungsritual zusammen. Der Roman des amerikanischen Autors Jeffrey Eugenides ist hier nur noch in Fragmenten präsent. Susanne Kennedys außergewöhnlicher Regiezugriff fokussiert in vielen Dimensionen das Thema Tod und Gedächtnis. Die Jungen sind längst eins geworden mit den Objekten ihrer Verehrung, ihre Identität verschwindet hinter den großäugigen, blumengeschmückten Traumwesen, die ihrer übersteigerten Phantasie entsprungen zu sein scheinen. In einem psychedelischen Gedächtnisraum vollziehen sie ihre kultischen Handlungen nach geheimnisvollen Regeln. Wer sich darauf einlässt, erlebt Theater, das einem LSD-Trip gleicht – Bewusstseinserweiterung inklusive.
Die junge Regisseurin Susanne Kennedy ist mit ungewöhnlichen Regiezugriffen aufgefallen. Bereits zwei ihrer ersten Inszenierungen an deutschen Theatern wurden 2014 und 2015 zum Theatertreffen nach Berlin eingeladen. Sie arbeitet mit starker Verfremdung und Entindividualisierung durch Masken, Multimedia, Playback-Dialoge und Doppelgänger.
Susanne Kennedy begreift Theater als Ritual und schafft dafür Bühnenräume, die an Installationen erinnern. Ihre Arbeiten sind radikale Form-Experimente, die mit Überbelichtungen und Video- Irritationen, Gesichtsmasken und Voice-Over-Technik Sehgewohnheiten infrage stellen und Sprache extrem räumlich-körperlich fassen. Süddeutsche Zeitung
Die Pfalzbau Bühnen verstehen sich inhaltlich wie ästhetisch als ein Ort gesellschaftlicher Debatte. Wir stellen Fragen zur Zeit – ob mit unseren Aufführungen, den Festivals OFFENE WELT oder Nach Athen! und einer regelmäßigen Reihe von Podiumdiskussionen. Bei den diesjährigen Festspielen möchten wir uns mit den immer größer werdenden Gräben in der deutschen Debattenkultur befassen.
Kann man alles sagen? Darf man alles sagen? Wie souverän gehen wir mit anderen Meinungen um? Gibt es eine unsichtbare Zensur? Wird das Recht auf Meinungsfreiheit von Kräften missbraucht, die selbst keinen Widerspruch ertragen? Ist das lebendige Meinungsvielfalt oder kündigen sich Weimarer Verhältnisse an? Sind wir von der Konsensgesellschaft weichgespült? Und welche Funktion hat die Institution Theater, die den Anspruch erhebt, für alle da zu sein?
Auf jeden Fall sollen die Pfalzbau Bühnen ein Ort lebendiger Debatte sein, und dazu laden wir Sie herzlich ein.
Ein episches Fresco von Körper und Emotion… Hofesh Shechter ist der König des dramatischen
Kontrasts. La Croix
Ein reifes und grandioses Werk … giftig, emotional und überraschend zärtlich. The Stage
Grand Finale, das jüngste, international bejubelte Werk Hofesh Shechters, ist ein verwegenes und anspruchsvolles Stück für zehn Tänzer und sechs Musiker. Komisch, rau und wunderschön zugleich, führt es eine Welt vor Augen, die im Widerspruch mit sich selbst steht, die voller anarchischer Energie und ungestümer Komik ist. Indem er diesen unbezähmbaren Charakter herausfiltert, zeigt Shechter die Vision einer Welt auf, die sich im freien Fall befindet.
Werke wie Cult, das berauschende Political Mother oder barbarians machen deutlich, dass es diesem Choreographen auf der Seele brennt, dass es ihn drängt, in seinen Kreationen Stellung zu beziehen, dass er das Bedürfnis hat, verstanden zu werden. Trotzdem legt Hofesh Shechter Wert darauf zu betonen, dass es letztlich weniger darauf ankommt, was er sich selbst bei einer Choreographie gedacht hat, sondern vielmehr darauf, dass mit den Zuschauern etwas passiert, wenn sie in der Aufführung sitzen. Ob bei ihnen dabei alles genauso ankommt, wie er es im Sinn hatte, ist für ihn eher zweitrangig. Die Zuschauer sollen sich nicht fühlen, als müssten sie eine Prüfung bestehen.
Was sich sicherlich sinnlich und intuitiv erfassen lässt, wenn man Grand Finale sieht, konkretisiert sich, wenn man die Vorüberlegungen Hofesh Shechters kennt. Es ist dieses Gefühl, das sich einstellt, wenn man die Nachrichten sieht: Dinge entgleiten der Kontrolle, Menschen geraten aus der Fassung und werden von Panik erfasst. Dennoch kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass der Kollaps fast zelebriert wird. Inmitten dieses chaotischen Zustands, der apokalyptische Züge trägt, lässt sich trotzdem ein amüsanter Kern finden. Optimistisch betrachtet besteht der Zyklus des Lebens darin, dass Dinge kollabieren und man sie schließlich wieder aufbaut.
Ein episches Fresco von Körper und Emotion… Hofesh Shechter ist der König des dramatischen
Kontrasts. La Croix
Ein reifes und grandioses Werk … giftig, emotional und überraschend zärtlich.The Stage
Grand Finale, das jüngste, international bejubelte Werk Hofesh Shechters, ist ein verwegenes und anspruchsvolles Stück für zehn Tänzer und sechs Musiker. Komisch, rau und wunderschön zugleich, führt es eine Welt vor Augen, die im Widerspruch mit sich selbst steht, die voller anarchischer Energie und ungestümer Komik ist. Indem er diesen unbezähmbaren Charakter herausfiltert, zeigt Shechter die Vision einer Welt auf, die sich im freien Fall befindet.
Werke wie Cult, das berauschende Political Mother oder barbarians machen deutlich, dass es diesem Choreographen auf der Seele brennt, dass es ihn drängt, in seinen Kreationen Stellung zu beziehen, dass er das Bedürfnis hat, verstanden zu werden. Trotzdem legt Hofesh Shechter Wert darauf zu betonen, dass es letztlich weniger darauf ankommt, was er sich selbst bei einer Choreographie gedacht hat, sondern vielmehr darauf, dass mit den Zuschauern etwas passiert, wenn sie in der Aufführung sitzen. Ob bei ihnen dabei alles genauso ankommt, wie er es im Sinn hatte, ist für ihn eher zweitrangig. Die Zuschauer sollen sich nicht fühlen, als müssten sie eine Prüfung bestehen.
Was sich sicherlich sinnlich und intuitiv erfassen lässt, wenn man Grand Finale sieht, konkretisiert sich, wenn man die Vorüberlegungen Hofesh Shechters kennt. Es ist dieses Gefühl, das sich einstellt, wenn man die Nachrichten sieht: Dinge entgleiten der Kontrolle, Menschen geraten aus der Fassung und werden von Panik erfasst. Dennoch kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass der Kollaps fast zelebriert wird. Inmitten dieses chaotischen Zustands, der apokalyptische Züge trägt, lässt sich trotzdem ein amüsanter Kern finden. Optimistisch betrachtet besteht der Zyklus des Lebens darin, dass Dinge kollabieren und man sie schließlich wieder aufbaut.
Es herrschen goldene Zeiten in der Republik Venedig. Die Kapital- und Warenströme fließen, die Welt rückt zusammen, die Schuldenberge wachsen, und bis es zu dem fatalen Handel zwischen dem christlichen Kaufmann Antonio und dem verachteten jüdischen Geldverleiher Shylock kommt, scheinen alle darauf zu vertrauen, dass dies ewig so weitergehen wird.
Ein Pfund Fleisch von Antonios Körper fordert Shylock, falls der Kredit, den er ihm gewährte, nicht rechtzeitig zurückgezahlt werden kann. Der Zahltag bricht an, Antonios Untergang scheint unvermeidlich, denn Shylock dringt nun unbarmherzig auf die Begleichung der Schuld. Von Gnade will der verspottete und diskriminierte Jude nichts wissen. Sein Insistieren auf die Rechtsgültigkeit seines Anspruchs wird vor dem christlichen Gericht allerdings mit einem juristischen Kniff aus der Trickkiste des Kasperletheaters beantwortet; der entrechtete Shylock steht einmal mehr als armer Teufel und Verlierer da.
Shakespeare nannte sein Stück Der Kaufmann von Venedig eine Komödie, und Karin Beier, Intendantin des Schauspielhauses Hamburg, inszeniert das Werk, das mit seiner antisemitischen Tendenz beim heutigen Zuschauer oft Ratlosigkeit hinterlässt, in seiner ganzen Doppelbödigkeit. Zugleich schwerelose Leichtigkeit und tieftraurige Betroffenheit halten sich in dieser Aufführung souverän die Waage, in der es ein Wiedersehen mit Joachim Meyerhoff als Shylock gibt. Gnadenlos unversöhnlich ergreift dieser entschlossen die Chance, sich für jahrelange Demütigungen zu rächen und steht am Ende doch wieder als der Düpierte da. In der klug ins Heute transponierten Inszenierung sind sämtliche Rollen hervorragend besetzt: eigenständige, zuweilen skurrile Charaktere mit ausgeprägt individuellen Zügen.
In ihrer geistvoll verspielten und souverän theatralischen Inszenierung gelingt Karin Beier die Entideologisierung dieses schwierigen Werks als Commedia der Ausweglosigkeit: Was die Eltern verbocken, baden die Kinder aus, ganz egal, in welchen Gottes Namen. FAZ
Joachim Meyerhoff ist seit 2005 Ensemblemitglied des Wiener Burgtheaters. Im Rahmen der Werkschau bei den letzten Festspielen Ludwigshafen war er als Titelfigur in Arthur Schnitzlers Professor Bernhardi und in Yasmina Rezas Stück Bella Figura zu sehen. Mit seinem biographischen Roman Alle Toten fliegen hochtrat er als Erzähler auf die Bühne und wurde zum Theatertreffen 2009 eingeladen. Im Januar 2017 erhielt er die Carl-Zuckmayer-Medaille des Landes Rheinland-Pfalz. Im Mai desselben Jahres wurde Joachim Meyerhoff in der Sektion Darstellende Kunst in die Akademie der Künste aufgenommen und von der Fachzeitschrift Theater heute im September zum Schauspieler des Jahres 2017 gewählt.
