Veranstaltungskalender Eberthalle und Pfalzbau

Die überaus amüsante Komödie Barfuß im Park zählt zu den absoluten Klassikern des Genres. Insbesondere die bekannte Verfilmung mit Jane Fonda und Robert Redford hat dazu geführt, dass Barfuß im Park zu einem Renner auf den Theaterbühnen wurde. Inzwischen liegt die Komödie in einer neuen Übersetzung vor, sodass die romantische Liebesgeschichte zeitlos wie eh und je ist.
Paul Bratter ist ein durch und durch korrekter und solider Mann, der als Anwalt in New York arbeitet. Doch nach seiner Heirat mit Corie ist es aus mit dem geordneten Leben, denn seine Frau hat Spaß und Vergnügen zu ihrem Lebensprinzip erklärt. Nach den stürmischen Flitterwochen zieht allerdings der Alltag in das Eheleben ein. Zunächst ist alles aufregend, als es sich das frischgebackene Ehepaar Bratter in seiner ersten gemeinsamen Wohnung gemütlich macht. Eigentlich stünde ihrem Glück nichts im Wege, gäbe es da nicht einige Widrigkeiten: Fünf Stockwerke ohne Aufzug, eine plötzlich wieder jung gewordene Mutter, verkörpert von Lilo Wanders, ein flirtender extravaganter Nachbar, und noch so allerhand weitere Nebensächlichkeiten summieren sich allmählich zu einem größeren Problem. Dass sich das Verheiratetsein unerwartet holprig anlässt, trifft die Bratters völlig unerwartet. Auf Grund ihrer gegensätzlichen Charaktere reagieren beide sehr unterschiedlich auf die chaotischen Verhältnisse und ihre gerade begonnene Ehe wird auf eine harte Probe gestellt

Die überaus amüsante Komödie Barfuß im Park zählt zu den absoluten Klassikern des Genres. Insbesondere die bekannte Verfilmung mit Jane Fonda und Robert Redford hat dazu geführt, dass Barfuß im Park zu einem Renner auf den Theaterbühnen wurde. Inzwischen liegt die Komödie in einer neuen Übersetzung vor, sodass die romantische Liebesgeschichte zeitlos wie eh und je ist.
Paul Bratter ist ein durch und durch korrekter und solider Mann, der als Anwalt in New York arbeitet. Doch nach seiner Heirat mit Corie ist es aus mit dem geordneten Leben, denn seine Frau hat Spaß und Vergnügen zu ihrem Lebensprinzip erklärt. Nach den stürmischen Flitterwochen zieht allerdings der Alltag in das Eheleben ein. Zunächst ist alles aufregend, als es sich das frischgebackene Ehepaar Bratter in seiner ersten gemeinsamen Wohnung gemütlich macht. Eigentlich stünde ihrem Glück nichts im Wege, gäbe es da nicht einige Widrigkeiten: Fünf Stockwerke ohne Aufzug, eine plötzlich wieder jung gewordene Mutter, verkörpert von Lilo Wanders, ein flirtender extravaganter Nachbar, und noch so allerhand weitere Nebensächlichkeiten summieren sich allmählich zu einem größeren Problem. Dass sich das Verheiratetsein unerwartet holprig anlässt, trifft die Bratters völlig unerwartet. Auf Grund ihrer gegensätzlichen Charaktere reagieren beide sehr unterschiedlich auf die chaotischen Verhältnisse und ihre gerade begonnene Ehe wird auf eine harte Probe gestellt

Der Freischwimmer präsentiert in Zusammenarbeit mit Enjoy Jazz

Ein Klopfen, ein Trommeln, ein Schieben und Ziehen. Wer wagt sich zuerst? Kreuz und quer geht es durch den Raum, drunter und drüber, rauf und runter. Tanzend beginnt eine gemeinsame Reise voller Herausforderungen und Abenteuer.
In der Sprache des Tanzes erzählt Choreograph Felix Berner eine Geschichte über Vorsicht und Neugier, über das Fremde und Gemeinsame, über das Teilen und Kooperieren. Zwei Tänzer*innen des tanzmainz-Ensembles nehmen das Publikum mit auf eine ebenso spannende wie unterhaltsame Tanzreise.

Nach den grammatikalisch zum Teil ehrgeizigen Programmtiteln wie HETZ MICH NICHT!, KEINE ANHUNG (Na, den kleinen Schreibfehler entdeckt?) und ICH FIND’S LUSTIG steht jetzt das nächste, brandheiße und natürlich wieder zu 100 Prozent grammelige Live-Programm fertig in den Startlöchern. Beziehungsweise fast. Also: FAST FERTIG!
Denn so heißt das neue hemmungslos alberne, grammelsche Bühnenspektakel. Aber Spandaus ganzer Stolz und blondgesträhnter Puppet Comedy-König feilt natürlich wie gewohnt noch bis zur allerletzten Sekunde an seinem bisher definitiv verrücktesten und emotionalsten Programm. Man kann sich also auf einige wilde Überraschungen freuen!
Fest steht nur, dass es Saschas beliebt-skurrile Puppen-Mannschaft mit FAST FERTIG! diesmal auf eine einsame Trauminsel verschlagen hat. Dabei haben die Bühnenbildbauer rund um Meister Grammel mal wieder ganz besonders liebevoll in der wunderbar kunterbunten Fantasie-Welt-Kiste herumgestöbert: so eine Insel wie Grammel Island hat man sicher noch nie auf deutschen Comedy-Bühnen gesehen.
Und mittendrin zwischen Palmen, Sand und sprechenden Bergen unser Spandauer Sonnenscheinchen und hochalberner Gute-Laune-Garant Sascha Grammel, der sich auch diesmal ganz fest vorgenommen hat, fast zwei Stunden am Stück mit sich selbst zu reden, mit Puppen zu spielen und sich dabei von möglichst vielen Menschen anschauen und sogar filmen zu lassen.
Selbstverständlich auch bei FAST FERTIG! wieder mit in Grammels Erfolgs-Dream-Team: alle seine beliebt-bekannten Puppen-Charaktere wie Frederic, Josie, Prof. Hacke & Co. Aber auch – einfach sensationell – Saschas bisher größte Bauchrednerpuppe überhaupt ist auf seiner kleinen Spaß-Insel gestrandet!

Der Freischwimmer präsentiert in Zusammenarbeit mit Enjoy Jazz

WEITERE INFOS FOLGEN

Mit seiner Dschungelbuch-Version hat Akram Khan eine bekannte Geschichte ausgewählt, die er mit den Augen der Kinder von heute betrachten will: damit meint er seine eigenen Kinder, die Kinder von uns allen, die er zu Geschichtenerzählern der Gegenwart und der Zukunft werden lässt.
Das Dschungelbuch war ihm selbst immer sehr nah, und das lag nicht nur daran, dass er selbst die Figur des Mowgli in einer indischen Tanztheater-Produktion dargestellt hat, als er ein Junge war. Seitdem hat er die tiefgreifenden Lehren, die er daraus gezogen hat, verinnerlicht. Die Erkenntnis der Gemeinsamkeiten zwischen den Arten, die gegenseitige Abhängigkeit der Menschen, das Bedürfnis nach familiärer Bindung und nach Zugehörigkeit prägt sein Leben. Gerade in unsicheren Zeiten wie diesen will Akram Khan wachrütteln und uns unsere enge Verbindung mit dem Planeten bewusstmachen, auf dem wir leben. Wir profitieren von den Ressourcen dieses Planeten, doch wir haben vergessen, ihm auch etwas zurückzugeben, ihm mit Respekt zu begegnen.
In seinem Dschungelbuch entwirft Akram Khan seine Vision für eine bessere Zukunft und es ist ihm ein großes Anliegen, diesen Ausblick mit Kindern und Erwachsenen aller Kulturen zu teilen.
Sein Dramaturg Sharon Clark hat mit den bekannten Figuren der Originalerzählung eine eigene Geschichte entworfen, in der Mowglis Reise mit den unberechenbaren Launen von Wasser beginnt, ausgehend von der kaum zu leugnenden Tatsache, dass in manchen Teilen der Erde ein zunehmender Wassermangel zu verzeichnen ist, während es andernorts enorme Überflutungen gibt. Dabei gelingt es Akram Khan, mit der Magie des Tanzes ein spannendes und mitreißendes Stück auf die Bühne zu bringen, in dem Mowgli auf seiner Jagd durch gefährliche Landschaften lernt, auf den Rhythmus des Wassers zu achten. Und bei allem Ernst werden Baloo und Bagheera nicht müde, sich mit Slapstick-Aktionen zu überbieten.

Mit seiner Dschungelbuch-Version hat Akram Khan eine bekannte Geschichte ausgewählt, die er mit den Augen der Kinder von heute betrachten will: damit meint er seine eigenen Kinder, die Kinder von uns allen, die er zu Geschichtenerzählern der Gegenwart und der Zukunft werden lässt.
Das Dschungelbuch war ihm selbst immer sehr nah, und das lag nicht nur daran, dass er selbst die Figur des Mowgli in einer indischen Tanztheater-Produktion dargestellt hat, als er ein Junge war. Seitdem hat er die tiefgreifenden Lehren, die er daraus gezogen hat, verinnerlicht. Die Erkenntnis der Gemeinsamkeiten zwischen den Arten, die gegenseitige Abhängigkeit der Menschen, das Bedürfnis nach familiärer Bindung und nach Zugehörigkeit prägt sein Leben. Gerade in unsicheren Zeiten wie diesen will Akram Khan wachrütteln und uns unsere enge Verbindung mit dem Planeten bewusstmachen, auf dem wir leben. Wir profitieren von den Ressourcen dieses Planeten, doch wir haben vergessen, ihm auch etwas zurückzugeben, ihm mit Respekt zu begegnen.
In seinem Dschungelbuch entwirft Akram Khan seine Vision für eine bessere Zukunft und es ist ihm ein großes Anliegen, diesen Ausblick mit Kindern und Erwachsenen aller Kulturen zu teilen.
Sein Dramaturg Sharon Clark hat mit den bekannten Figuren der Originalerzählung eine eigene Geschichte entworfen, in der Mowglis Reise mit den unberechenbaren Launen von Wasser beginnt, ausgehend von der kaum zu leugnenden Tatsache, dass in manchen Teilen der Erde ein zunehmender Wassermangel zu verzeichnen ist, während es andernorts enorme Überflutungen gibt. Dabei gelingt es Akram Khan, mit der Magie des Tanzes ein spannendes und mitreißendes Stück auf die Bühne zu bringen, in dem Mowgli auf seiner Jagd durch gefährliche Landschaften lernt, auf den Rhythmus des Wassers zu achten. Und bei allem Ernst werden Baloo und Bagheera nicht müde, sich mit Slapstick-Aktionen zu überbieten.

Abend für Abend für Abend erzählt ein Vater seiner Tochter von der Religion – nicht nur von der eigenen, dem Islam, sondern von den Religionen überhaupt, von Gott, dem Tod und dem Leben und der Unendlichkeit um uns herum. Und ist bald bei den großen Fragen, die sich alle Kinder stellen und viele vergessen, wenn sie erwachsen geworden sind: von Gott und dem Nichts, von Liebe und Tod. Eine Verzauberung ist dieses Buch, ein poetisches Meisterstück, gerade weil Navid Kermani auch ins Dunkle zu schreiben wagt und das Vertrauen die Ratlosigkeit nicht überdeckt. Aber natürlich auch, weil seine Sprache, seine Gedanken, sein Wissen aus zwei Kulturen einzigartig sind, so hell und so tief. Das neueste Buch des Bestsellerautors und Friedenspreisträgers Navid Kermani über Religion und den Sinn des Lebens ist die Essenz seines Denkens und ein Aufruf zum Miteinander.

Navid Kermani, Wahlkölner mit iranischen Wurzeln, ist einer der renommiertesten deutschen Schriftsteller und Essayisten. Für sein Werk erhielt er wichtige Auszeichnungen wie den Kleist-Preis und den Friedenspreis des deutschen Buchhandels. U. a. veröffentlichte er die Titel Dein Name (2011),  Über den Zufall (2012), Große Liebe (2014),  Album und Sozusagen Paris (2016). Er ist eine wichtige Stimme in vielen deutschen Medien.

Im Programm zum diesjährigen Konzert im Pfalzbau OstWIND zeigen drei westliche Komponisten des 21. Jahrhunderts unterschiedliche Herangehensweisen an klassische Vorlagen aus dem Osten:

Johan de Meijs Extreme Make-Over trägt den Untertitel Metamorphosen über ein Thema von Pjotr Tschaikovski. De Meij vollbringt sukzessive eine Transformation der zunächst originalgetreu gespielten Vorlage hin zu einer völligen Neuinterpretation, die die vielfältigen klanglichen Möglichkeiten des sinfonischen Blasorchesters voll ausnutzt und auf originelle Art erweitert – beispielsweise durch ein zehnstimmiges Ensemble aus gestimmten Wasserflaschen.

Christiaan Janssen bleibt strenger bei seiner Vorlage, auch wenn er den Solisten – in unserem Falle den in Kasachstan geborenen und in der Rhein-Neckar-Region bekannt gewordenen Stanislav Novitsky – in Rachmaninows berühmtem 2. Klavierkonzert fast ohne Streicher begleiten lässt. Warme Bläserklänge breiten den Teppich aus für eines der wohl schönsten Klavierkonzerte aller Zeiten.

Des Belgiers José Schyns großes Vorbild ist unverkennbar Maurice Ravel und dessen berühmt gewordene Orchestration von Mussorgkis Klavierzyklus Bilder einer Ausstellung. Sie hören also die Bearbeitung einer Bearbeitung! Auf der Promenade durch die Galerie begegnen uns Klanggemälde aus mehreren osteuropäischen Kulturen.

Es erscheint uns selbstverständlich: die Stimme zu erheben, sie abzugeben, sich Gehör zu verschaffen. Aber was ist, wenn dieses Grundrecht plötzlich abhandenkommt? Um einer ungeheuerlichen Gefahr zu trotzen, haben zwei Spieler*innen einen Staat gegründet und laden die Kinder ein, dessen erste Bürger*innen zu werden. Gemeinsam tauchen sie ab in ein Abenteuer intergalaktischen Ausmaßes – und erproben spielerisch gesellschaftliches Zusammenleben, bestimmen, wer bestimmt, und machen sich so an nichts weniger als die Rettung der Welt.
Mit einem interaktiven mobilen Projekt betritt das JES und wir mit ihm Neuland: Nach Motiven eines Kinder-Sachbuches von Valerie Wyatt stürzen sich zwei Schauspieler*innen mit zwei Grundschulklassen in einer Turnhalle in ein gemeinsames demokratisches Abenteuer: Spielerisch und eingebettet in eine aufregende Geschichte erleben die Kinder das ermutigende Gefühl, dass sie ernstzunehmender Teil der Gesellschaft sind. Dass es sich lohnt, die eigene Stimme zu erheben – und um dieses Grundrecht zu kämpfen.

Shakespeares letzte große Tragödie erzählt auf spannungsvolle Weise die Geschichte vom steilen Aufstieg und jähen Niedergang des Feldherrn Macbeth. Sie handelt von Machtgier und Zweifeln, von innerer Zerrissenheit, Gewissensqualen, Einsamkeit und dramatischem Scheitern, von trügerischen Hoffnungen, Gewaltexzessen, phantastischen Erscheinungen
und dem unvermeidlichen Sieg der Realität.
Anfangs scheint die Welt noch in Ordnung: die Feldherren Macbeth und Banquo retten König Duncan durch ihren unermüdlichen Einsatz seine Krone. Doch dann begegnen sie den drei Hexen, die in verrätselten Worten Macbeth eine Zukunft als König voraussagen und Banquo als Begründer einer Königsdynastie feiern. Sind die Frauen real oder existieren sie nur in Macbeths Phantasie? Die Worte wirken jedenfalls wie Brandbeschleuniger, und angestachelt durch die ehrgeizige Lady Macbeth setzt Macbeth eine Reihe verhängnisvoller Ereignisse in Gang. In atemloser Dichte wird er zum Königsmörder, häuft zur weiteren Sicherung seiner Macht Verbrechen auf Verbrechen und erkennt bald, dass es kein Zurück geben kann. Dabei schwankt er im Selbstgespräch zwischen moralischen Skrupeln und der
Faszination des Bösen, und auch seine Frau wird von ihren Gewissensnöten verfolgt und schließlich in Wahnsinn und Tod getrieben. Der Ratsspruch der Hexen verspricht noch einmal trügerische Sicherheit:

„Sei blutig, kühn und frech; lach aller Toren
Dir schadet keiner, den ein Weib geboren. (…)
Macbeth wird nie besiegt, bis einst hinan
Der große Birnamswald zum Dunsinan
Feindlich emporsteigt.“

Doch die Katastrophe ist unausweichlich: So wie Macbeths Verbrechen die Ordnung des gesamten Kosmos in Frage gestellt und die Krankheit seiner Blutherrschaft am Ende das ganze Volk befallen hat, so gewinnen am Ende die heilenden Kräfte die Oberhand.

Shakespeares letzte große Tragödie erzählt auf spannungsvolle Weise die Geschichte vom steilen Aufstieg und jähen Niedergang des Feldherrn Macbeth. Sie handelt von Machtgier und Zweifeln, von innerer Zerrissenheit, Gewissensqualen, Einsamkeit und dramatischem Scheitern, von trügerischen Hoffnungen, Gewaltexzessen, phantastischen Erscheinungen
und dem unvermeidlichen Sieg der Realität.
Anfangs scheint die Welt noch in Ordnung: die Feldherren Macbeth und Banquo retten König Duncan durch ihren unermüdlichen Einsatz seine Krone. Doch dann begegnen sie den drei Hexen, die in verrätselten Worten Macbeth eine Zukunft als König voraussagen und Banquo als Begründer einer Königsdynastie feiern. Sind die Frauen real oder existieren sie nur in Macbeths Phantasie? Die Worte wirken jedenfalls wie Brandbeschleuniger, und angestachelt durch die ehrgeizige Lady Macbeth setzt Macbeth eine Reihe verhängnisvoller Ereignisse in Gang. In atemloser Dichte wird er zum Königsmörder, häuft zur weiteren Sicherung seiner Macht Verbrechen auf Verbrechen und erkennt bald, dass es kein Zurück geben kann. Dabei schwankt er im Selbstgespräch zwischen moralischen Skrupeln und der
Faszination des Bösen, und auch seine Frau wird von ihren Gewissensnöten verfolgt und schließlich in Wahnsinn und Tod getrieben. Der Ratsspruch der Hexen verspricht noch einmal trügerische Sicherheit:

„Sei blutig, kühn und frech; lach aller Toren
Dir schadet keiner, den ein Weib geboren. (…)
Macbeth wird nie besiegt, bis einst hinan
Der große Birnamswald zum Dunsinan
Feindlich emporsteigt.“

Doch die Katastrophe ist unausweichlich: So wie Macbeths Verbrechen die Ordnung des gesamten Kosmos in Frage gestellt und die Krankheit seiner Blutherrschaft am Ende das ganze Volk befallen hat, so gewinnen am Ende die heilenden Kräfte die Oberhand.

Tara Nome Doyle ist eine der charismatischsten Popkünstlerinnen ihrer Generation. Nach ihrem gefeierten Debüt Alchemy legt die 24-jährige Künstlerin (Berlinerin mit norwegisch-irischen Wurzeln) jetzt ihr zweites Album vor: Auf Væermin erzählt sie eine tragische Liebesgeschichte, reich an Symbolik und Zwischentönen – und mit einem Gesang, der intensiv und wandlungsreich ist, mal engelsgleich, mal rau und und bedrohlich. Die Lieder von Tara Nome Doyle verhaken sich sofort in den Ohren, sie wollen einem nicht mehr aus dem Kopf: existenzielle Musik von einer außergewöhnlichen Künstlerin.

Hier geht es zum Trailer!

Kann man sich tot stellen, um der sicheren Erschießung zu entkommen? Einen Fluch unschädlich machen, indem man die Tür verriegelt? Den Abschied vergessen und Gefühle auf Leinwand bannen? Kira erzählt ihre Familiengeschichte. Eine Geschichte von Aufbrüchen und Verwandlungen, von Krokodilen und Papierdrachen.
Die junge Künstlerin Kira lebt mit Marc und dem gemeinsamen Sohn Karl in Berlin. In den 1990er Jahren ist sie mit ihren Eltern aus Moldawien nach Deutschland gezogen, irgendwo angekommen ist aber keiner in ihrer russisch-jüdischen Familie. Kira betrachtet nicht nur das eigene Leben, mitunter zynisch und distanziert, sondern auch das ihrer Vorfahren, die sie teilweise nur von Fotos kennt. Sie reist nach New York, Israel und Moldawien, versucht, die Geschichten zu begreifen und in ihren großformatigen Bildern zu verarbeiten.
Marina Frenk findet eine frische, bilderreiche und sehr körperliche Sprache. Ihr eindrückliches, raffiniert gebautes Debüt ist ein Buch über Familie und Herkunft, über Eltern- und Kindschaft. Es ist ein heutiger Künstlerinnenroman und vor allem auch der Roman einer Liebe. Die Schauspielerin, Musikerin und Autorin mischt die Lesung mit unbeheimateten Liedern auf Russisch, Jiddisch, Deutsch und Rumänisch und geht Fragen von Identität, Heimat und Autonomie auf den Grund.

Doris Uhlich widmet sich dem Schleim. Einer allgegenwärtigen Substanz also, die man auf einer Bühne eher nicht erwartet. Schon beim Einlass liegt ein dicker Flatschen davon auf dem Boden, nach und nach leeren die Performer*innen weitere Eimer und testen genussvoll aus, wie man mit der glibbrigen Masse in Interaktion treten kann. Der Schleim ist Material und Performer*in zugleich, er tanzt mit, auf, in und zwischen den meist nackten Körpern. Menschen und Schleim berühren sich, vernetzen sich, vermengen sich, bilden Allianzen.
Gootopia erinnert daran, dass der Schleim das Urmaterial unseres Lebens ist; ein uns ursprünglich vertrauter Stoff, der den Organismus zusammenhält und Verbindungen herstellt. Zumeist aber verlieren wir im Laufe des Lebens den Bezug zu ihm, verbinden ihn mit Abwehr und Angst. Genauso kann der Anblick von Schleim aber auch Neugier und Berührungslust erzeugen. In der Begegnung des Publikums mit den im Glibber badenden Performer*innen entsteht ein ambivalentes Feld zwischen Horror und Faszination, Empathie und Ekel. Gootopia ist eine installative Performance. Die Zuschauer*innen sind eingeladen, ihre Position und Perspektive im Raum frei zu wählen und eine vielschichtige und erweiterte Praxis von Tanz zu erfahren, die skulpturale, landschaftliche und installative Qualitäten umfasst.