Gesellschaftliches Ereignis
24.11.2018
Pfalzbau
Venezianischer Maskenball - Gala- und Winterball der Tanz Art Fornacon
Ein vielseitiges Showprogramm und eine aufwendige Saaldekoration bilden den stimmungsvollen Rahmen dieser Ballnacht. Für die musikalische Unterhaltung sorgen die Tanzband Manhattan Six und zwei Discoanlagen. Reichlich Gelegenheit zum Tanz bieten gleich zwei Tanzflächen.
Der Abend präsentiert die jeweils drei besten Gruppen sämtlicher Kategorien des Wettbewerbs „It’s showtime 2018“. Das Programm vereint faszinierende Darbietungen aus den Bereichen Turnen, Tanzen, Akrobatik und Show.
Es herrschen goldene Zeiten in der Republik Venedig. Die Kapital- und Warenströme fließen, die Welt rückt zusammen, die Schuldenberge wachsen, und bis es zu dem fatalen Handel zwischen dem christlichen Kaufmann Antonio und dem verachteten jüdischen Geldverleiher Shylock kommt, scheinen alle darauf zu vertrauen, dass dies ewig so weitergehen wird.
Ein Pfund Fleisch von Antonios Körper fordert Shylock, falls der Kredit, den er ihm gewährte, nicht rechtzeitig zurückgezahlt werden kann. Der Zahltag bricht an, Antonios Untergang scheint unvermeidlich, denn Shylock dringt nun unbarmherzig auf die Begleichung der Schuld. Von Gnade will der verspottete und diskriminierte Jude nichts wissen. Sein Insistieren auf die Rechtsgültigkeit seines Anspruchs wird vor dem christlichen Gericht allerdings mit einem juristischen Kniff aus der Trickkiste des Kasperletheaters beantwortet; der entrechtete Shylock steht einmal mehr als armer Teufel und Verlierer da.
Shakespeare nannte sein Stück Der Kaufmann von Venedig eine Komödie, und Karin Beier, Intendantin des Schauspielhauses Hamburg, inszeniert das Werk, das mit seiner antisemitischen Tendenz beim heutigen Zuschauer oft Ratlosigkeit hinterlässt, in seiner ganzen Doppelbödigkeit. Zugleich schwerelose Leichtigkeit und tieftraurige Betroffenheit halten sich in dieser Aufführung souverän die Waage, in der es ein Wiedersehen mit Joachim Meyerhoff als Shylock gibt. Gnadenlos unversöhnlich ergreift dieser entschlossen die Chance, sich für jahrelange Demütigungen zu rächen und steht am Ende doch wieder als der Düpierte da. In der klug ins Heute transponierten Inszenierung sind sämtliche Rollen hervorragend besetzt: eigenständige, zuweilen skurrile Charaktere mit ausgeprägt individuellen Zügen.
In ihrer geistvoll verspielten und souverän theatralischen Inszenierung gelingt Karin Beier die Entideologisierung dieses schwierigen Werks als Commedia der Ausweglosigkeit: Was die Eltern verbocken, baden die Kinder aus, ganz egal, in welchen Gottes Namen. FAZ
Joachim Meyerhoff ist seit 2005 Ensemblemitglied des Wiener Burgtheaters. Im Rahmen der Werkschau bei den letzten Festspielen Ludwigshafen war er als Titelfigur in Arthur Schnitzlers Professor Bernhardi und in Yasmina Rezas Stück Bella Figura zu sehen. Mit seinem biographischen Roman Alle Toten fliegen hochtrat er als Erzähler auf die Bühne und wurde zum Theatertreffen 2009 eingeladen. Im Januar 2017 erhielt er die Carl-Zuckmayer-Medaille des Landes Rheinland-Pfalz. Im Mai desselben Jahres wurde Joachim Meyerhoff in der Sektion Darstellende Kunst in die Akademie der Künste aufgenommen und von der Fachzeitschrift Theater heute im September zum Schauspieler des Jahres 2017 gewählt.
Dass sich einem vermeintlich bekannten Klassiker noch ganz neue Nuancen abgewinnen lassen, zeigt Mateja Koležnik auf überraschende Weise mit ihrer streng stilisierten Inszenierung von Molières Tartuffe. Der perfide Schwindler Tartuffeschleicht sich als bescheidener Gutmensch in eine Familie ein und betört den reichen Hausherrn Orgon. Bald ist ihm jeder Besitz überschrieben und die Tochter als Braut versprochen. Orgon, ein selbstgefälliger Familiendespot, ist dem Betrüger in fanatischer Bewunderung ergebenund will die Wahrheit über ihn nicht hören; sogar Tartuffes Griff nach seiner Ehefrau Elmire entgeht ihm. Molières bittere Komödie macht plausibel, worin die Faszination jeder Art von Fundamentalismus liegt und warum auch scheinbar vernünftige Leute immer wieder auf falsche Gurus und Rattenfänger hereinfallen.
Die slowenische Regisseurin erzählt das Aufeinandertreffen von Heuchelei und Leichtgläubigkeit in einer achtzig Minuten kurzen, hochkonzentrierten Textfassung ohne jeglichen Substanzverlust. Sie verlegt die Geschichte in ein raffiniert konstruiertes Treppenhaus, in dem sich die Figuren treffen, einander belauern und bespitzeln und konspirative Pläne schmieden. Letztlich erweist sich die Scheinheiligkeit der dekadenten Familie als ebenso schändlich wie Tartuffes Hinterhältigkeit.
Koležnik nimmt Molières Komödie radikal ernst. Bar jeder Illusion führt sie das Stück mit inszenatorischer Präzision in die Gegenwart: Jede Handbewegung, jeder Schritt auf dem engen Raum ist bewusst gesetzt und hat eine Bedeutung. Ein ungemein konzentrierter Abend – fast ohne Requisiten, ganz pur, aber ein reines Vergnügen.
Mateja Koležnik arbeitete an allen großen Theatern des ehemaligen Jugoslawiens. Tartuffe ist ihre vierte von bislang fünf Inszenierungen am Münchner Residenztheater. Am Berliner Ensemble inszenierte sie im Herbst 2017 das Stück Nichts von mir von Arne Lygre.
Keltischen Zauber und schottische Lebensfreude – das können die Zuschauer erleben, wenn „The Scottish Music Parade“ mit neuem Programm am Dienstag, den 27. November um 20 Uhr nach Ludwigshafen in die Friedrich-Ebert-Halle kommt. Dudelsackspieler, Trommler, Musiker, Sänger und Tänzer, allesamt direkt aus dem schottischen Edinburgh, nehmen das Publikum einen Abend lang mit auf eine ebenso mitreißende wie abwechslungsreiche Reise durch Schottland.
Vor einer Schlosskulisse mit Türmen und Zinnen – die Nachahmung eines schottischen Castles – präsentieren die Künstler immer neue Facetten der schottischen Kultur. Brauste eben noch der eindrucksvolle Klang der Bagpipes und Drums durch die Halle und erfasste die Menschen auf den Tribünen, sorgen im nächsten Moment gefühlvolle Balladen voll Sehnsucht und Weite für berauschende Stille im Saal.
Die mitwirkenden Künstler gehören zum Besten, was Schottland zu bieten hat. Die meisten der Teilnehmer sind beim weltberühmten Edinburgh Tattoo regelmäßig mit von der Partie. Zu den Dudelsackspielern und Trommlern zählen viele Gewinner internationaler Wettbewerbe und Weltmeister auf ihren Instrumenten.
Dass sich einem vermeintlich bekannten Klassiker noch ganz neue Nuancen abgewinnen lassen, zeigt Mateja Koležnik auf überraschende Weise mit ihrer streng stilisierten Inszenierung von Molières Tartuffe. Der perfide Schwindler Tartuffeschleicht sich als bescheidener Gutmensch in eine Familie ein und betört den reichen Hausherrn Orgon. Bald ist ihm jeder Besitz überschrieben und die Tochter als Braut versprochen. Orgon, ein selbstgefälliger Familiendespot, ist dem Betrüger in fanatischer Bewunderung ergebenund will die Wahrheit über ihn nicht hören; sogar Tartuffes Griff nach seiner Ehefrau Elmire entgeht ihm. Molières bittere Komödie macht plausibel, worin die Faszination jeder Art von Fundamentalismus liegt und warum auch scheinbar vernünftige Leute immer wieder auf falsche Gurus und Rattenfänger hereinfallen.
Die slowenische Regisseurin erzählt das Aufeinandertreffen von Heuchelei und Leichtgläubigkeit in einer achtzig Minuten kurzen, hochkonzentrierten Textfassung ohne jeglichen Substanzverlust. Sie verlegt die Geschichte in ein raffiniert konstruiertes Treppenhaus, in dem sich die Figuren treffen, einander belauern und bespitzeln und konspirative Pläne schmieden. Letztlich erweist sich die Scheinheiligkeit der dekadenten Familie als ebenso schändlich wie Tartuffes Hinterhältigkeit.
Koležnik nimmt Molières Komödie radikal ernst. Bar jeder Illusion führt sie das Stück mit inszenatorischer Präzision in die Gegenwart: Jede Handbewegung, jeder Schritt auf dem engen Raum ist bewusst gesetzt und hat eine Bedeutung. Ein ungemein konzentrierter Abend – fast ohne Requisiten, ganz pur, aber ein reines Vergnügen.