Doris Uhlich studierte Pädagogik für zeitgenössischen Tanz am Konservatorium der Stadt Wien. Seit 2006 entwickelt sie eigene Projekte. Mit ihren Produktionen stellt sie gängige Formate und Körperbilder infrage. Sie arbeitet mit Darsteller*innen aus unterschiedlichsten Kontexten, öffnet die Tanzfläche für Menschen mit körperlicher Behinderung, zeigt die Potenziale von Nacktheit jenseits von einfacher Erotisierung und Provokation und setzt sich mit der Zukunft des menschlichen Körpers im Zeitalter seiner chirurgischen und genetischen Perfektionierung auseinander. Im Februar 2022 war ihre Choreographie Unkraut auf den Pfalzbau Bühnen zu sehen.

Charles Mingus war das Paradox eines leidend Leid Zufügenden: sozial nicht selten unkontrollierbar enthemmt, kompositorisch von wohlkontrollierter Klarheit. Er selbst diagnostierte bei sich eine gleich dreifach gespaltene Persönlichkeit. Seine Aura war von einem monströsen Magnetismus, der Karrieren ebenso gefördert wie beschädigt hat. Seine Leidenschaft war wie ein Meer der Möglichkeiten. Anlässlich seines 100. Geburtstags will sich Enjoy Jazz dem Musiker und Menschen Charles Mingus im Rahmen einer Matinee anzunähern versuchen. Mit Standards wie Goodbye Pork Pie Hat und seinem einzigartigen, mehrfach modifizierten Bandkonzept schrieb er Jazzgeschichte. Zwei Formationen stellen ihren Blick auf Mingus vor: Schauspieler (u.a. Grimme-Preis) und Jazz-Flötist August Zirner kommt mit dem renommierten Bassisten Sven Faller. Die Matinee beschließen wird das nach dem Mingus-Zitat „I am Three“ benannte Trio um die Saxofonistin Silke Eberhard. Das Debüt dieser Formation wurde 2016 mehrfach auch international (u.a. Down Beat) in die Liste der „besten Alben des Jahres“ aufgenommen.

„Auf der Bühne war ich manchmal Anne-Marie die Schönheit“ – im wirklichen Leben ist die alternde Schauspielerin Anne-Marie Mille nicht unbedingt mit Schönheit und großem Erfolg gesegnet. Ganz anders als ihre bewunderte Kollegin Gigi in Paris, die mittlerweile schon im ewigen Theaterhimmel ist, wie so manche Weggefährten, auf die Anne-Marie zurückblickt. Alter und Vergänglichkeit sieht Anne-Marie mit kühlem Realismus, an ihre Anfänge am Theater und an Schauspielerinnen, die wie Halbgötter durch ihre Heimatstadt schritten, erinnert sie zärtlich. Kein Wunder, war das Theater doch eine Gegenwelt zu der repressiven, freudlosen Familie der jungen Frau in der französischen Provinz…
Yasmina Rezas anrührend-komischer Monolog ist ein einfühlsames Porträt einer Frau am Ende ihres Lebens, aber auch eine Hommage an all die Schauspielerinnen, die es nicht auf die ganz großen Bühnen geschafft haben. Anne-Marie wird auf Wunsch von Yasmina Reza von einem Mann, dem Ausnahmeschauspieler Robert Hunger-Bühler, gespielt.

„Ein so gelungener Abend, dass man sogar vergisst, dass er eine gewisse Perfidie beinhaltet: Während der Text sich wie eine Ode an die unbekannten Nebendarsteller geriert, ihre Namen am Anfang und Ende wie ein Manifest der Vergessenen deklamiert, wird auf der Bühne gezeigt, dass der großartige Starschauspieler selbst das eigene unbedeutende Leben der Begleitchargen brillanter verkörpert, als diese es je könnten. […] Aber auch das singt man ja gern mit, so wie man diese deutsche Erstaufführung von Yasmina Rezas Feier der Schauspielkunst zurückgelehnt genießen kann. Begeisterter Schlussapplaus für Robert Hunger-Bühler, der nach rund 30 Jahren wieder mal im Theater Freiburg zu sehen war.“ nachtkritik

Von der Bühne sind Herzschläge zu hören. Es sind die eines zum Tode Verurteilten, an seinem letzten Tag. In einem roten Lichtschein ist ein fiebriges Gesicht zu sehen und eine Stimme berichtet detailliert von einem Terroranschlag auf ein Museum für zeitgenössische Kunst. Neunundvierzig Kinder und eine Lehrerin wurden dabei getötet. Der Mann, der diese Tat begangen hat und seit sieben Jahren auf seine Hinrichtung wartet, lädt den Polizeiinspektor, der ihn verhaftet hat, zu seiner letzten Mahlzeit ein. Die beiden Männer treffen sich allein in einem geschlossenen Raum. Es beginnt ein beunruhigender Dialog, gefährlich und zerstörerisch, ein Spiel, in dem es verbale und physische Schläge hagelt.
Der Entstehung des Zweipersonenstücks ging ein langer Forschungsprozess voraus. Murkus und seine Schauspieler versuchten, die Mechanismen zu verstehen, die Menschen zu Terroristen machen. Sie kennen das Gefühl der Ohnmacht gegenüber staatlicher Willkür und fragten sich, wann es in Gewalt mündet. Bashar Murkus seziert die Ursprünge dieser Gewalt, die unsägliche „Banalität des Bösen“ und die Ähnlichkeiten zwischen individuellem Terror und dem systemischen Schrecken staatlicher Kriege. Sein Ansatz, den Attentäter nicht moralisch zu verurteilen, sondern seine Beweggründe nachzuvollziehen, ist provokant und verstörend. Für ihn aber ist das genau der Weg, sich von destruktiven Impulsen zu befreien und neue Wege zu finden, um die Welt zu verändern.

Bashar Murkus ist ein palästinensischer Autor und Regisseur. Er studierte Theaterwissenschaften an der Universität Haifa, heute ist er dort als Dozent für Schauspiel und Regie tätig. Seit 2011 hat er fast zwanzig Stücke entwickelt, die soziale, politische und humanistische Themen umkreisen. Er ist Gründungsmitglied und künstlerischer Leiter des 2015 gegründeten palästinensischen Khashabi-Theaters mit Sitz in Haifa. Das Theater ist politisch und wirtschaftlich unabhängig und versteht sich als freie Stimme palästinensischer Künstler in Israel. Die dort entstandenen Produktionen waren bereits in Palästina, den USA und Europa zu sehen.

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Während der Festspiele Ludwigshafen reisen Compagnien aus der ganzen Welt an. Wort und Wein dagegen pflegt die Nachbarschaft. René Zechlin, Direktor des Wilhelm-Hack-Museums, erzählt über das Konzept der Ausstellung Street Life, die wenig später dort eröffnet wird. Und weil die Straße ursprünglich auch der Lebensort der Mimen war, sollten sich zahlreiche Bezüge finden lassen.

Jiří Kylián war zunächst Tänzer beim Stuttgarter Ballett unter der künstlerischen Leitung von John Cranko und hatte dort auch sein Debüt als Choreograph. Nachdem er drei Stücke für das Nederlands Dans Theater geschaffen hatte, übernahm er 1975 die Geschicke der Compagnie und läutete eine neue Ära ein. Spätestens mit seiner Kreation Sinfonietta 1978 sorgte er dafür, dass das Nederlands Dans Theater in der internationalen Tanzwelt eine wesentliche Rolle spielte. Im gleichen Jahr gründete er Nederlands Dans Theater II, ein junges Ensemble, das als Brücke zwischen vielversprechenden Nachwuchstalenten und der Hauptcompagnie fungierte. 1991 entstand außerdem auf seine Initiative Nederlands Dans Theater III, eine Compagnie für ältere Tänzer über vierzig, die sich in diesem Ensemble weiterhin entfalten konnten. Bis 1999 wirkte Jiří Kylián künstlerisch wegweisend auf die Entwicklung der drei unterschiedlichen Compagnien ein, danach blieb er dem Nederlands Dans Theater noch bis 2009 als Hauschoreograph verbunden.
Während dieser Zeit, einer enorm produktiven künstlerischen Schaffensphase, in der über 100 Werke entstanden, gab es natürlicherweise zahlreiche Weggefährt*innen, zu denen auch Nacho Duato, Sol León & Paul Lightfoot sowie Andrea Schermoly gehören, deren Kreationen an diesem Abend neben Jiří Kyliáns Bella Figura gezeigt werden. Bella Figura relativiert unsere Perspektive im Hinblick auf Sinnlichkeit, Schönheit und Ästhetik im allgemeinen und sensibilisiert uns dahingehend zu hinterfragen, wie wir im alltäglichen Leben mit diesen Kategorien umgehen. “Bella Figura” aus dem Italienischen einfach nur mit “schöner Körper” zu übersetzen, trifft den Sinn zu eindimensional, gemeint ist vielmehr die Resilienz des Menschen und seine Fähigkeit, sich an schwierige Situationen anpassen zu können, denen er sich mutig stellt. Und erweitert auf die Lebensrealität von Tänzern bedeutet “Bella Figura” im Streben nach Vollkommenheit den Mut, eigene Schwächen, Zweifel und Verletzlichkeit zu akzeptieren.

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Morgen
Sad Case

Das Eis schmilzt, das Klima verändert sich, das Gleichgewicht der Kräfte beginnt sich zu verschieben. Die Zukunft hält große Unsicherheiten bereit. 8: METAMORPHOSIS ist sowohl eine Tanzperformance als auch eine zeitgenössische Oper darüber, wie wir die Veränderungen, die vor uns liegen, annehmen können. Werden sie sich in einem allmählichen Prozess entwickeln oder als eine Serie schmerzhafter Schocks?
Nach der eindrucksvollen Bauhaus-Trilogie kehrt die Regisseurin und Choreographin Nicole Beutler mit einem neuen Gesamtkunstwerk auf die große Bühne zurück. Acht Männer – Tänzer, Sänger und ein Schlagzeuger – entführen das Publikum in ein Ritual für eine neue Ära. Inspiriert durch die mathematischen Übergänge in der Illusionskunst von M.C. Escher verwandeln sich geläufige Muster in neue Möglichkeiten. 8: METAMORPHOSIS lädt uns in eine Grauzone ein, in ein Niemandsland, das sowohl hoffnungsvoll als auch bedrohlich erscheint. Ist die Zerstörung notwendig, damit wir eine neue Art des Zusammenlebens erlernen können?
Die Performance wird von den eiskalten Rhythmen von Henry Purcells Lied „The Cold Song“ aus der Oper King Arthur vorangetrieben. In dieser ergreifenden Arie klagt ein Geist des Winters über das sich nähernde Frühlingserwachen. Er versucht mit all seiner Kraft, sich zu widersetzen, aber die Schmelze ist am Ende unausweichlich. Chorgesänge, eine virtuose Darbietung von Schlagzeuger Frank Rosaly und ein filmischer Soundtrack des Komponisten Gary Shepherd lösen die Arie schrittweise auf, um sich dann zu einer befreienden musikalischen Explosion aufzubauen.
Wie ein „bildender Künstler im Theater“ komponiert Beutler eine Tanzoper nach ihren eigenen Regeln. Auf der Suche nach einer neuen Perspektive werden Bühne und Zuschauerraum umgekehrt. Der Theaterraum wird zu einem einzigen lebenden Organismus, in dem Tanz, Musik, Lichtdesign und visuelle Komposition zu einem performativen Erlebnis ohne Grenzen verschmelzen.