Mateja Koležnik arbeitete an allen großen Theatern des ehemaligen Jugoslawiens. Tartuffe ist ihre vierte von bislang fünf Inszenierungen am Münchner Residenztheater. Am Berliner Ensemble inszenierte sie im Herbst 2017 das Stück Nichts von mir von Arne Lygre.
Im Vordergrund von Johan Ingers abendfüllendem Handlungsballett steht das altbekannte Drama von Liebe und Eifersucht. Doch das Carmen-Ballett des Schweden basiert nicht allein auf der Geschichte seiner weiblichen Protagonistin, sondern es konzentriert sich auch, ähnlich wie in Prosper Merimées literarischer Vorlage des Stoffes, auf Don José. Unfähig, den freiheitlichen Geist seiner Geliebten zu akzeptieren, führt ihn diese Liebe auf den Weg in eine emotionale Hölle: Eifersucht, Leidenschaft und Rache bestimmen sein Denken und sein Handeln. „Als ich diese Geschichte zum ersten Mal gelesen habe, fiel mir auf, dass sie vor allem von Gewalt handelt“, sagt Inger. Und so nimmt sein Ballett deutlich Stellung zu körperlicher Gewalt und ihren Konsequenzen. Zusätzlich lässt der Choreograph das Geschehen von einem kleinen Jungen beobachten und lädt damit das Publikum ein, die Hauptperson mit den Augen eines Kindes neu zu entdecken.
Inger choreographiert seine Carmen hauptsächlich zur Musik von Rodion Shchedrin. Der 1932 in Moskau geborene Komponist arrangierte Bizets Opernmusik neu zu einer abendfüllenden Ballettmusik für seine Frau Maya Plissezkaja, der langjährigen Primaballerina des Bolschoi-Theaters. Zusätzlich setzt Inger aber auch Musik von Marc Álvarez ein. Die technischen Resonanzklänge der eigens für dieses Stück geschriebenen und aufgenommenen Musiknummern des spanischen Komponisten Álvarez nutzt der Choreograph als Stimmungsträger für die introspektiven Sequenzen Don Josés. 2016 erhielt Johan Inger für seine Carmen den renommierten Benoisde-la-Danse-Preis.
Im Vordergrund von Johan Ingers abendfüllendem Handlungsballett steht das altbekannte Drama von Liebe und Eifersucht. Doch das Carmen-Ballett des Schweden basiert nicht allein auf der Geschichte seiner weiblichen Protagonistin, sondern es konzentriert sich auch, ähnlich wie in Prosper Merimées literarischer Vorlage des Stoffes, auf Don José. Unfähig, den freiheitlichen Geist seiner Geliebten zu akzeptieren, führt ihn diese Liebe auf den Weg in eine emotionale Hölle: Eifersucht, Leidenschaft und Rache bestimmen sein Denken und sein Handeln. „Als ich diese Geschichte zum ersten Mal gelesen habe, fiel mir auf, dass sie vor allem von Gewalt handelt“, sagt Inger. Und so nimmt sein Ballett deutlich Stellung zu körperlicher Gewalt und ihren Konsequenzen. Zusätzlich lässt der Choreograph das Geschehen von einem kleinen Jungen beobachten und lädt damit das Publikum ein, die Hauptperson mit den Augen eines Kindes neu zu entdecken.
Inger choreographiert seine Carmen hauptsächlich zur Musik von Rodion Shchedrin. Der 1932 in Moskau geborene Komponist arrangierte Bizets Opernmusik neu zu einer abendfüllenden Ballettmusik für seine Frau Maya Plissezkaja, der langjährigen Primaballerina des Bolschoi-Theaters. Zusätzlich setzt Inger aber auch Musik von Marc Álvarez ein. Die technischen Resonanzklänge der eigens für dieses Stück geschriebenen und aufgenommenen Musiknummern des spanischen Komponisten Álvarez nutzt der Choreograph als Stimmungsträger für die introspektiven Sequenzen Don Josés. 2016 erhielt Johan Inger für seine Carmen den renommierten Benoisde-la-Danse-Preis.
Zwei Menschen begegnen sich in derselben Welt. Sie nimmt diese Welt mit dem Körper auf, erkundet und spricht mit Füßen, Beinen, Po, Rücken, Armen, Kopf und Händen. Er lauscht und erkundet den Klang: Er klopft, klappert, dröhnt, klabautert, trommelt, pocht und paukt. Wie können sich die Zwei verstehen? Langsam entdecken sie, dass Bewegung Töne erzeugt und Trommeln Bewegung ist. Ohne Worte, doch voller Sprachen erzählen sie eine Geschichte vom Zauber des Entdeckens, des Erlebens und der Begegnung. Der Tanz und die Musik sind Weltsprachen, die keine Grenzen kennen. Bewegung und Töne werden unmittelbar erlebt und erfahren. Gerade deshalb eignen sie sich wunderbar für ein junges Publikum, dessen Spracherwerb noch in vollem Zuge ist. Der Perkussionist Peter Hinz und die Tänzerin Julie Pécard entwickelten mit Andrea Gronemeyer ein grenzüberschreitendes Theaterstück. Andrea Gronemeyer wurde für Tanz Trommel 2014 mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST in der Kategorie „Regie Kinder- und Jugendtheater” ausgezeichnet.
Was ist Liebe? Dieser einfachen und zugleich großen Frage will Ich lieb dichnachgehen. Ein Junge und ein Mädchen befragen das Thema. Was macht Liebe aus? Einander ähnlich genug sein und zugleich verschieden genug. Einander Freiheit und Sicherheit zugleich geben. Nicht aufhören, über den anderen zu staunen und vom anderen zu lernen. Gemeinsame Ziele haben und Probleme angehen. Zusammen lachen können. Die beiden spielen die verschiedenen Möglichkeiten durch. Sie beobachten die Liebe von Menschen, die sie kennen. Denken sich aus, wie es wäre, jemand anderes zu sein. Wie lieben sich Geschwister? Wie lieben sich Freunde? Eltern und Kind, Kind und Haustier – und: Wie lieben sich Lebenspartner? Während die beiden von Spiel zu Spiel wechseln, nimmt ihre eigene Beziehung immer mehr Gestalt an. Kristo Šagor ist ein viel gespielter Autor und Regisseur vor allem für das junge Publikum. Seine Theaterstücke wurden vielfach nominiert und prämiert. Er wurde für Törleß am Jungen Schauspiel Hamburg mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST 2007 in der Kategorie „Regie Kinder- und Jugendtheater” ausgezeichnet. Zuletzt inszenierte er u. a. am Deutschen Theater Berlin, Staatsschauspiel Dresden, Theater Bonn, JES – Junges Ensemble Stuttgart und am Jungen Nationaltheater Mannheim.
Stell Dir diesen Ort vor, über den jeder spricht. Den Ort, in den wir all dies verwandeln. Diese Welt, die das Ergebnis all unserer Anstrengungen der letzten Jahre ist. Diesen Ort nennen wir Fortschritt. Wir könnten diesen Ort, diesen Planeten Pasionaria nennen. Dort leben Wesen, die uns ähneln, die auf perfekte Weise so gestaltet wurden, dass sie uns imitieren. Was wir Leben nennen, wurde in eine künstliche Landschaft verwandelt, und aus ihren Einwohnern wurden technische Geräte, die jede Form der Leidenschaft verloren haben. Die Gegenwart, in der wir leben, gibt uns eine Vorstellung von der Zukunft, in der wir einfach aufgehört haben zu fühlen. Eine Zukunft, in der wir nicht einmal mehr darauf hoffen, uns von anderen zu unterscheiden und ein eigenes Leben zu leben. Der Dichter Leopoldo María Panero schrieb: “Ich zerstöre mich selbst, um zu spüren, dass ich ich bin und nicht alle anderen.” Wir erkennen, dass Schmerz und Leidenschaft uns von Robotern und Statuen unterscheiden, und wir benutzen diese inaktiven Körper in diesem Stück, um uns selbst zu betrachten, Unterschiede festzustellen und herauszufinden, ob wir noch am Leben sind. Pasionaria stellt die emotionale Distanziertheit in Frage, auf die wir uns zubewegen. Marcos Morau und seine Tänzer regen zur Reflexion an über die Idee des Fortschritts, die uns aufgebürdet wird. Er entwirft darin die Vision einer künstlichen Welt, in die wir hinein gestoßen und gewaltsam geworfen werden, in der Individualismus und moralische Feigheit aus der gegenwärtigen Welt einen Ort schutzloser Erwachsener macht. So visualisiert er eine Zukunft, die offensichtlich zu weit weg ist.
Warum entfernt sich eine Person immer gerade dann, wenn ein menschliches Wesen zeigt, dass es Bedürfnisse und Sehnsüchte hat? Simone Weil
Wenn du die Kinder kontrollierst, kontrollierst du die Zukunft. Michel Houellebecq, Unterwerfung
Marcos Morau studierte Choreographie in Barcelona, Valencia und New York und gründete 2005 das Kollektiv La Veronal – zusammen mit Künstlern aus den Bereichen Tanz, Film, Photographie und Literatur. Seitdem wurde er mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet und choreographiert an wichtigen Ensembles wie dem spanischen Nationalballett und dem Royal Danish Theatre in Kopenhagen.
Gesellschaftliches Ereignis
08.12.2018
Pfalzbau
Tanzschule Nagel – Winterball mit Premierenball der Jugendkurse
Beim Winterball feiern die Tanzschüler der Herbstkurse ihren Premierenball und damit zugleich den Höhepunkt zum Abschluss des Jahresprogramms der Tanzschule Nagel. Für aktuelle Musik sorgt die Live-Kapelle Rosegarden. Tanzeinlagen und Shows liefern ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm.