„Die Darsteller sind fantastisch. Die Bewegungen im perfekten Einklang, der Gesang himmlisch, die Botschaft überzeugend. Absolut einmalig. Das Highlight ist die Szene, wenn die Betrachter auf der Bühne sitzen und ins Publikum blicken. Wirklich eine der schönsten Szenen, die ich jemals gesehen habe. Spontan schießen einem Tränen in die Augen. Grandios.“ Musicalnieuws

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In Jugoslawien wird die zunächst für ihre Popsong-Cover bekannte Band als radikal bezeichnet, ihr Sound entwickelte sich von Avantgarde über Ambient-Noise bis hin zu Industrial-Music: Das experimentelle Projekt Laibach vereint Elemente von Hip-Hop, Elektro, Techno und Electronic Body Music auf hoch spannende Weise und ergänzt diese durch unverkennbare Percussion-Rhythmen sowie rauen Gesang.
Die Band, die zu den Gründungsmitgliedern der Neuen Slowenischen Kunst (NSK) gehört, wurde 1980 in Trbovlje, Slowenien, gegründet. Neben der kreativen Arbeit an innovativen Klängen hat Laibach immer auch eine starke politische Agenda verfolgt, indem die Gruppe totalitäre Regime in allen Bereichen kritisiert, seien es Diktaturen oder Rockmusik-Hierarchien. Trotz eines Verbots in der Sowjetunion macht sie weiterhin ihre Avantgarde-Musik. Internationale Bekanntheit erlangte die Gruppe 1987 mit ihrem dritten Studioalbum Opus Dei, das die gleichnamige katholische Organisation dazu veranlasste, die Band erfolglos wegen Verleumdung der Kirche zu verklagen.
Der Song Love is Still Alive entstand für die Sci-Fi-Komödie Iron Sky – The Coming Race. Der Film – und der Song – präsentiert eine apokalyptische Vision vom Ende der Welt, in der nur wenige Menschen überlebt haben, die nun durch das Universum zum Mars reisen. Der Track Love is Still Alive erscheint auf einer EP in sieben verschiedenen Variationen. Auf Tournee wird Laibach einige dieser sehr unterschiedlichen Versionen live spielen. Das Konzertprogramm der politisch wie künstlerisch bemerkenswerten Gruppe wird noch einige andere Überraschungen bereithalten.

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„Ach, das Leben könnte so schön sein, wenn …“ Wer hat diesen Gedanken nicht schon manches Mal gedacht: Es „könnte“ nicht nur schön sein, nein, es kann und wird für denjenigen zu einem schönen Leben werden, der bereit und neugierig ist, sich selbst, die anderen und das Leben verstehen zu wollen. Dies ist nicht so schwierig, wie viele glauben.

Das Leben und was wir erfahren, ist einfach und leicht zu verstehen, wenn wir uns neuen Gedanken öffnen und es aus einem neuen Blickwinkel betrachten. Sobald wir begreifen, dass wir (bisher meist unbewusste) Schöpfer und Gestalter unserer kompletten Lebenswirklichkeit sind, können wir die Gestaltungskraft über unser Leben wieder erlangen und bewusst die Dinge verändern, die nicht (mehr) stimmen.

Wer bereit ist aufzuhören mit Jammern, Anklagen und Verurteilen, wer Lust hat auf ein glückliches erfülltes Leben, an dessen Ende er nichts zu bereuen hat, der wird aus diesem Vortrag bereichert und begeistert hinausgehen.

Zielgruppe:
Ein Vortrag zum Aufwachen für Frauen und Männer

Für den einen ist es pure Lust, für den anderen bittere Notwendigkeit: Seit es ihn gibt, wandert der Mensch. Auch in der Literatur ist der Wanderer häufig anzutreffen, meist begegnet er einem dort als Melancholiker, als Sinnsucher ohne Ort und Ziel. Der Puppenspieler Nikolaus Habjan und die Band Franui schicken einen Wanderer auf seinen Lebensweg. Mit melodischer Seele und beredtem Geist macht er sich auf, seine Begleiter sind romantische Liederweisen von Schubert bis Mahler. Aus dem Zusammenspiel von Musik, Sprache und Puppe entsteht eine tiefsinnige und bewegende Reise, bei der ein Ankommen nicht vorgesehen ist.
Nikolaus Habjan ist ein faszinierendes Multitalent. Schon mehrfach hat er seine selbstkreierten Klappmaulpuppen auf den Pfalzbau Bühnen zum Leben erweckt. Wer ihn bei den Festspielen Ludwigshafen 2021 mit der Musicbanda Franui in Alles nicht wahr erlebt hat, wurde Zeuge seiner virtuosen musikalischen Fähigkeiten.
Das Ensemble Franui hat seine Wurzeln im Osttiroler Dorf Innervillgraten. Ihr Bandname bezeichnet eine 2300 Meter hochgelegene Almwiese in der Nähe des Dorfes. Franui spielt schon seit vielen Jahren auch im Rahmen von Musiktheaterprojekten, u. a. im Rahmen der Ruhrtriennale, bei den Bregenzer Festspielen, am Wiener Burgtheater und bei den Salzburger Festspielen.

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Er fasziniert immer wieder durch seine zahlreichen ungewöhnlichen Talente: der Regisseur, Schau- und Puppenspieler, Sänger und Kunstpfeifer Nikolaus Habjan, der international gefragt ist wie kaum ein anderer. U.a. belebte er die Tradition des Kunstpfeifens neu und zählt heute zu den besten Kunstpfeifern weltweit.
Das Kunstpfeifen entstand im 19. Jahrhundert in der österreichischen Oberschicht und war vor allem in der Zeit der Gebrüder Schrammel als Form der gehobenen Unterhaltungsmusik sehr beliebt. Kunstpfeifer waren damals regelmäßig in den Wiener Varietés, Kabaretts und Volksbühnen zu erleben, wobei der bekannteste Vertreter Wiens der Fiaker Johann Tranquillini (1855–1895), genannt Baron Jean, war. Zu seinem Repertoire gehörten Operettenarien und Konzertwalzer, verziert mit kunstvollen Trillern und Pfiff-Koloraturen. Diese Interpretationen klassischer Musik kamen auch regelmäßig am Hof des österreichischen Kaisers zur Aufführung. Die hohe Form des Kunstpfeifens geriet jedoch nach und nach in Vergessenheit.
Nikolaus Habjan brachte buchstäblich frischen Wind in das beinah vergessene Genre und trat als erster Kunstpfeifer u. a. 2018 in der Hamburger Elbphilharmonie auf. In Ludwigshafen hat das Publikum jetzt die Gelegenheit, sich mit dieser Kunstform vertraut zu machen und einen virtuosen Künstler zu erleben, der Werke von Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Schubert, Johannes Brahms, Antonín Dvořák, Giuseppe Verdi und Astor Piazzolla auf ungewöhnliche und unterhaltsame Weise präsentiert. Begleitet wird Nikolaus Habjan von der vielfach ausgezeichneten Pianistin Ines Schüttengruber am Flügel.

Inès, Estelle und Garcin haben nur Vermutungen darüber, warum sie miteinander ausgerechnet in dieser Hölle gelandet sind: ein Innenraum ohne Fenster und Spiegel. Turmhoch eingemauert, nur ab und an besucht von einem skurrilen Kellner. Ein Draußen? Gibt es hier nicht. Selbst die Augenlider sind erlahmt; der Ort droht mit durchgängigem Wachsein, ohne die erlösenden „schwarzen Blitze“ des Blinzelns. Warum sind gerade diese drei Menschen, die sich im Leben nie begegnet sind, hier zusammengepfercht worden? Welche Schuld hat sie hierhergeführt? Halten sie das Folterbesteck für die anderen bereits in den Händen, ohne es zu wissen?

Jean-Paul Sartres Klassiker des Existenzialismus, uraufgeführt 1944 in Paris unter der Herrschaft der Nationalsozialisten, ist nicht nur Schlüsselwerk zum Verständnis von Sartres Philosophie der Freiheit, die um die Frage kreist, wie uns die Blicke der Anderen gegen unseren Willen definieren. Geschlossene Gesellschaft ist auch ein Stück über die Ungewissheit, über das Eingeschlossen-Sein und die Isolation, über eine veränderte Wahrnehmung von Zeit, die sich in einer zur Ewigkeit gedehnten Gegenwart bleiern über die Menschen und Dinge legt. Insofern hat es wertvolles Wissen gespeichert, in dem wir uns im Rückblick auf die vergangenen Jahre überraschend wiederfinden.

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Inès, Estelle und Garcin haben nur Vermutungen darüber, warum sie miteinander ausgerechnet in dieser Hölle gelandet sind: ein Innenraum ohne Fenster und Spiegel. Turmhoch eingemauert, nur ab und an besucht von einem skurrilen Kellner. Ein Draußen? Gibt es hier nicht. Selbst die Augenlider sind erlahmt; der Ort droht mit durchgängigem Wachsein, ohne die erlösenden „schwarzen Blitze“ des Blinzelns. Warum sind gerade diese drei Menschen, die sich im Leben nie begegnet sind, hier zusammengepfercht worden? Welche Schuld hat sie hierhergeführt? Halten sie das Folterbesteck für die anderen bereits in den Händen, ohne es zu wissen?

Jean-Paul Sartres Klassiker des Existenzialismus, uraufgeführt 1944 in Paris unter der Herrschaft der Nationalsozialisten, ist nicht nur Schlüsselwerk zum Verständnis von Sartres Philosophie der Freiheit, die um die Frage kreist, wie uns die Blicke der Anderen gegen unseren Willen definieren. Geschlossene Gesellschaft ist auch ein Stück über die Ungewissheit, über das Eingeschlossen-Sein und die Isolation, über eine veränderte Wahrnehmung von Zeit, die sich in einer zur Ewigkeit gedehnten Gegenwart bleiern über die Menschen und Dinge legt. Insofern hat es wertvolles Wissen gespeichert, in dem wir uns im Rückblick auf die vergangenen Jahre überraschend wiederfinden.

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Zu keiner Zeit haben so viele Menschen allein gelebt, und nie war elementarer zu spüren, wie brutal das selbstbestimmte Leben in Einsamkeit umschlagen kann. Aber kann man überhaupt glücklich sein allein? Und warum wird in einer Gesellschaft von Individualisten das Alleinleben als schambehaftetes Scheitern wahrgenommen?
Im Rückgriff auf eigene Erfahrungen, philosophische und soziologische Ideen ergründet der Autor Daniel Schreiber das Spannungsverhältnis zwischen dem Wunsch nach Rückzug und Freiheit und dem nach Nähe, Liebe und Gemeinschaft. Dabei leuchtet er aus, welche Rolle Freundschaften in diesem Lebensmodell spielen: Können sie eine Antwort auf den Sinnverlust in einer krisenhaften Welt sein? Ein zutiefst erhellendes Buch über die Frage, wie wir leben wollen.

Im Anschluss an die Lesung diskutiert Daniel Schreiber mit der Journalistin und Theaterkritikerin Shirin Sojitrawalla. Sie arbeitet u.a. für den Deutschlandfunk, nachtkritik.de, taz, Frankfurter Hefte. Von 2016 bis 2020 war sie Jurorin des Berliner Theatertreffens. Seit Herbst 2021 gehört sie der Jury des Preises der Leipziger Buchmesse an. Auch den Lesungen von Katerina Poladjan und Daniel Schreiber schließen sich Gespräche mit Shirin Sojitrawalla an.

Hauschka ist einer der innovativsten deutschen Klangkünstler. Hinter dem Pseudonym, das nicht ohne Absicht wie ein anthroposophisches Kosmetiklabel klingt, verbirgt sich der Musiker Volker Bertelmann. Seit den 2000er Jahren agiert er in der Musikavantgarde, in der Popmusik, in den Medien und manchmal auch auf der Theaterbühne. Das Klavier betrachtet er als Experimentierfeld, dem man mit Kronkorken, Radiergummis oder Vibratoren die seltsamsten Töne entlocken kann. Hauschka hat zahlreiche Filmmusiken komponiert und u. a. mit Hilary Hahn und Avi Avital Einspielungen produziert.

Unter dem Label KAMMERBALLETTEN werden die Uraufführungen neuer Ballette im Opernhaus in Kopenhagen sowie bei internationalen Tourneeaufführungen präsentiert. KAMMERBALLETTEN wurde 2018 gegründet und ermöglicht seitdem die Kreation neuer Ballette durch eine Reihe international bekannter Choreograph*innen. In Ludwigshafen wird der Abend von Paul Lightfoot, Ella Rothschild und Juliano Nunes gestaltet.
Paul Lightfoot, der dem Nederlands Dans Theater jahrelang verbunden war und ist, hat mit Selvportræt ein intimes und persönliches Werk geschaffen, das von den Themen Leben, Liebe und Tod dominiert wird. Dabei hat er sich von den Moiren oder Moirai inspirieren lassen, die in der griechischen Mythologie eine Gruppe von Schicksalsgöttinnen darstellen. In der nachhomerischen Literatur treten die Moiren meist als Trias auf, ihre Namen sind Klotho (die Spinnerin), Lachesis (die Zuteilerin) und Atropos (die Unabwendbare). Von Geburt an sind die Göttinnen wie durch einen unsichtbaren Faden miteinander verbunden und ihr Schicksal ist dem sterblicher Existenzen vergleichbar. Lightfoot schafft in seiner Kreation eindrückliche tänzerische Momentaufnahmen, mit denen er dem menschlichen Dasein einen Spiegel vorhalten will, aufgerüttelt von dem Bewusstsein, dass wir zunehmend ein Leben in Einsamkeit zu führen, und angestoßen von dem Gefühl des Irrealen. In seinem Stück setzt sich Lightfoot mit der Vergänglichkeit des Menschen auseinander, mit unserer Sehnsucht, uns über alle Distanz hinweg miteinander zu verbinden, und mit der Schönheit und Größe unserer Seele, die dann über sich hinauswächst, sobald wir unser eigenes Ego über Bord geworfen haben.
Das neue Werk der israelischen Choreographin Ella Rothschild wird erst am 12. August am Royal Danish Opera House Premiere haben. Sie entwickelt es zusammen mit Maria Kochetkova und Sebastian Kloborg, die beide in den letzten zehn Jahren weltweit auf großen Bühnen tanzten. Maria Kochetkova ist überdies Primaballerina bei führenden Ballettcompagnien und wurde mit dem Benoit de la Danse ausgezeichnet. Die Musik – Werke von Schubert und Schnittke – wird live von dem Cellisten Jacob la Cour und dem Pianisten Alexander McKenzie gespielt.
Ebenfalls am 12. August hat das neue Stück des brasilianischen Choreographen Juliano Nunes Premiere, es tanzen Astrid Elbo, Toon Lobach, Sebastian Haynes und Eve-Marie Dalcourt. Juliano Nunes Arbeiten sind von der Presse hochgelobt und werden von namhaften Compagnien weltweit aufgeführt. Die Musik komponiert Alexander McKenzie für Piano, Violine und Cello.

Hier finden Sie einen Trailer zu SELVPORTRÆT von Paul Lightfoot!

Unter dem Label KAMMERBALLETTEN werden die Uraufführungen neuer Ballette im Opernhaus in Kopenhagen sowie bei internationalen Tourneeaufführungen präsentiert. KAMMERBALLETTEN wurde 2018 gegründet und ermöglicht seitdem die Kreation neuer Ballette durch eine Reihe international bekannter Choreograph*innen. In Ludwigshafen wird der Abend von Paul Lightfoot, Ella Rothschild und Juliano Nunes gestaltet.
Paul Lightfoot, der dem Nederlands Dans Theater jahrelang verbunden war und ist, hat mit Selvportræt ein intimes und persönliches Werk geschaffen, das von den Themen Leben, Liebe und Tod dominiert wird. Dabei hat er sich von den Moiren oder Moirai inspirieren lassen, die in der griechischen Mythologie eine Gruppe von Schicksalsgöttinnen darstellen. In der nachhomerischen Literatur treten die Moiren meist als Trias auf, ihre Namen sind Klotho (die Spinnerin), Lachesis (die Zuteilerin) und Atropos (die Unabwendbare). Von Geburt an sind die Göttinnen wie durch einen unsichtbaren Faden miteinander verbunden und ihr Schicksal ist dem sterblicher Existenzen vergleichbar. Lightfoot schafft in seiner Kreation eindrückliche tänzerische Momentaufnahmen, mit denen er dem menschlichen Dasein einen Spiegel vorhalten will, aufgerüttelt von dem Bewusstsein, dass wir zunehmend ein Leben in Einsamkeit zu führen, und angestoßen von dem Gefühl des Irrealen. In seinem Stück setzt sich Lightfoot mit der Vergänglichkeit des Menschen auseinander, mit unserer Sehnsucht, uns über alle Distanz hinweg miteinander zu verbinden, und mit der Schönheit und Größe unserer Seele, die dann über sich hinauswächst, sobald wir unser eigenes Ego über Bord geworfen haben.
Das neue Werk der israelischen Choreographin Ella Rothschild wird erst am 12. August am Royal Danish Opera House Premiere haben. Sie entwickelt es zusammen mit Maria Kochetkova und Sebastian Kloborg, die beide in den letzten zehn Jahren weltweit auf großen Bühnen tanzten. Maria Kochetkova ist überdies Primaballerina bei führenden Ballettcompagnien und wurde mit dem Benoit de la Danse ausgezeichnet. Die Musik – Werke von Schubert und Schnittke – wird live von dem Cellisten Jacob la Cour und dem Pianisten Alexander McKenzie gespielt.
Ebenfalls am 12. August hat das neue Stück des brasilianischen Choreographen Juliano Nunes Premiere, es tanzen Astrid Elbo, Toon Lobach, Sebastian Haynes und Eve-Marie Dalcourt. Juliano Nunes Arbeiten sind von der Presse hochgelobt und werden von namhaften Compagnien weltweit aufgeführt. Die Musik komponiert Alexander McKenzie für Piano, Violine und Cello.

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Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland Pfalz

2. Philharmonisches Konzert „Freunde“

WEITERE INFOS FOLGEN

Gemeinsam mit einem generations- und spartenübergreifenden Ensemble begibt sich Florentina Holzinger auf eine Reise quer durch die Tanzgeschichte und untersucht die ästhetische und kulturelle Verknüpfung von Tod und Weiblichkeit. Dante Alighieris Göttliche Komödie ist Ausgangspunkt dieser Höllenfahrt. Inspiriert von dessen drastischer Beschreibung menschlicher Qualen setzen sich ihre Performerinnen lustvoll den krassesten physischen Erfahrungen aus.
Im Zentrum steht die Reflexion der 80jährigen Tänzerin Beatrice Cordua über ihr Leben und ihre Karriere. Unter ihrer zärtlich-strengen Anleitung begeben sich die Darstellerinnen in die Situation von Casting, Tanzunterricht und Training. Dabei begegnen sie dem Sujet des mittelalterlichen Totentanzes und nehmen ihn als Anlass, um ihre eigene Realität in Bezug auf Geschlecht, Altern, Sexualität und Tod zu erforschen. In einer opernhaften Feier von Leben und Tod verbinden sich Musik und Tanz als Kunstpraktiken mit dem Ziel der Transzendenz.
Holzingers Bühne verwandelt sich in einen theatralen Anatomiesaal, in dem die nackte Materialität des Seins zum Untersuchungsobjekt wird. Das Leben als Tanz auf der Klinge, als Selbsterkundungstrip und Vorbereitung auf das eigene Ende: Training, Selbstoptimierung, Streben nach Schönheit und Gesundheit sollen über die eigene Endlichkeit hinwegtäuschen und die Realität des Todes verdrängen, während wir ihm mit jeder Sekunde näher rücken.

Die Choreographin und Tänzerin Florentina Holzinger spielt in ihren Arbeiten bewusst mit der Grenzverschiebung zwischen Hochkultur und Entertainment. Ihre weiblichen Ensembles entstammen den unterschiedlichen Genres: dem Tanz, dem Sport, der Musik, der Artistik, der Clubkultur. Holzingers provokative Inszenierung Tanz wurde 2020 zum Berliner Theatertreffen eingeladen und war bei den Festspielen Ludwigshafen 2021 zu sehen. Auch A Divine Comedy provoziert mit expliziten Mitteln.

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Dancing Devils of Djibouti heißt das neueste Album der Gruppe RTD, dem Kürzel für Radiodiffusion-Télévision Djibouti. Die Musik der Republik Dschibuti, früher französisch Somaliland, steht im Schatten der gefeierten Somalischen Musik. Erst 2016 wurde eine Initiative ins Leben gerufen, diese Musikrichtung bekannter zu machen. In dieser Zeit stand in den Aufnahmestudios von RTD eine außerhalb des Landes vollkommen unbekannte Weltklasseband bereit, deren Lieder eine sehr lebendige Wiedergeburt längst vergangener Klänge zu sein scheint. Komponiert von sensationellen jungen Talenten in der Tradition der alten Meister, spiegeln diese Musiker die Kultur ihres Heimatlandes auf faszinierende Weise wider. Bis heute spielen sie bei nationalen Events und Veranstaltungen des Präsidenten zur Begrüßung ausländischer Würdenträger. So bietet das Konzert die Gelegenheit, die bisher unbekannte Musik aus Dschibuti kennenzulernen, dargeboten von unbestrittenen Virtuosen des Landes.

Ein Zimmer für sich allein, das haben sich während des Lockdowns viele Menschen (insbesondere berufstätige Mütter) sehnlichst gewünscht. Der Gendergerechtigkeit hat die Corona-Pandemie nicht gedient. Die soziale Schere hat sich noch weiter geöffnet, der Markt wird härter, besonders auch für Frauen und freie Künstler*innen. Virginia Woolfs Essay A Room of One’s Own von 1929 ist von luzider Frische und analysiert auf humorvolle Weise, warum Gleichberechtigung und weibliche Kreativität stark an finanzielle und damit auch an räumliche Unabhängigkeit gebunden ist.
Mit einer feministischen Performance thematisieren drei Künstlerinnen die Wichtigkeit einer Stimmfindung, im großen Sinne: die Findung und Maßgeblichkeit der Selbstbestimmtheit, die dazu führt, Courage zu haben – für sich einzustehen, sich laut machen zu können und somit gehört zu werden. Die ausgewählten Texte sind pointiert, treibend, klar, zeitlos. Sie fordern Platz, um denken und erschaffen zu können. In Kombination mit der Musik werden die weiblichen Manifeste laut, außergewöhnliche Frauen bekommen eine Stimme, damit sie nicht ungehört bleiben, damit sie nicht verschwinden. Die Musik-Theater-Tanz-Performance spielt mit dem Versuch, die Texte emotional spürbar zu machen, ihnen eine neue Ebene zu geben. In einer inszenierten Klangwelt wechseln Gefühlvolles, Absurdes, Sprödes, Echtes, Lautes und Stilles. Es entsteht eine faszinierende Symbiose von Stimme, Lesung, Schauspiel, Musik und Tanz.

JUDITH ROSMAIR arbeitet frei in den Bereichen Theater, Film, TV, Hörspiel und Oper, in Deutschland und auf internationalen Festivals. Zuvor war sie Ensemblemitglied am Schauspielhaus Bochum, am Thalia Theater Hamburg und an der Schaubühne Berlin. 2007 wurde Judith Rosmair von der Fachzeitschrift Theater heute als ‚Schauspielerin des Jahres’ ausgezeichnet.

Die Komponistin, Sängerin und Musikerin ANNA BAUER ist durch Kollaborationen mit Antu Romero Nunes, Armin Petras, Johanna Witt und Jette Steckel u.a. am Thalia Theater Hamburg, Schauspielhaus Zürich, Schauspielhaus Bochum, Theater Basel und am Schauspielhaus Düsseldorf präsent. Sie komponiert und textet Stückmusiken und Songs und tritt als Bühnenmusikerin auf.