Unter dem Pseudonym Peter Schlemihl schrieb der bayrische Autor und Journalist Ludwig Thoma viele Jahre für die Münchner Satirezeitschrift Simplicissimus. Mit beißendem Spott überzog er Anfang des 20. Jahrhunderts den bayrischen Provinzialismus genauso wie den preußischen Pickelhauben-Militarismus. Auch seine Romane sind herrliche Sittengemälde aus einer bigotten, kleinbürgerlichen Zeit. Seinen 1905 erschienenen Lausbubengeschichten hat er den Untertitel „Aus meiner Jugendzeit“ gegeben, und man ahnt, mit welcher nahezu kriminellen Energie schon der kleine Ludwig – zum Leidwesen seiner Umgebung – ausgestattet gewesen sein muss. Weil er aber seine Streiche mit wunderbarem Humor erzählt, kann ihm am Ende niemand böse sein.
Der Schauspieler Holger Stockhaus hat ein großes Talent für anspruchsvolle, hintergründige Comedy. Regelmäßig kann man das in der vielfach ausgezeichneten ZDF-Serie Sketch History bewundern, aber auch Anke Engelke hatte ihn lange Zeit in ihrem Ladykracher-Team. Ein Blick in seine Biographie zeigt, dass Stockhaus zudem ausgesprochen vielseitig ist. Im Kino wie im Fernsehen ist er häufig präsent, steht aber genauso oft auf wichtigen deutschen Schauspielbühnen wie dem Schauspiel Stuttgart, dem Deutschen Theater, der Volksbühne und dem Maxim-Gorki-Theater in Berlin.
Als Kind sehnte sich Huang Yi nach einem Roboter-Gefährten. Als Erwachsener konstruierte er dann einen Roboter, mit dem er tanzen konnte. Der gefeierte taiwanesische Tänzer und Choreograph Huang Yi und sein Roboter-Freund KUKA bringen messerscharfe Präzision und überwältigende Artistik zu den Festspielen Ludwigshafen. Indem Huang Yi & KUKA harmonisch den Tanz und die Wissenschaft mechanischer Ingenieurskunst miteinander verwebt, entsteht ein poetisches Werk, das makellos den modernen Tanz mit der Bildenden Kunst und der Welt der Roboter verbindet. Im Zusammenwirken zwischen realen Tänzern und KUKA, einem von Huang programmierten Roboter, erzeugt das Stück eine tiefe Humanität. Zu zarter und melancholischer Klaviermusik agieren der mit einem grellen Laserstrahl ausgestattete Roboter KUKA und die Tänzer auf geradezu betörend schöne Weise. Kann es menschliche Nähe zwischen einem künstlichen Wesen und dem Menschen geben?
Ich wollte uns alle an unsere grundlegendste Hoffnung von Beginn an erinnern, dass wir nur Kinder sind, aber eben erwachsene Kinder. – Huang Yi
Als Kind sehnte sich Huang Yi nach einem Roboter-Gefährten. Als Erwachsener konstruierte er dann einen Roboter, mit dem er tanzen konnte. Der gefeierte taiwanesische Tänzer und Choreograph Huang Yi und sein Roboter-Freund KUKA bringen messerscharfe Präzision und überwältigende Artistik zu den Festspielen Ludwigshafen. Indem Huang Yi & KUKA harmonisch den Tanz und die Wissenschaft mechanischer Ingenieurskunst miteinander verwebt, entsteht ein poetisches Werk, das makellos den modernen Tanz mit der Bildenden Kunst und der Welt der Roboter verbindet. Im Zusammenwirken zwischen realen Tänzern und KUKA, einem von Huang programmierten Roboter, erzeugt das Stück eine tiefe Humanität. Zu zarter und melancholischer Klaviermusik agieren der mit einem grellen Laserstrahl ausgestattete Roboter KUKA und die Tänzer auf geradezu betörend schöne Weise. Kann es menschliche Nähe zwischen einem künstlichen Wesen und dem Menschen geben?
Ich wollte uns alle an unsere grundlegendste Hoffnung von Beginn an erinnern, dass wir nur Kinder sind, aber eben erwachsene Kinder. – Huang Yi
Wer war zuerst untreu – Mann oder Frau? Um diese Frage zu beantworten, spielt der französische Dichter Marivaux den Sündenfall durch einen makaberen Menschenversuch nach. Dafür werden in seinem Stück Der Streit zwei Mädchen und zwei Jungen von der Mitwelt isoliert, aufgezogen ausschließlich von ihren beiden Erziehern. Als junge Erwachsene begegnen sie sich zum ersten Mal – streng beobachtet von einem Prinzen und seiner Gattin. Sie gehen Beziehungen, Allianzen und Liebeleien ein und spiegeln dabei die Themen unserer Zeit: Beziehungsmodelle, sexuelle Selbstbestimmung und die Machtverhältnisse unter den Geschlechtern.
Der österreichische Shootingstar Nikolaus Habjan inszeniert das seltsame Experiment über den Ursprung der Untreue mit Schauspielern und lebensgroßen Puppen, die von den Akteuren auf der Bühne geführt werden. Während der Prinz und seine Fürstengattin durch groteske Klappmaulpuppen verkörpert werden, erscheinen die jungen Liebenden als überdimensionierte Gliederpuppen. Auf hinreißende Weise beleben die Schauspieler ihre Figuren in einer klinisch weißen Menschenversuchsanstalt. Die Puppen werden zu ausdrucksstarken Persönlichkeiten – erschreckend menschlich und doch abstrakt. Mit minimalen Bewegungen der Gliedmaßen stellen die Akteure intensive Gefühlsregungen dar und führen ihre unterleibslosen Puppen durch das Experiment der sexuellen Liebe, indem sie ihnen bei Bedarf ihre sich spreizenden und zuckenden Beine leihen. In dieser ebenso witzigen wie verstörenden Anordnung wird die Frage nach dem Ursprung der Untreue zu einer Farce und der freie Wille des Individuums zur Illusion. Denn allesamt werden letztlich von fremder Hand zur Untreue geführt.
Der dreißigjährige Österreicher Nikolaus Habjan – Puppenspieler und –bauer, Musiktheaterregisseur, Kabarettist, Schauspieler, Stimmenimitator und Kunstpfeifer – wird in seiner Heimat als „Master of Puppets“ gefeiert. Mit seiner Vorliebe für den Einsatz lebensgroßer Klappmaulpuppen im Regietheater mischte das quirlige Multitalent bereits das Wiener Volkstheater auf und verfolgt dabei zuweilen auch eine gesellschaftspolitische Mission. Nikolaus Habjan erhielt den Nestroy-Theaterpreis und wurde zu zahlreichen Festivals eingeladen.
Für Habjan hat Theater in erster Linie mit Lust zu tun – und nicht mit Mühe. Und diese Lust sieht man auf der Bühne seinen Darstellern, seinen Puppen und auch ihm selbst an. Die deutsche Bühne
Wer war zuerst untreu – Mann oder Frau? Um diese Frage zu beantworten, spielt der französische Dichter Marivaux den Sündenfall durch einen makaberen Menschenversuch nach. Dafür werden in seinem Stück Der Streit zwei Mädchen und zwei Jungen von der Mitwelt isoliert, aufgezogen ausschließlich von ihren beiden Erziehern. Als junge Erwachsene begegnen sie sich zum ersten Mal – streng beobachtet von einem Prinzen und seiner Gattin. Sie gehen Beziehungen, Allianzen und Liebeleien ein und spiegeln dabei die Themen unserer Zeit: Beziehungsmodelle, sexuelle Selbstbestimmung und die Machtverhältnisse unter den Geschlechtern.
Der österreichische Shootingstar Nikolaus Habjan inszeniert das seltsame Experiment über den Ursprung der Untreue mit Schauspielern und lebensgroßen Puppen, die von den Akteuren auf der Bühne geführt werden. Während der Prinz und seine Fürstengattin durch groteske Klappmaulpuppen verkörpert werden, erscheinen die jungen Liebenden als überdimensionierte Gliederpuppen. Auf hinreißende Weise beleben die Schauspieler ihre Figuren in einer klinisch weißen Menschenversuchsanstalt. Die Puppen werden zu ausdrucksstarken Persönlichkeiten – erschreckend menschlich und doch abstrakt. Mit minimalen Bewegungen der Gliedmaßen stellen die Akteure intensive Gefühlsregungen dar und führen ihre unterleibslosen Puppen durch das Experiment der sexuellen Liebe, indem sie ihnen bei Bedarf ihre sich spreizenden und zuckenden Beine leihen. In dieser ebenso witzigen wie verstörenden Anordnung wird die Frage nach dem Ursprung der Untreue zu einer Farce und der freie Wille des Individuums zur Illusion. Denn allesamt werden letztlich von fremder Hand zur Untreue geführt.
Der dreißigjährige Österreicher Nikolaus Habjan – Puppenspieler und –bauer, Musiktheaterregisseur, Kabarettist, Schauspieler, Stimmenimitator und Kunstpfeifer – wird in seiner Heimat als „Master of Puppets“ gefeiert. Mit seiner Vorliebe für den Einsatz lebensgroßer Klappmaulpuppen im Regietheater mischte das quirlige Multitalent bereits das Wiener Volkstheater auf und verfolgt dabei zuweilen auch eine gesellschaftspolitische Mission. Nikolaus Habjan erhielt den Nestroy-Theaterpreis und wurde zu zahlreichen Festivals eingeladen.
Für Habjan hat Theater in erster Linie mit Lust zu tun – und nicht mit Mühe. Und diese Lust sieht man auf der Bühne seinen Darstellern, seinen Puppen und auch ihm selbst an. Die deutsche Bühne
Felix Mendelssohn Bartholdy – Der 42. Psalm „Wie der Hirsch schreit“
Josef Rheinberger – „Der Stern von Bethlehem“
Mitwirkende:
Amelie Petrich, Sopran
Richard Logiewa, Bariton
David Geier, Maximilian Vogt (Tenor)
Adolph Seidel (Bass)
Kurpfälzisches Kammerorchester
Musikalische Leitung: Tristan Meister
Der 42. Psalm op. 42 „Wie der Hirsch schreit“ ist eine Kantate für Sopran, gemischten Chor und Orchester von Felix Mendelssohn-Bartholdy. Der Text beruht auf dem alttestamentlichen Psalm 42 in der Übersetzung Martin Luthers.
„Der Stern von Bethlehem“ op. 164 ist eine Weihnachtskantate für Chor, Soli und Orchester von Josef Rheinberger aus dem Jahr 1891 in 9 Sätzen. Der Text stammt von seiner Frau Franziska von Hoffnaaß.
Der alte geizige Geschäftsmann Scrooge will nichts von Weihnachten wissen. Jedes Jahr sieht er dem Fest der Freude und der Liebe murrend entgegen. Dies ändert sich, als ihm in der Weihnachtsnacht der Geist seines verstorbenen Arbeitskollegen erscheint, der zu Lebzeiten habgierig war und nun in Ketten liegt. Er warnt Scrooge vor den Folgen, den sein Geiz und seine Abneigung gegenüber Mitmenschen nach sich ziehen werde. Außerdem prophezeit er ihm die Begegnung mit den drei Geistern der vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Weihnacht, die ihm einen ebenso erschreckenden wie wirkungsvollen Einblick in seine verschiedenen Lebenswelten gewähren.
Die Inszenierung von Richard Clodtfelder nimmt den Zuschauer mit auf eine lustige, lebhafte, aber auch nachdenkliche Reise durch die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des alten Griesgrams und lässt sie teilhaben an dessen wachsender Erkenntnis, wie wichtig Familie und Freunde im Gegensatz zu schnödem Mammon doch sind.
Es war einmal ein kleiner Onkel. Der kleine Onkel war sehr einsam. Niemand kümmerte sich um ihn, obwohl er sehr nett war. Alle fanden ihn zu klein. Und dann fanden sie auch noch, dass er albern aussah mit seinem komischen Hut. Deswegen war niemand nett zu dem kleinen Onkel. Nachts weinte er manchmal, weil er so traurig war. Eines Tages aber hatte er eine Idee. Auf einen Zettel schrieb er „Kleiner Onkel sucht einen Freund“ und heftete ihn an einen Baum. Zufrieden ging er nach Hause und wartete. Zehn Tage und zehn Nächte lang wartete der kleine Onkel. Als er am elften Morgen erwachte, saß ein Hund neben seinem Bett… Die Geschichte vom kleinen Onkel erzählt mit wenigen Worten, poetischen Bildern, dem Stummfilm verwandten Stilmitteln und viel Musik von der Sehnsucht, einen Freund zu haben, und von der Erkenntnis, dass Teilen nicht Verlieren bedeutet.
Auch 2018 geht’s auf Grund der Riesennachfrage und mit zahlreichen Zusatzshows noch ein letztes Jahr auf große „ICH FIND‘ S LUSTIG“-Hallentour durch Deutschland & Österreich. Und nach Pompolompusien (vielleicht). Aber ganz bestimmt in Deine Nähe! Alle Puppen sind wieder mit an Bord auf Grammels Gute Laune-Kahn! Für Rätselfreunde: angeblich sind ein Aquarium, Luftballons, Konfetti und ein großes Stück Käse ins Grammel-Spaßbüro geliefert worden. Es sieht also wiedermal ganz nach einer typisch rundum grammeligen Puppet-Comedy-Show mit verrückter Comedy aus – mit leisen, auch bewegenden Momenten, jeder Menge herrlicher Albernheiten und irrer Überraschungen! Mehr wird aber noch nicht verraten!
Leopold Mozart Musikalische Schlittenfahrt Alexander Glasunow Konzert für Violine und Orchester a-Moll, op. 82 Ludwig van Beethoven Sinfonie Nr. 3 Es-Dur, op. 55 „Eroica“
Beschreibung Kurz vor den Fest- und Feiertagen lädt das Weihnachtskonzert der Bürgerstiftung in besonderer Weise dazu ein, sich an fantastische Orte zu träumen: Dabei regt vor allem die „musikalische Schlittenfahrt“ die Fantasie an. Eine leidenschaftliche, schier unerschöpfliche Gedankenquelle ist auch Beethovens „Eroica“ – als sinfonischer Meilenstein wurde sie zum Schlüsselwerk des 19. Jahrhunderts. Weniger bekannt, aber in seinem spätromantischen Stil ganz dem Klangidiom Brahms verpflichtet, brilliert die virtuose Violinistin Maia Cabeza mit Alexander Glasunows Violinkonzert.
Weihnachten ist der schönste Tag im Jahr, darüber sind sich alle einig. Nur der geizige Ebenezer Scrooge kann mit gemütlichem Beisammensein um den Tannenbaum, mit Kerzenlicht und vor allem mit Geschenken überhaupt nichts anfangen. Selbst an Heiligabend hat er kein offenes Ohr für die Nöte und Sorgen seiner Mitmenschen, sondern zählt lieber sein Geld. In der Weihnachtsnacht allerdings kommt es zu einer eigentümlichen und weitreichenden Begegnung: Ebenezer Scrooge erscheint im Traum sein verstorbener Geschäftspartner Marley und warnt ihn vor der ewigen Verdammnis, wenn er sich nicht ändert. Kurz darauf bekommt Scrooge Besuch von den Geistern der vergangenen, der gegenwärtigen und der zukünftigen Weihnacht. Die drei bereiten ihm eine ganz besondere Bescherung… Bereits 1843 schrieb Charles Dickens seine Weihnachtsgeschichte, die auch heute noch Kinder und Erwachsene fasziniert. Ebenezer Scrooge wird am Heiligen Abend von Geistern besucht, und der Zuschauer darf miterleben, wie der herzlose alte Mann zu einem liebenswerten Unterstützer der Armen wird.
O Fortuna! Die Anrufung der mächtigen Schicksalsgöttin, deren Rad sich unerbittlich dreht, eröffnet und beschließt die dreiteilige Sammlung weltlicher Gesänge Carmina Burana von Carl Orff. Skizziert werden die Höhen und Tiefen des menschlichen Lebens – von der Freiheit der Liebe bis hin zur Furcht vor dem unentrinnbaren Schicksal. Die Faszination für Carl Orffs Vertonung ist seit ihrer Uraufführung 1937 ungebrochen und schlägt ihre Zuhörer mit klangtrunkener Fülle, pulsierender Rhythmik und perkussionsgeladener Orchestration in den Bann. Am Badischen Staatstheater Karlsruhe wurden die Carmina Burana als spartenübergreifendes Großereignis realisiert. Das Stück ist eine Hommage an eine bedeutende Persönlichkeit des Hauses: den 2016 verstorbenen ehemaligen Ballettdirektor Germinal Casado, der diese Choreographie einst kreierte. Casado verwandelte Orffs weltberühmte Komposition in ein opulentes sinnliches Tanzfest voller archaischer Wucht und poetischer Schönheit. Nach Casados Tod machte sein Lebenspartner Giulio Ragnoli Ballettdirektorin Birgit Keil und ihrem Karlsruher Ensemble dieses Werk zum Geschenk. Die Neueinstudierung unter der musikalischen Leitung von Generalmusikdirektor Justin Brown ist eine Verneigung des Hauses vor seinem Ehrenmitglied, das den Tanz zeit seines Lebens als eine universelle grenzenlose Kunst gefeiert hat.
Seit 2003 ist Birgit Keil Ballettdirektorin am Badischen Staatstheater Karlsruhe. Davor war sie, insbesondere als Primaballerina am Stuttgarter Ballett unter der Leitung von John Cranko, eine Tänzerin von Weltrang mit Sologastauftritten u. a. an der Opéra de Paris, La Scala Mailand, beim American Ballet Theatre New York, Royal Ballet London und an der Wiener Staatsoper. Das Badische Staatsballett Karlsruhe konnte unter ihrer Leitung seinen Ruf weit über die Region hinaus festigen und findet durch das vielfältige Repertoire klassischer und moderner Ballette zunehmend auch internationale Beachtung. Als Professorin lehrt Birgit Keil an der Akademie des Tanzes der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Mannheim, deren Leitung ihr im Juli 1997 übertragen wurde. Mit der Spielzeit 2018/19 verlässt sie das Badische Staatstheater Karlsruhe.
Musik von George Stiles Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard
Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.
Musik von George Stiles Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard
Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.
La Fresque zeigt eine Gruppe wunderschöner junger Frauen, die ihre Haare offen tragen und deren geheimnisvolle Melancholie einen ungeheuren Sog ausübt. Unmerklich scheinen sie sich einem Tanz hinzugeben, der in eine faszinierende Traumwelt führt. Die beiden erschöpften Reisenden, die in einem Tempel Unterschlupf gefunden haben, stehen gebannt vor diesem Schauspiel träumerischer Poesie, und ehe er sich‘s versieht, ist einer der jungen Männer in diesen Kosmos der Schönheit übergetreten und taucht in eine andere Dimension ein, in der ganz eigene Gesetze gelten. Zeit und Raum fließen hier ineinander, die Realität verlangsamt sich eigentümlich, verborgene Begierden drängen an die Oberfläche, mysteriöse Geschichten aus der Welt des Traumes scheinen plötzlich real. Sehnsucht und Hingabe nehmen den Besucher gefangen, und in den rhythmischen Klängen, die ihn unerbittlich in seinen Bann schlagen, nimmt er erst allmählich die tiefen Stimmen war, die ihn sachte zur Ordnung und in die Realität zurückrufen.