ANNA FINGERHUTH ist Tänzerin und Choreographin. Mit sieben Jahren begann sie ihre Tanzausbildung am Ballettzentrum Hamburg John Neumeier und studierte später an der Palucca Hochschule für Tanz. U. a. arbeitete sie mit Künstler* innen wie Ismail Ivo, Robyn Orlin, Jacopo Godani und Wayne McGregor, Kathrín Hall und Antje Pfundner zusammen.

Als Britney Spears kurz vor der Jahrtausendwende die Bühne betritt, gilt sie als Inbegriff Pop-gewordener Unschuld: schön, prinzessinnenhaft, harmlos. Mickey Mouse Club, Justin Timberlake, Schulmädchenuniform, schließlich roter Latex, Goldene Platten, Grammy, Heirat. Aber dann: der 6. Februar 2007. Britney Spears rasiert sich öffentlich die Haare ab. „Breakdown“, „Absturz“, „das Ende“ heißt es in den Medien. Der Ausbruch hatte zur Folge, dass sie 13 Jahre lang unter der Vormundschaft und absoluten Kontrolle ihres Vaters stand. Britney Spears’ Ausbruchsversuch wurde von Presse und Publikum, durstig nach Sensation und nach Leid, als nachvollziehbares Ende beschlossen und manifestiert. Aber was, wenn nicht? Was, wenn diese Aktion kein Kurzschluss, kein Hilfeschrei, kein psychischer Tiefpunkt war? Warum wurde dieser Moment nie als Statement, als Versuch der Emanzipation gelesen? Also was, wenn es damals nicht ums Überleben ging, sondern darum, dass eine 26-jährige Frau keine andere Möglichkeit sah, um aus einer fremdbestimmten und konstruierten Identität auszubrechen?

In It’s Britney, Bitch! setzen sich die Regisseurin Lena Brasch und die Schauspielerin Sina Martens mit der Erfolgs- und Lebensgeschichte von Britney Spears und ihrer Wirkung als Pop-Ikone auseinander. Dafür haben neben Lena Brasch die Autor*innen Laura Dabelstein, Miriam Davoudvandi und Fikri Anıl Altıntaş Texte für das Projekt verfasst. Zusammen mit weiteren Texten und der Musik von Friederike Bernhardt entstand mosaikhaft ein musikalisch-erzählerischer Abend. Ein Abend über unglückliche Liebe und Abhängigkeit, über Wahrheit und Wahrhaftigkeit im Pop, über Frauen auf der Bühne, über Väter und Töchter und über die Britney in uns allen. It’s Britney, Bitch! ist eine Liebeserklärung an eine Frau, die mehr ist als nur ein freundlicher Dur-Akkord in der Geschichte des Pop.

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Als Britney Spears kurz vor der Jahrtausendwende die Bühne betritt, gilt sie als Inbegriff Pop-gewordener Unschuld: schön, prinzessinnenhaft, harmlos. Mickey Mouse Club, Justin Timberlake, Schulmädchenuniform, schließlich roter Latex, Goldene Platten, Grammy, Heirat. Aber dann: der 6. Februar 2007. Britney Spears rasiert sich öffentlich die Haare ab. „Breakdown“, „Absturz“, „das Ende“ heißt es in den Medien. Der Ausbruch hatte zur Folge, dass sie 13 Jahre lang unter der Vormundschaft und absoluten Kontrolle ihres Vaters stand. Britney Spears’ Ausbruchsversuch wurde von Presse und Publikum, durstig nach Sensation und nach Leid, als nachvollziehbares Ende beschlossen und manifestiert. Aber was, wenn nicht? Was, wenn diese Aktion kein Kurzschluss, kein Hilfeschrei, kein psychischer Tiefpunkt war? Warum wurde dieser Moment nie als Statement, als Versuch der Emanzipation gelesen? Also was, wenn es damals nicht ums Überleben ging, sondern darum, dass eine 26-jährige Frau keine andere Möglichkeit sah, um aus einer fremdbestimmten und konstruierten Identität auszubrechen?

In It’s Britney, Bitch! setzen sich die Regisseurin Lena Brasch und die Schauspielerin Sina Martens mit der Erfolgs- und Lebensgeschichte von Britney Spears und ihrer Wirkung als Pop-Ikone auseinander. Dafür haben neben Lena Brasch die Autor*innen Laura Dabelstein, Miriam Davoudvandi und Fikri Anıl Altıntaş Texte für das Projekt verfasst. Zusammen mit weiteren Texten und der Musik von Friederike Bernhardt entstand mosaikhaft ein musikalisch-erzählerischer Abend. Ein Abend über unglückliche Liebe und Abhängigkeit, über Wahrheit und Wahrhaftigkeit im Pop, über Frauen auf der Bühne, über Väter und Töchter und über die Britney in uns allen. It’s Britney, Bitch! ist eine Liebeserklärung an eine Frau, die mehr ist als nur ein freundlicher Dur-Akkord in der Geschichte des Pop.

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Masha Qrella, international erfolgreiche Berliner Musikerin mit unverkennbar zauberhaftem Gesang, beschloss nach der Lektüre des Romans Ab jetzt ist Ruhe, aus den Gedichten des Schriftstellers, Dramatikers und Regisseurs Thomas Brasch Popsongs in dem für sie so typischen Indie-Pop-Sound zwischen New Wave, Electronic und Postrock zu machen. Woanders handelt von Utopien, nicht zuletzt aber auch von Tristesse, Depression und grauem Alltag. Davon, nicht so einfach aus der eigenen Haut zu können. Woanders ruft uns allen in Erinnerung, was für ein großer Lyriker Thomas Brasch war, und es zeigt zugleich, welch tolle Musikerin Masha Qrella ist. Bei den Festspielen Ludwigshafen ist sie nun live zu hören.

Nach zwölf Jahren kehrt ein junger Mann zu seiner Familie zurück. Zwölf Jahre hat er nichts von sich hören lassen, ist in der Zwischenzeit zu einem erfolgreichen Großstadtkünstler geworden und hat sich in Herz und Kopf weit von seiner immer noch in der Kleinstadt lebenden Familie entfernt. Ob Begegnung möglich ist; ob Jahre der Kontaktlosigkeit das Urteil übereinander mildern oder härter machen; ob die gemeinsam verbrachten Jahre schwerer wiegen als die Jahre der Entfernung voneinander – gemeinsam mit Maja Beckmann, Nils Kahnwald, Ulrike Krumbiegel, Benjamin Lillie und Wiebke Mollenhauer begibt sich Regisseur Christopher Rüping hinein in das Drama Familie.
Einfach das Ende der Welt wurde 1999, vier Jahre nach dem Tod seines Autors Jean-Luc Lagarce, der wie sein Protagonist an Aids erkrankt war, in Paris uraufgeführt. Das Stück gehörte in Frankreich lange zur Schullektüre, die starbesetzte Verfilmung von Xavier Dolan wurde 2016 mit dem Großen Preis der Jury in Cannes ausgezeichnet. Christopher Rüpings unter den schwierigen Produktionsbedingungen der Corona-Pandemie entstandene Züricher Inszenierung wurde zum 58. Berliner Theatertreffen eingeladen und erhielt den Nestroy-Preis für die beste deutschsprachige Aufführung 2021. Sie wurde außerdem in der Kritikerumfrage der Zeitschrift Theater heute zur Inszenierung des Jahres 2021 gewählt, die beiden Darsteller Benjamin Lillie und Maja Beckmann zu Schauspieler und Schauspielerin des Jahres.

„In Zürich gelingt dem Heimkehrer, was ihm sowohl Lagarce als auch Dolan versagen: Er findet den Mut und den Moment, seiner Familie zu erzählen, dass er todkrank ist. Doch das Ansinnen stößt auf Ablehnung. ‚Es gibt kein Recht auf Versöhnung.‘ Das ist der Kulminationspunkt eines Abends, in dem sich die Schauspieler – höflich und abwartend zunächst, dann immer unerbittlicher und gnadenloser und darstellerisch durchweg großartig – die alten und die neuen Erwartungen und Enttäuschungen um die Ohren hauen.“ nachtkritik

Nach zwölf Jahren kehrt ein junger Mann zu seiner Familie zurück. Zwölf Jahre hat er nichts von sich hören lassen, ist in der Zwischenzeit zu einem erfolgreichen Großstadtkünstler geworden und hat sich in Herz und Kopf weit von seiner immer noch in der Kleinstadt lebenden Familie entfernt. Ob Begegnung möglich ist; ob Jahre der Kontaktlosigkeit das Urteil übereinander mildern oder härter machen; ob die gemeinsam verbrachten Jahre schwerer wiegen als die Jahre der Entfernung voneinander – gemeinsam mit Maja Beckmann, Nils Kahnwald, Ulrike Krumbiegel, Benjamin Lillie und Wiebke Mollenhauer begibt sich Regisseur Christopher Rüping hinein in das Drama Familie.
Einfach das Ende der Welt wurde 1999, vier Jahre nach dem Tod seines Autors Jean-Luc Lagarce, der wie sein Protagonist an Aids erkrankt war, in Paris uraufgeführt. Das Stück gehörte in Frankreich lange zur Schullektüre, die starbesetzte Verfilmung von Xavier Dolan wurde 2016 mit dem Großen Preis der Jury in Cannes ausgezeichnet. Christopher Rüpings unter den schwierigen Produktionsbedingungen der Corona-Pandemie entstandene Züricher Inszenierung wurde zum 58. Berliner Theatertreffen eingeladen und erhielt den Nestroy-Preis für die beste deutschsprachige Aufführung 2021. Sie wurde außerdem in der Kritikerumfrage der Zeitschrift Theater heute zur Inszenierung des Jahres 2021 gewählt, die beiden Darsteller Benjamin Lillie und Maja Beckmann zu Schauspieler und Schauspielerin des Jahres.

„In Zürich gelingt dem Heimkehrer, was ihm sowohl Lagarce als auch Dolan versagen: Er findet den Mut und den Moment, seiner Familie zu erzählen, dass er todkrank ist. Doch das Ansinnen stößt auf Ablehnung. ‚Es gibt kein Recht auf Versöhnung.‘ Das ist der Kulminationspunkt eines Abends, in dem sich die Schauspieler – höflich und abwartend zunächst, dann immer unerbittlicher und gnadenloser und darstellerisch durchweg großartig – die alten und die neuen Erwartungen und Enttäuschungen um die Ohren hauen.“ nachtkritik

Endlich live – Woozle Gooozle kommt mit einem waschechten Woozical auf große Tournee durch Deutschlands Stadthallen und Theater!

Woozle will dem kleinen Mädchen Leonie helfen, weil ihre Erfindung für den großen Kindererfinderwettbewerb kaputt gegangen ist. Um alles rückgängig machen zu können, lädt er sie zu einer kurzen Zeitreise ein. Doch es verschlägt die beiden versehentlich viel, viel weiter zurück und so beginnt eine wilde Reise durch verschiedenste Epochen unserer Zeitgeschichte. In dieser aufregenden Mischung aus Schauspiel, Tanz und Musik gibt es natürlich viel zu erleben, zu lernen und zu lachen.
“Woozle Goozle – Das Woozical” von Jan Radermacher und Timo Riegelsberger – ein Musical mit witzigen Figuren, tollen Songs, einer verspielten Inszenierung und einem ausgefuchsten Bühnenbild.
Fakten zu Woozle Goozle „Woozle Goozle“ ist ein deutsches Wissensmagazin für Kinder, das seit 2013 auf Super RTL
im Programmblock Toggo ausgestrahlt wird. Moderiert wird die Fernseh-Serie von Simón Albers und einer blauen Klappmaulpuppe
namens Woozle, gespielt von Martin Reinl. Das Theater Lichtermeer bringt den aus Toggolino bekannten, blauen Helden nun exklusiv auf die Bühne.