Angelin Preljocajs neue Choreographie widmet sich einem alten Menschheitstraum: der Durchdringung der getrennten Sphären von Kunst und Realität. Inspirieren ließ sich der Choreograph, der sich in seinen Werken gerne märchenhaften Erzählungen widmet – unvergesslich z.B. seine Schneewittcheninterpretation Blanche Neige – von einer bekannten chinesischen Sage. Sie erzählt von einer Reise in jene Dimension, in der ein Bild den Zugang zur Transzendenz eröffnet und das reale menschliche Wesen in Einklang mit dem Gemälde tritt. Im Tanz schafft Preljocaj eine sinnliche Verbindung zwischen statischer Abbildung und Bewegtheit, zwischen Leben und Leblosigkeit. Metaphorisch dafür stehen die Haare der Frauen, seit jeher Sinnbild für Lebenskraft und Erotik, die als riesige poetische Projektionen die Szenerie beherrschen und den traumhaften Charakter des Stückes malerisch unterstreichen. Auch wir, die Zuschauer, können uns dem Zauber dieses Tanzmärchens kaum entziehen.
La Fresque zeigt eine Gruppe wunderschöner junger Frauen, die ihre Haare offen tragen und deren geheimnisvolle Melancholie einen ungeheuren Sog ausübt. Unmerklich scheinen sie sich einem Tanz hinzugeben, der in eine faszinierende Traumwelt führt. Die beiden erschöpften Reisenden, die in einem Tempel Unterschlupf gefunden haben, stehen gebannt vor diesem Schauspiel träumerischer Poesie, und ehe er sich‘s versieht, ist einer der jungen Männer in diesen Kosmos der Schönheit übergetreten und taucht in eine andere Dimension ein, in der ganz eigene Gesetze gelten. Zeit und Raum fließen hier ineinander, die Realität verlangsamt sich eigentümlich, verborgene Begierden drängen an die Oberfläche, mysteriöse Geschichten aus der Welt des Traumes scheinen plötzlich real. Sehnsucht und Hingabe nehmen den Besucher gefangen, und in den rhythmischen Klängen, die ihn unerbittlich in seinen Bann schlagen, nimmt er erst allmählich die tiefen Stimmen war, die ihn sachte zur Ordnung und in die Realität zurückrufen.
Angelin Preljocajs neue Choreographie widmet sich einem alten Menschheitstraum: der Durchdringung der getrennten Sphären von Kunst und Realität. Inspirieren ließ sich der Choreograph, der sich in seinen Werken gerne märchenhaften Erzählungen widmet – unvergesslich z.B. seine Schneewittcheninterpretation Blanche Neige – von einer bekannten chinesischen Sage. Sie erzählt von einer Reise in jene Dimension, in der ein Bild den Zugang zur Transzendenz eröffnet und das reale menschliche Wesen in Einklang mit dem Gemälde tritt. Im Tanz schafft Preljocaj eine sinnliche Verbindung zwischen statischer Abbildung und Bewegtheit, zwischen Leben und Leblosigkeit. Metaphorisch dafür stehen die Haare der Frauen, seit jeher Sinnbild für Lebenskraft und Erotik, die als riesige poetische Projektionen die Szenerie beherrschen und den traumhaften Charakter des Stückes malerisch unterstreichen. Auch wir, die Zuschauer, können uns dem Zauber dieses Tanzmärchens kaum entziehen.
Keine andere Band in der Geschichte der Popmusik hat der Welt ein derartig fantastisches musikalisches Gesamtwerk geschenkt wie die vier Schweden Agnetha Fältskog, Anni-Frid Lyngstad, Björn Ulvaeus und Benny Andersson. Keiner anderen Band ist es gelungen, sage und schreibe vier Generationen an Fans und Musikliebhabern so zu fesseln und zu begeistern wie die Band ABBA es erreicht hat.
Mit “Waterloo” eroberte ABBA die weltweiten Charts und die Herzen der Menschen im Sturm! Der Sieg beim Grand Prix in Brighton 1974 machte die sympathischen Schweden über Nacht zur bekanntesten Pop-Band dieser Zeit. Es folgte Hit auf Hit: “Mamma Mia”, “SOS“, “Super Trouper”, “Knowing Me Knowing You”, “Chiquitita”, “Money Money Money” und viele mehr!
ABBA – The Tribute Concert fängt die Faszination dieser großartigen Band und der dazugehörigen Ära perfekt ein. ABBAMUSIC, bestehend aus acht italienischen Vollblutmusikern, lässt die großen Hits detailgetreu erklingen, LIVE und dennoch in musikalischer Studioqualität. Eine professionelle Lichtshow unterstreicht mit den knalligen Farben der Siebziger den unverwechselbaren Retro-Look.
Der alte Faust ist seines Lebens und seiner Forschungen überdrüssig. Eigentlich will er sich das Leben nehmen, doch der teuflische Mephisto verspricht ihm neue Jugend – für den Preis seiner Seele. Faust schreckt zurück, doch da lässt Mephisto das Bild Margaretes aufscheinen. Von dieser Vision verzaubert, geht Faust den höllischen Pakt ein, dessen Opfer die unschuldige Margarete wird. Verführt und geschwängert von Faust, dann von ihm sitzen gelassen, endet sie von allen verstoßen und von ihrem Bruder Valentin verflucht als Kindsmörderin im Kerker. Fausts Reue kommt zu spät … Charles Gounod beschäftigte sich erstmals in Italien mit Goethes Faust-Dichtung. Jahre später kam er darauf zurück, als er 1856 den Auftrag für eine Oper am Pariser Théâtre Lyrique bekam. Gemeinsam mit den versierten Librettisten Jules Barbier und Michel Carré konzipierte Gounod, der als Kirchenmusiker bis dahin kaum Affinität zur Bühne hatte, seinen Faust als Nummernoper mit gesprochenen Dialogen und Melodramen. In dem gewaltigen Kosmos von Goethes Dichtung konzentrierten sich die drei Autoren vor allem auf die Gretchen-Tragödie, weshalb die Oper in Deutschland lange unter dem Titel Margarete lief. Die Uraufführung 1859 am Théâtre Lyrique wurde mit einiger Zurückhaltung aufgenommen – das Werk wurde als „zu deutsch“ empfunden. Zu einem Welterfolg wurde die Oper erst in der für die Pariser Opéra 1869 durchkomponierten Fassung, bei der die Dialoge durch knappe verbindende Rezitative ersetzt wurden.
Weggehen, ausbrechen, frei sein: „Wie froh bin ich, dass ich weg bin!“. Wut und Unruhe stecken in dem jungen Mann, der als Goethes Werther zu einer Kultfigur seiner und aller folgenden Epochen wurde. Getrieben von einer unbändigen Sehnsucht nach Freiheit und nach dem Leben im Hier und Jetzt, macht er sich auf den Weg, Grenzen zu überschreiten und Neuland zu betreten. Jeder Baum und jeder Strauch erscheint im Lichte seiner Freiheit wie ein kleines Wunder. Und als er dann auch noch Lotte begegnet, ist es um ihn geschehen. Obwohl er bald erfährt, dass Lotte schon vergeben ist, begehrt er sie weiter mit kindlichem Trotz, einem fast hilflosen: ICH WILL, ICH WILL, ICH WILL! Werther ist vollkommen erfüllt von einem Gefühl des jugendlichen Totaloptimismus, das ihm ständig suggeriert: Alles ist möglich! Dieses Grundgefühl hat er gemeinsam mit Generationen junger Menschen, die aus der Geborgenheit ihrer Jugend aufbrechen und hin- und hergerissen sind zwischen dem Wunsch, Kind zu bleiben und der Notwendigkeit, erwachsen zu werden. Dieses Gefühl existiert überall auf der Welt – natürlich auch im Kosovo, dem jüngsten Staat Europas. In einer Koproduktion mit dem Theater Ferizaj, Qendra Multimedia in Prishtina und dem Goethe Institut zeigen die Pfalzbau Bühnen die universelle Liebesgeschichte des jungen Werther in albanischer Sprache mit deutschen Übertiteln.
Der alte Faust ist seines Lebens und seiner Forschungen überdrüssig. Eigentlich will er sich das Leben nehmen, doch der teuflische Mephisto verspricht ihm neue Jugend – für den Preis seiner Seele. Faust schreckt zurück, doch da lässt Mephisto das Bild Margaretes aufscheinen. Von dieser Vision verzaubert, geht Faust den höllischen Pakt ein, dessen Opfer die unschuldige Margarete wird. Verführt und geschwängert von Faust, dann von ihm sitzen gelassen, endet sie von allen verstoßen und von ihrem Bruder Valentin verflucht als Kindsmörderin im Kerker. Fausts Reue kommt zu spät … Charles Gounod beschäftigte sich erstmals in Italien mit Goethes Faust-Dichtung. Jahre später kam er darauf zurück, als er 1856 den Auftrag für eine Oper am Pariser Théâtre Lyrique bekam. Gemeinsam mit den versierten Librettisten Jules Barbier und Michel Carré konzipierte Gounod, der als Kirchenmusiker bis dahin kaum Affinität zur Bühne hatte, seinen Faust als Nummernoper mit gesprochenen Dialogen und Melodramen. In dem gewaltigen Kosmos von Goethes Dichtung konzentrierten sich die drei Autoren vor allem auf die Gretchen-Tragödie, weshalb die Oper in Deutschland lange unter dem Titel Margarete lief. Die Uraufführung 1859 am Théâtre Lyrique wurde mit einiger Zurückhaltung aufgenommen – das Werk wurde als „zu deutsch“ empfunden. Zu einem Welterfolg wurde die Oper erst in der für die Pariser Opéra 1869 durchkomponierten Fassung, bei der die Dialoge durch knappe verbindende Rezitative ersetzt wurden.
Was bedeutet es, seine eigene Lebensgeschichte zu schreiben? Seit 25 Jahren setzt sich der englische Choreograph Wayne McGregor in seinen Choreographien mit der Verbindung von Kunst und Wissenschaft, mit der Auswirkung von technologischem Fortschritt auf den Tanz auseinander. Er sucht die Verbindung zu einer Vielzahl von künstlerischen und wissenschaftlichen Bereichen, um das Wesen der verkörperten Wahrnehmung zu untersuchen, und experimentiert immer wieder mit der Frage, wie sich das Leben durch die Erfahrung des Körpers ausdrückt, der sich intelligent in Raum und Zeit bewegt. Der dünne, geschmeidige und charismatische Mann mit der Glatze wurde nicht nur mit zahlreichen Bühnenpreisen ausgezeichnet, sondern besitzt auch einen akademischen Abschluss in Semiotik und ist Forschungsmitglied an der kognitionswissenschaftlichen Fakultät der Universität Cambridge. Er wird in einem Atemzug genannt mit den anderen großen Intellektuellen des Tanzes, mit Merce Cunningham und William Forsythe.
In seinem neuen Stück richtet McGregor seine Aufmerksamkeit auf den Körper in seiner Funktion als Archiv. Er beginnt mit einem Zyklus von choreographischen Portraits, beleuchtet durch die Sequenzierung, also Entschlüsselung seines eigenen Genoms. Die erste dieser Studien, Autobiography, eine abstrakte Meditation über Aspekte des Selbst, des Lebens und des Schreibens, beschäftigt sich mit den Bruchstücken sowohl vergangener Erinnerungen als auch einer möglichen Zukunft. Indem sich McGregors choreographischer Abdruck über seinen persönlichen Memoiren und seinem genetischen Code in einem kontinuierlichen Prozess fortschreibt, entfaltet sich Autobiography in jeder einzelnen Aufführung von neuem und immer wieder anders: Leben, das sich selbst ein neues Leben schreibt.
Die junge Hündin Kaschtanka verliert auf einem Spaziergang ihren Herrn, den Tischler Luka, und findet nicht mehr nach Hause zurück. Monsieur George, ein Zirkusclown und Dompteur, entdeckt die frierende Kaschtanka auf der Straße und nimmt sie bei sich auf. Kaschtanka lernt die fremde Welt des Zirkus kennen und wird Mitglied einer ungewöhnlichen Zirkustruppe. Zusammen mit Gänserich Iwan, Kater Fjodor und dem Schwein Chawronja bereitet sie sich auf das Leben einer Artistin vor. Als Iwan stirbt, muss Kaschtanka ihn bereits am kommenden Abend ersetzen. Doch da entdeckt sie ihr früheres Herrchen im Publikum… Vorhang auf für ein Stück Weltliteratur für Kinder mit Live-Musik, echten Darstellern und unglaublichen Kunststücken – kommen Sie, schauen Sie, tauchen Sie ein in die Welt des Zirkus!
Tschechows Tierfabel handelt vom Weggehen und Ankommen, von Mut in der Fremde und neuen Freunden. Die Mummpitz-Version ist eine fröhlich-musikalische Übersetzung dafür. (…) So kann Theater ausgezeichnet funktionieren. Nürnberger Nachrichten
Der Haarwasserfabrikant Gottlieb Biedermann ist entrüstet über die Vorfälle in seiner Stadt, die seiner herzkranken Gattin Babette den Schlaf und ihm die Gemütsruhe am Stammtisch rauben. Die Zeitungen berichten von Hausierern, die sich im Dachboden wohlmeinender Bürger einnisten und sich später als Brandstifter entpuppen. Eines Abends steht ein Unbekannter in der Tür. Gottlieb Biedermann ist alarmiert: Brandstifter, nichts als Brandstifter! Aber statt dem Fremden entschieden die Tür zu weisen, besinnt er sich auf seinen guten Ton als bestens informierter und aufgeklärter Bürger – und bietet dem Unbekannten eine Bleibe an. Bald wird der Dachboden offensichtlich als Lager für Benzinfässer genutzt, und als plötzlich ein zweiter Gast auftaucht, wird die Situation brenzlig. Biedermann sucht Rettung in der Freundschaft mit den Brandstiftern, die – so hofft er – einem braven Bürger sicher nicht das Eigenheim anzünden. Bis die ganze Stadt in Flammen steht.
Das Stück entlarvt präzise eine Geisteshaltung, die der Technik des Totalitären zum Erfolg verhilft. Biedermann und die Brandstifter ist eine politische Parabel, die ihre kritische Kraft nicht aus der Entlarvung der Lüge bezieht, sondern aus der Inszenierung der biedermännischen Wehrlosigkeit gegenüber Verbrechern, die von Anfang an kein Geheimnis aus ihren wahren Zielen machen. Das „Lehrstück ohne Lehre“ gehört seit Jahren nicht nur zum Theaterrepertoire, sondern auch zum Lektürekanon im Deutschunterricht und ist angesichts der aktuellen politischen und gesellschaftlichen Entwicklungen vielleicht brisanter als je zuvor.
Der Haarwasserfabrikant Gottlieb Biedermann ist entrüstet über die Vorfälle in seiner Stadt, die seiner herzkranken Gattin Babette den Schlaf und ihm die Gemütsruhe am Stammtisch rauben. Die Zeitungen berichten von Hausierern, die sich im Dachboden wohlmeinender Bürger einnisten und sich später als Brandstifter entpuppen. Eines Abends steht ein Unbekannter in der Tür. Gottlieb Biedermann ist alarmiert: Brandstifter, nichts als Brandstifter! Aber statt dem Fremden entschieden die Tür zu weisen, besinnt er sich auf seinen guten Ton als bestens informierter und aufgeklärter Bürger – und bietet dem Unbekannten eine Bleibe an. Bald wird der Dachboden offensichtlich als Lager für Benzinfässer genutzt, und als plötzlich ein zweiter Gast auftaucht, wird die Situation brenzlig. Biedermann sucht Rettung in der Freundschaft mit den Brandstiftern, die – so hofft er – einem braven Bürger sicher nicht das Eigenheim anzünden. Bis die ganze Stadt in Flammen steht.
Das Stück entlarvt präzise eine Geisteshaltung, die der Technik des Totalitären zum Erfolg verhilft. Biedermann und die Brandstifter ist eine politische Parabel, die ihre kritische Kraft nicht aus der Entlarvung der Lüge bezieht, sondern aus der Inszenierung der biedermännischen Wehrlosigkeit gegenüber Verbrechern, die von Anfang an kein Geheimnis aus ihren wahren Zielen machen. Das „Lehrstück ohne Lehre“ gehört seit Jahren nicht nur zum Theaterrepertoire, sondern auch zum Lektürekanon im Deutschunterricht und ist angesichts der aktuellen politischen und gesellschaftlichen Entwicklungen vielleicht brisanter als je zuvor.
Der israelische Choreograph Itzik Galili steht für psychologisch scharf durchleuchtete Situationen – und im Companydirektor Eric Gauthier finden sich viele Talente. Als Solist im klassischen Ballett, als Gitarrist einer Pop-Band, als Direktor einer zeitgenössischen Tanzcompagnie, als Tanzvermittler par excellence und als charmanter Entertainer schwimmt er auf der Bühne wie ein Fisch im Wasser. Nun hat Itzik Galili, der „Regisseur unter den Choreographen“, ein abendfüllendes Tanzstück für Eric Gauthier kreiert. The Gift handelt von einem Mann, der auf der Suche nach sich selbst ist. Aus Angst vor der Begegnung mit der inneren Welt hält er seine Erinnerungen fest verschlossen in Gläsern und Behältnissen. Wie eine Sammlung bilden diese Erinnerungen Türen in sein Leben. Um hinter die eigene Fassade zu blicken und mit Hilfe eines Lügendetektors die Wahrheit über sich herauszufinden, begibt er sich in ein Verhör. Die Zuschauer werden Zeuge einer Selbstbefragung, durch die der verwundbare Mensch hinter den Kulissen sichtbar wird. Choreographien, Lieder, Popsongs und Szenen formen den Abend zu einem vielfältigen Kaleidoskop. The Gift ist ein Geschenk an das Publikum, eine Danksagung an die Kunst, an das Leben und die Liebe.
Rache ist süß. Seit Anbeginn der Zeit treibt die Lust an der Vergeltung ansonsten ehrwürdige Menschen zu Mord und Totschlag. In Aischylos’ Orestie ist sie das zentrale Handlungsmotiv und führt zu einer grausamen Verkettung von Gewalttaten. Gibt es ein Entkommen aus der schicksalhaften Rachespirale, die sich durch einen Fluch in jeder Generation fortsetzt? Diese Frage stellt die junge Regisseurin Johanna Wehner in ihrer preisgekrönten Inszenierung an die Orestie. Auf großartige Weise macht sie die Aktualität des antiken Stoffes deutlich, ohne ihn banal auf die heutige Zeit zu übertragen. Am Ende fragt die Göttin Athene, ob die Menschen Gerechtigkeit oder Rache suchen. Ob sie ihr Handeln durch Vernunft und Verantwortung leiten lassen oder durch einen alten Fluch rechtfertigen wollen, der das ständige Morden vorherbestimmt. Wehner siedelt die Geschichte um Orest und seinen Rachemord an der Mutter und ihrem Liebhaber in der morbiden Atmosphäre einer baufälligen Villa an, die durch Licht und Musik noch betont wird. Die neun Darsteller treten mal als antiker Chor und mal in individuellen Rollen auf. Mal ist ihr Sprechen stark rhythmisiert, mal ergänzen sie gegenseitig ihre Sätze. Eine fulminante Ensembleleistung, geführt durch eine präzise Choreographie. In der Stimmenvielfalt zeigt sich das Nachdenken über die zentrale Frage: Verantwortung übernehmen und die Rachespirale unterbrechen oder sich in der Masse wegducken?