Seit einiger Zeit scheint die Welt aus den Fugen. Schon die Corona-Pandemie stellte manche Gewissheit in Frage, jetzt tobt ein Krieg auf europäischem Territorium. Dazu die massiven Auswirkungen der Klimakrise, die sich inzwischen auch in unserer Region deutlich bemerkbar machen. Das Wort der Zeitenwende kursiert – Bundeskanzler Olaf Scholz gebrauchte es im Februar angesichts des russischen Angriffs auf die Ukraine, aber es gibt auch der allgemeinen gesellschaftlichen Verunsicherung einen Namen.
Wie kann die Kultur auf derart einschneidende Veränderungen reagieren? Im Umbruch ist unser Land schon seit Längerem; soziale und politische Strukturen stehen zur Debatte, es wird um Gendergerechtigkeit gerungen, die Frage nach Identität und Repräsentation wird vehementer gestellt als je zuvor. Auch in der Kultur erzeugen solche Diskussionen Reibung, auch hier steht in Frage, was bisher als Common Sense galt. Frank Pommer, Ressortleiter Kultur und Gesellschaft der Rheinpfalz, befragt Expert*innen aus Kunst und Medien nach einer neuen, angemessenen Verortung der Künste in Zeiten der Wende und des Wandels.

Kontrapunkte bringt mit Anne Teresa De Keersmaeker, Merce Cunningham und Hans van Manen drei wegweisende Choreograph*innen an einem Abend auf die Bühne – getanzt vom Wiener Staatsballett.
Die bedeutende belgische Tanzkünstlerin Anne Teresa De Keersmaeker ließ sich 1992 von der freien Kontrapunktik in Ludwig van Beethovens Streichquartett op. 133 zu ihrer Choreographie Große Fuge inspirieren. Dem Wiener Staatsballett vertraute sie mit der Neueinstudierung dieses Signatur-Stücks erstmals eine ihrer Choreographien an, ein Werk, in welchem die Suche nach einem männlichen Bewegungsvokabular auf atemberaubende Weise die Gesetze der Schwerkraft in Frage stellt.
Der amerikanische Visionär Merce Cunningham, der einst mit seinen Experimenten die Tanzwelt aufrüttelte, zählt heute längst zu den Klassikern. In seinen Duets von 1979/80 lässt er zwölf Tänzerinnen und Tänzer die Möglichkeiten des Paartanzens ausreizen und kontrapunktiert seine eigene Bewegungssprache auf hinreißend witzige Weise mit typischen Formen des Balletts.
Ein Klassiker der Moderne ist der 2022 seinen 90. Geburtstag feiernde Niederländer Hans van Manen. In seinen 1975 für das Royal Ballet London zu Robert Schumanns Streichquartett A-Dur op. 41 Nr. 3 kreierten Four Schumann Pieces werden wir Zeugen der emotionalen Zustände eines Mannes, seiner Wünsche, Ängste und Leidenschaften, die immer wieder durchkreuzt werden durch eine Gruppe von fünf Paaren – wie Imaginationen aus einer anderen Welt.

Das Wiener Staatsballett zählt zu den traditionsreichsten und renommiertesten Tanzinstitutionen der Welt. Auf seinen beiden Heimatbühnen – der Wiener Staatsoper und der Volksoper Wien – sowie auf internationalen Gastspielen zeigt das seit 2020/21 von Martin Schläpfer geleitete Ensemble ein reiches Repertoire. Nicht nur die abendfüllenden Klassiker der Romantik sind regelmäßig mit dem Wiener Staatsballett zu erleben, sondern auch die stilprägenden Meisterwerke des 20. und 21. Jahrhunderts sowie zahlreiche Uraufführungen.

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Zu den größten Stärken der Musikerin Nora Buschmanns gehört es, in die Musik eines Landes einzutauchen und sie mit ihrer großartigen Virtuosität und spielerischem Einfühlungsvermögen zu interpretieren. Für ihr neues Programm Cancion y Danza hat die vielfach ausgezeichnete Gitarristin eine repräsentative Auswahl spanischer und lateinamerikanischer Gitarrenmusik getroffen.
Dicht und intensiv, elegant und kultiviert, nuancenreich und von beeindruckender Dynamik, mit einem Klangbild, das seinesgleichen sucht, wird sie nicht nur die Freunde klassischer, südamerikanischer Musik begeistern.
Der Abend verspricht eine faszinierende Reise durch verschiedene Kulturen der sechs Saiten einer Gitarre, die von Spanien nach Südamerika kam und sich dort sehr eigenwillig weiterentwickelte.

Zu den größten Stärken der Musikerin Nora Buschmanns gehört es, in die Musik eines Landes einzutauchen und sie mit ihrer großartigen Virtuosität und spielerischem Einfühlungsvermögen zu interpretieren. Für ihr neues Programm Cancion y Danza hat die vielfach ausgezeichnete Gitarristin eine repräsentative Auswahl spanischer und lateinamerikanischer Gitarrenmusik getroffen.
Dicht und intensiv, elegant und kultiviert, nuancenreich und von beeindruckender Dynamik, mit einem Klangbild, das seinesgleichen sucht, wird sie nicht nur die Freunde klassischer, südamerikanischer Musik begeistern.
Der Abend verspricht eine faszinierende Reise durch verschiedene Kulturen der sechs Saiten einer Gitarre, die von Spanien nach Südamerika kam und sich dort sehr eigenwillig weiterentwickelte.

Kontrapunkte bringt mit Anne Teresa De Keersmaeker, Merce Cunningham und Hans van Manen drei wegweisende Choreograph*innen an einem Abend auf die Bühne – getanzt vom Wiener Staatsballett.
Die bedeutende belgische Tanzkünstlerin Anne Teresa De Keersmaeker ließ sich 1992 von der freien Kontrapunktik in Ludwig van Beethovens Streichquartett op. 133 zu ihrer Choreographie Große Fuge inspirieren. Dem Wiener Staatsballett vertraute sie mit der Neueinstudierung dieses Signatur-Stücks erstmals eine ihrer Choreographien an, ein Werk, in welchem die Suche nach einem männlichen Bewegungsvokabular auf atemberaubende Weise die Gesetze der Schwerkraft in Frage stellt.
Der amerikanische Visionär Merce Cunningham, der einst mit seinen Experimenten die Tanzwelt aufrüttelte, zählt heute längst zu den Klassikern. In seinen Duets von 1979/80 lässt er zwölf Tänzerinnen und Tänzer die Möglichkeiten des Paartanzens ausreizen und kontrapunktiert seine eigene Bewegungssprache auf hinreißend witzige Weise mit typischen Formen des Balletts.
Ein Klassiker der Moderne ist der 2022 seinen 90. Geburtstag feiernde Niederländer Hans van Manen. In seinen 1975 für das Royal Ballet London zu Robert Schumanns Streichquartett A-Dur op. 41 Nr. 3 kreierten Four Schumann Pieces werden wir Zeugen der emotionalen Zustände eines Mannes, seiner Wünsche, Ängste und Leidenschaften, die immer wieder durchkreuzt werden durch eine Gruppe von fünf Paaren – wie Imaginationen aus einer anderen Welt.

Das Wiener Staatsballett zählt zu den traditionsreichsten und renommiertesten Tanzinstitutionen der Welt. Auf seinen beiden Heimatbühnen – der Wiener Staatsoper und der Volksoper Wien – sowie auf internationalen Gastspielen zeigt das seit 2020/21 von Martin Schläpfer geleitete Ensemble ein reiches Repertoire. Nicht nur die abendfüllenden Klassiker der Romantik sind regelmäßig mit dem Wiener Staatsballett zu erleben, sondern auch die stilprägenden Meisterwerke des 20. und 21. Jahrhunderts sowie zahlreiche Uraufführungen.

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WEITERE INFOS FOLGEN

Juni 1952, die kleine Annie ist 12 Jahre alt. Eines Sonntagnachmittags geschieht etwas Entsetzliches – ohnmächtig muss sie miterleben, wie der Vater die Mutter umzubringen versucht. Nach kurzer Zeit beruhigt sich der Vater, und Annie versucht, den Eklat zu vergessen. Bis sie, nahezu ein halbes Jahrhundert später, auf ein altes Foto stößt, das eine Flut von Erinnerungen auslöst. Aber was genau ist damals geschehen? Und wie ist es dazu gekommen?
Je tiefer Annie in dieses entscheidende Jahr eintaucht, umso deutlicher wird ihr die Spannung, in der die Eltern lebten, zwischen dem Wunsch nach sozialem Aufstieg und dem demütigenden Rückfall in die alten Verhältnisse. Und auch Annies Zerrissenheit gewinnt an Kontur, ihr immer wieder schmerzhaftes Bemühen, dem Einfluss ihrer religiösen Erziehung zu entrinnen und der bohrenden Sehnsucht nach Aufbruch und einem besseren Leben zu folgen.
Scham ist das beharrliche Gefühl der eigenen Unwürdigkeit. Annie Ernaux seziert es an sich selbst, indem sie weit zurückschwingt in eine eigentlich unfassbare Episode ihrer Kindheit und in eine Vergangenheit, die nicht vergehen will.

Caroline Peters ist eine der gefragtesten Film- und Theaterschauspielerinnen im deutschsprachigen Raum. Neben ihrem Engagement am Wiener Burgtheater arbeitet sie regelmäßig an zahlreichen Schauspielhäusern mit Regisseuren, die das Theater der Gegenwart prägen. Caroline Peters spielte in zahlreichen Film- und Fernsehproduktionen (etwa in der ARD-Serie Mord mit Aussicht) und wurde vielfach ausgezeichnet, unter anderem mit dem Adolf-Grimme-Preis 2007, dem Ulrich-Wildgruber-Preis 2012 sowie dem Bayerischen Fernsehpreis 2013. 2016 und 2018 wurde sie von der Zeitschrift Theater heute zur Schauspielerin des Jahres gewählt. Zuletzt war Caroline Peters als Medea in der Inszenierung von Simon Stone auf den Pfalzbau Bühnen zu sehen.

Bei den letzten Festspielen wurden Kader Attou und seine Compagnie Accrorap mit ihrem Stück The Roots in unserem Theater stürmisch gefeiert. Nun kommt die Gruppe, die den Hip-Hop von der Straße ins Theater geholt und damit auf ein ganz neues künstlerisches Niveau gehoben hat, mit ihrer neuen Produktion Les Autres wieder nach Ludwigshafen.
In seinem Stück präsentiert sich das Ensemble von einer ungewöhnlichen Seite: zu sehen ist märchenhaft-verträumtes Bildertheater, in dem viele sehr unterschiedliche Einflüsse einen faszinierenden Mix ergeben. Hier fließen raue Breakdance-Elemente und klassische Ballettposen zusammen, orientalische Klänge mischen sich mit Popsongs und schrillen Passagen, und surrealistische Szenen, in denen kopflose Männer und Frauen als Lampenschirmständer erscheinen, lassen an Filme wie Tim Burtons Charlie und die Schokoladenfabrik denken.
Die Idee zu seiner Choreographie entwickelte Attou ausgehend von der Musik, genauer aus seiner Begegnung mit zwei sehr ungewöhnlichen Musikern heraus, die ebenfalls auf der Bühne agieren. Der Multi-Instrumentalist und Schlagzeuger Loup Barrow, der immer auf der Suche nach neuen Klängen ist, hat das Cristal Baschet wiederentdeckt, ein selten gespieltes historisches Instrument. Dessen Tastatur besteht aus Glassaiten, die er mit feuchten Fingern zum Klingen bringt und so einen sphärischen Vibrationsklang erzeugt. Der Cellist und Ingenieur Grégoire Blanc spielt die Theremin, ein geheimnisvolles elektronisches Instrument, das mit wellenförmigen Handbewegungen innerhalb eines elektromagnetischen Feldes gespielt wird, ohne dass der Musiker es dabei berührt. Es klingt wie eine unsichtbare Violine, aus der Vibratos und strahlende Melodien von außerordentlicher Reinheit hervorgehen. So ist die Aufführung durch sphärische, unwirkliche Klänge untermalt, die den poetischen Charakter des Stückes unterstreichen.
Die sechs Tänzerinnen und Tänzer agieren zwischen Hip-Hop und Contemporary Dance auf großen Podesten, die sie immer wieder zu neuen Formationen anordnen und auf denen sie ihre Battles abhalten. Hinter einem milchigen Gazevorhang entwickeln die Dinge ein gespenstisches Eigenleben und entführen in surreale eigentümliche Zwischenräume. So entsteht ein barockes, intensives, immer wieder überraschendes Bühnenerlebnis, das uns zum Nachdenken über unsere Handlungen und Gefühle anregt. Bei der Premiere gab es jedenfalls stehende Ovationen.