Für ihre Inszenierung von Roland Schimmelpfennigs Der goldene Drache am Staatstheater Stuttgart wurde Johanna Wehner vom Magazin Theater heute mehrfach als beste Nachwuchsregisseurin nominiert. Sie hat u.a. in München, Heidelberg, Jena, Freiburg, Frankfurt und Stuttgart gearbeitet, leitete in der Spielzeit 2013/14 zusammen mit Alexander Eisenach und Ersan Mondtag das Regiestudio des Schauspiels Frankfurt und war zuletzt Oberspielleiterin am Theater Konstanz. Ihre Orestie wurde 2017 in der Kategorie „Regie Schauspiel“ mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST ausgezeichnet.
Das auf dem gleichnamigen Spielfilm basierende Musical Catch me if you can erzählt die Geschichte des Trickbetrügers Frank, dessen kriminelle Karriere zunächst mit recht primitiven Versuchen der Scheckfälschung beginnt, ihm aber schließlich viel Geld einbringt. Euphorisch von seinen Erfolgen, gibt er sich nun, aus Bewunderung für diesen Beruf, erfolgreich als Pilot aus und bewirbt sich schließlich aus Liebe zu einer Krankenschwester auf die Stelle eines Oberarztpostens, obwohl er kein Blut sehen kann. Auch ist ihm das FBI auf den Fersen und zwingt ihn zu einem Leben auf der Flucht. Frank schafft es über Jahre hinweg, sich Geld zu ergaunern, Frauenherzen zu erobern und seinen ärgsten Verfolgern immer wieder ein Schnippchen zu schlagen, bis er sich ernsthaft verliebt… Mit viel Tanz, Gesang, Witz, wilden Verfolgungsjagden, Ohrwürmern und Liveband verzaubern die 16 Darsteller knapp zwei Stunden lang das Publikum. Die mitreißende, auf wahren Begebenheiten beruhende Geschichte über Gerechtigkeit, Gaunerei und Liebe bietet Liebhabern des Films, Musicalgängern und Familien beste Unterhaltung. In den Hauptrollen begeistern Walther Plathe und Ilja Richter.
Die Hochzeit des Figaro (Le nozze di Figaro) war die erste Zusammenarbeit zwischenMozart und dem Wiener Hofdichter LorenzoDa Ponte, der Don Giovanni und Così fan tutte folgensollten. Der Komponist selbst soll den Stoff nachBeaumarchais‘ vorrevolutionärer Komödie La folle journée, ou Le mariage de Figaro aus dem Jahr 1781vorgeschlagen haben – ein Wagnis, denn eine Aufführungder Komödie war wegen der politischenTendenzen in Wien verboten. Der gedruckte Lesetextwar von diesem Verbot jedoch nicht betroffen.Erzählt wird, wie Figaro und Susanna, Kammerdienerund Zofe von Graf und Gräfin Almaviva, nur gegenWiderstände und allerlei Intrigen die Erlaubniszu ihrer Heirat erringen können. Auch wenn er dasfeudale Recht der ersten Nacht aufgehoben hat,stellt der Graf Susanna nach, während die Gräfinüber die erloschene Liebe ihres Mannes trauert.Zudem macht Marcellina ein altes HeiratsversprechenFigaros geltend und der junge Cherubino, derzugleich in alle Frauen des Schlosses verliebt ist,trägt das Seine zu einem turbulenten erotischenVerwirrspiel bei, das Shakespeares Sommernachtstraum nahe kommt.Nicht zuletzt die Tiefe von Mozarts Musik lässt indie Seele der Figuren blicken, die Grenzen vonOpera buffa und Opera seria werden aufgehoben,Graf und Gräfin wie Diener und Dienerin werdenauf derselben Ebene als Menschen gezeigt.
Die Hochzeit des Figaro (Le nozze di Figaro) war die erste Zusammenarbeit zwischenMozart und dem Wiener Hofdichter LorenzoDa Ponte, der Don Giovanni und Così fan tutte folgensollten. Der Komponist selbst soll den Stoff nachBeaumarchais‘ vorrevolutionärer Komödie La folle journée, ou Le mariage de Figaro aus dem Jahr 1781vorgeschlagen haben – ein Wagnis, denn eine Aufführungder Komödie war wegen der politischenTendenzen in Wien verboten. Der gedruckte Lesetextwar von diesem Verbot jedoch nicht betroffen.Erzählt wird, wie Figaro und Susanna, Kammerdienerund Zofe von Graf und Gräfin Almaviva, nur gegenWiderstände und allerlei Intrigen die Erlaubniszu ihrer Heirat erringen können. Auch wenn er dasfeudale Recht der ersten Nacht aufgehoben hat,stellt der Graf Susanna nach, während die Gräfinüber die erloschene Liebe ihres Mannes trauert.Zudem macht Marcellina ein altes HeiratsversprechenFigaros geltend und der junge Cherubino, derzugleich in alle Frauen des Schlosses verliebt ist,trägt das Seine zu einem turbulenten erotischenVerwirrspiel bei, das Shakespeares Sommernachtstraum nahe kommt.Nicht zuletzt die Tiefe von Mozarts Musik lässt indie Seele der Figuren blicken, die Grenzen vonOpera buffa und Opera seria werden aufgehoben,Graf und Gräfin wie Diener und Dienerin werdenauf derselben Ebene als Menschen gezeigt.
Golden Days präsentiert zwei zurückliegende Choreographien Johan Ingers, Rain Dogs und BLISS, die durch ein neues kurzes Solo, Birdland, miteinander verbunden sind. Rain Dogs und BLISS sind zwei markante Werke, die Jahre zuvor entstanden und konzeptionell und choreographisch weit voneinander entfernt sind: sie laden den Betrachter in zwei unterschiedliche Welten ein, obwohl sie wiederkehrende Themen in Johan Ingers Werk illustrieren: Verlust, Wechsel und die sich daraus ergebenden Konsequenzen. Das Solo Birdland zieht die Verbindung zwischen diesen beiden unterschiedlichen Lebensphasen, in einem rauen und rebellischen Schlag gegen alle Veränderungen im Leben. Das Konzept und was den Abend zusammenhält ist natürlich die Auswahl der Musik: Tom Waits, Patti Smith und Keith Jarrett. Durch ihre Musik und ihre Kunst haben diese Musiker eine ganze Generation beeinflusst und ihr geholfen, einen großen Wandel herbeizuführen. Wir fühlen eine Art Nostalgie und betrachten diese Zeit – besonders von heute aus gesehen – als einen Ort, an dem alles einfach und frei erschien.
Wenn wir älter werden, denken wir oft über unsere Lebensreise nach, und ich schaue ein für alle Mal mit einem zufriedenen Lächeln auf meinen Weg zurück, als die Dinge noch freundlich und sorgenfrei waren. Das waren goldene Tage! Johan Inger
Turbulente Dschungel-Action über Freundschaften, die Grenzen überwinden: Im energiegeladenen Musical „Dschungelbuch“ erwacht der Urwald zum Leben. Mogli und seine tierischen Freunde nehmen Klein und Groß mit auf eine abenteuerliche Reise.
Mit großem Herz und viel Humor kommt der zeitlose Bestseller von Rudyard Kipling über das mutige Findelkind und Dschungelbuch-Liebling Balu als rasantes Live-Erlebnis mit eigens komponierten Musical-Hits auf die Bühne. Das für seine fantasievollen Familienshows bekannte Theater Liberi inszeniert eine moderne und kreative Fassung für Kinder und Kindgebliebene.
Musical-Macher schaffen unvergessliche Show mit furiosem Happy-End
Bestens ausgebildete Musical-Darsteller bringen dank mitreißender Songs, temporeicher Choreographien und witziger Dialoge Leben in den Urwald. Mit einem farbenfrohen Bühnenbild und eindrucksvollen Kostümen entsteht die prachtvolle Dschungelwelt. Die bunte Reise durch den geheimnisvollen Urwald wird mit Licht- und Nebeleffekten stimmungsvoll in Szene gesetzt.
Freunde und Feinde machen Moglis Dschungelleben zum großen Abenteuer
Mithilfe seines treuen Freundes und Lehrers Balu und dem weisen Panther Baghira erlernt Mogli die Gesetze des Dschungels, um in das Wolfsrudel aufgenommen zu werden. Dabei erlebt er den Urwald mit all seinen Schönheiten. Aber auch den Gefahren: Der dreisten Affenbande, der hypnotisierenden Schlange Kaa und vor allem dem gefährlichen Tiger Shir Khan! Und als ihm dann noch das Mädchen aus dem Dorf begegnet, steht Moglis Welt endgültig auf dem Kopf…
„Weltberge – die 4. Dimension“ ist Reinhold Messners neuester und sicher spektakulärster Vortrag. Auf der Grundlage von Bildern, welche erst durch die heutige Technik von Satellitenaufnahmen möglich sind, lässt uns Messner die individuellen Charaktere der Bergriesen hautnah erleben. Aus Perspektiven und Höhen, die bisher undenkbar waren, kommen wir der Bergwelt näher als jemals zuvor. Auf dem Fundament von Geowissenschaft und Alpinismushistorie nimmt Messner sein Publikum mit zu den 13
wichtigsten Gipfeln der Bergsteigergeschichte. Mit seinem beeindruckenden Wissen und der Erfahrung aus seinen Expeditionen, erfüllt Reinhold Messner die technisch brillanten Bilder mit Leben. Im Vortrag ergänzen sich alpinistische Erlebnisberichte mit neuester satellitengestützter Visualisierungstechnik, besteigungshistorisches Wissen und fototechnisches Know-how zu einem Gesamtbild.
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