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Neid, Habsucht, Völlerei, Zorn, Wollust, Trägheit, Hochmut…. Sieben Vergehen sind es, die im Katechismus als die schlimmsten, die nicht zu vergebenden Sünden gelten. In der Kunst haben sie von Renaissance-Malern bis zum Hollywoodfilm sämtliche Genres inspiriert, 2022 lässt Eric Gauthier sie auf sieben verschiedene Arten tanzen. Er folgt dabei dem Vorbild des „Cadavre Exquis“, einem Spiel der Surrealisten, bei dem mehrere Künstler auf einem gefalteten Blatt eine surreale Zeichnung oder einen Satz zusammensetzen, ohne von den Inhalten der anderen zu wissen. Gauthier vereint für seine kollektive Collage die Crème de la Crème der internationalen Choreographie: Aszure Barton, Sidi Larbi Cherkaoui, Sharon Eyal & Gai Behar, Marco Goecke, Marcos Morau, Hofesh Shechter und Sasha Waltz kreieren jeweils ein Tanzstück. Ohne dass eine(r) von der Arbeit der anderen Kenntnis hat, setzt sich so ein Mosaik aus Bildern zum großen, metaphernreichen Tableau zusammen.
Jede(r) dieser sieben Künstler*innen wird im Stuttgarter Theaterhaus eine der Todsünden in Bewegung porträtieren – dunkel oder grell, minimalistisch oder bilderstürmend, vom Tanztheater über Performance bis zum modernen Ballett. Vielleicht zur gleichnamigen Ballettmusik von Kurt Weill und den provokativen Texten von Bertolt Brecht, wahrscheinlich zu anderen sündhaften Klängen; darüber entscheiden alleine die Künstler*innen, deren Schaffen sich durch eine jeweils große, theatralische Bildkraft auszeichnet. Verwirklichen werden sie ihre Versionen mit bis zu sieben Tänzern von Gauthier Dance.
Im Tanz erfahren wir, was diese alten biblischen Schlagworte heute noch bedeuten. Im Grunde genommen werden wir doch täglich mit Sünden wie Zorn und Hochmut konfrontiert. Habsucht scheint heute gesellschaftlich geradezu etabliert und zum Motor des Wirtschaftslebens geworden zu sein. Insofern ist es nicht allzu gewagt zu behaupten, dass die damaligen Todsünden als psychosoziale Kräfte unsere moderne Weltordnung prägen. So unterschiedlich die persönlichen Idiome der Choreographinnen und Choreographen aussehen, so verschieden ist auch ihre Ästhetik, ihre Motivation: politisch, philosophisch, feministisch oder psychologisch. In jedem Falle aber: heftig bewegt.

Ein Mann mittleren Alters mietet sich in einem Co-Working-Space ein. Er will endlich vorankommen. Womit ist noch unklar, doch er spürt, es geht ums Ganze. So scheint es allen in diesem kargen wie fantastischen Großraumbüro zu gehen. Flexible Selbstoptimierer*innen, erfahrene Förderantragsschreiber, sprachlose Call-Center-Agenten, wortgewandte Prokrastinierer und andere frei flottierende Büroexistenzen – sie alle haben viel vor und stehen doch die meiste Zeit im Pausenraum und trinken Kaffee, viel Kaffee. Denn es gilt: kein Kapitalismus ohne Kaffee.

Nichts ist sicher vor PeterLicht. Mit hintergründigem Humor erschafft das Allroundtalent herrlich respektlose Musik, Literatur und Dramatik. So hat er zum Beispiel dem Theater drei großartige Molière-Überschreibungen geschenkt, die tief in die Abgründe unserer Zeit blicken lassen. PeterLicht bewegt sich mit seiner Arbeit zwischen den Polen Text, Musik, Pop, Kunst, soziale Skulptur, Kapitalismus und Schnäppchenmarkt, „wobei am Ende was rauskommen soll, was vielleicht schön ist“. Sein Debütroman Ja okay, aber ist eine Donquichotterie auf die merkwürdige Einrichtung dieser Welt sowie möglicher anderer.

Germany’s Next Lovestory: Leif Randt erzählt vom Glück. Allegro Pastell ist die Geschichte einer fast normalen Liebe, beginnend im Rekordfrühling 2018. Tanja Arnheim, deren Debütroman PanoptikumNeu Kultstatus genießt, wird in wenigen Wochen dreißig. Mit Blick auf den Berliner Volkspark Hasenheide wartet sie auf eine explosive Idee für ihr neues Buch. Ihr fünf Jahre älterer Freund, der gefragte Webdesigner Jerome Daimler, bewohnt in Maintal den Bungalow seiner Eltern und versucht sein Leben zunehmend als spirituelle Einkehr zu begreifen. Die Fernbeziehung der beiden wirkt makellos. Sie bleiben über Text und Bild eng miteinander verbunden und besuchen sich für lange Wochenenden in ihren jeweiligen Realitäten. Jerome und Tanja sind füreinander da, aber nicht aneinander verloren. Doch der Wunsch, ihre Zuneigung zu konservieren, ohne dass diese bieder oder schmerzhaft existenziell wird, stellt das Paar vor eine große Herausforderung. Eine Lovestory aus den späten Zehnerjahren.

Leif Randt, geboren 1983 in Frankfurt a.M., arbeitet als freischaffender Schriftsteller in Maintal und Berlin. Ebenfalls von ihm erschienen sind die Romane Leuchtspielhaus (2009) und Planet Magnon (2015). Sein neuestes Buch Allegro Pastell (2020) wurde zum Bestseller und war u.a. für den Deutschen Buchpreis nominiert. Ausgezeichnet wurde seine Arbeit zuletzt mit dem Mörike-Preis der Stadt Fellbach sowie mit Aufenthaltsstipendien in Japan und Irland.

Jeremy Mockridge wurde 1993 in Bonn geboren. Bekannt wurde er mit den Kinderfilmen Die Wilden Hühner unter der Regie von Vivian Naefe. Seit der Spielzeit 2017/18 ist er festes Ensemblemitglied am Deutschen Theater Berlin. Im Kino war er zuletzt in einer Hauptrolle in Erik Schmitts Cleo zu sehen. Bei den vergangenen Festspielen Ludwigshafen spielte er Schillers Mortimer in Anne Lenks preisgekrönter Inszenierung von Maria Stuart. Bei den Festspielen 2022 ist er als Schreiber Licht in Der zerbrochne Krug zu sehen.

Im Dorfe Huisum ist Gerichtstag und Richter Adam stolpert gleich am Morgen aus dem Bett und über sich selbst. Jedenfalls behauptet er das. Denn so sehr dieser Adamsfall als Metapher stimmt, ist dies tatsächlich nur die erste einer Vielzahl von Lügen, die der Richter ungeniert von sich geben wird. Der wirkliche Grund für seinen lädierten Fuß und das zerschundene Gesicht ist die Folge eines Missbrauchs, den er in der Nacht zuvor begangen hat: Die junge Eve in deren Zimmer bedrängend, wird er überrascht von ihrem Verlobten Ruprecht und verletzt sich beim flüchtenden Sprung durchs Fenster. Obendrein geht dabei ein Krug entzwei. Mit diesem zieht Eves Mutter Marthe nun vor Gericht und bezichtigt Ruprecht des nächtlichen Übergriffs. Jener widerspricht heftig, während Eve von Adam erpresst wird und schweigt. Dies alles im Beisein von Schreiber Licht, der klüger und mitwissender ist als er es zeigt, sowie unter den Augen der neuen Gerichtsrätin Walter, die zur Prüfung und Revision der Justiz angereist ist. In aller Öffentlichkeit macht Adam sich demnach selbst den Prozess, wobei sein Ziel offensichtlich ist: Ruprecht als Täter verurteilen und den Fall schnell zu den Akten legen.
Was Kleists Drama von 1811 zur Komödie macht, ist vor allem die Dreistigkeit, mit der hier vom Patriarchat Macht ausgeübt, Positionen gesichert und Verhältnisse zementiert werden. Die Wahrheit zählt dabei nicht im Geringsten; stattdessen gilt es, unverfroren und skrupellos jede Verantwortung von sich zu schieben. Gestützt von einer Gesellschaft, die scheinheilig mitspielt, stolz auf ihr kulturelles Erbe und vollkommen überzeugt davon, im Namen der Gerechtigkeit zu handeln.

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Im Dorfe Huisum ist Gerichtstag und Richter Adam stolpert gleich am Morgen aus dem Bett und über sich selbst. Jedenfalls behauptet er das. Denn so sehr dieser Adamsfall als Metapher stimmt, ist dies tatsächlich nur die erste einer Vielzahl von Lügen, die der Richter ungeniert von sich geben wird. Der wirkliche Grund für seinen lädierten Fuß und das zerschundene Gesicht ist die Folge eines Missbrauchs, den er in der Nacht zuvor begangen hat: Die junge Eve in deren Zimmer bedrängend, wird er überrascht von ihrem Verlobten Ruprecht und verletzt sich beim flüchtenden Sprung durchs Fenster. Obendrein geht dabei ein Krug entzwei. Mit diesem zieht Eves Mutter Marthe nun vor Gericht und bezichtigt Ruprecht des nächtlichen Übergriffs. Jener widerspricht heftig, während Eve von Adam erpresst wird und schweigt. Dies alles im Beisein von Schreiber Licht, der klüger und mitwissender ist als er es zeigt, sowie unter den Augen der neuen Gerichtsrätin Walter, die zur Prüfung und Revision der Justiz angereist ist. In aller Öffentlichkeit macht Adam sich demnach selbst den Prozess, wobei sein Ziel offensichtlich ist: Ruprecht als Täter verurteilen und den Fall schnell zu den Akten legen.
Was Kleists Drama von 1811 zur Komödie macht, ist vor allem die Dreistigkeit, mit der hier vom Patriarchat Macht ausgeübt, Positionen gesichert und Verhältnisse zementiert werden. Die Wahrheit zählt dabei nicht im Geringsten; stattdessen gilt es, unverfroren und skrupellos jede Verantwortung von sich zu schieben. Gestützt von einer Gesellschaft, die scheinheilig mitspielt, stolz auf ihr kulturelles Erbe und vollkommen überzeugt davon, im Namen der Gerechtigkeit zu handeln.

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The Tree, die letzte große Kreation der Choreographin Carolyn Carlson für ihre Compagnie, ist eine poetische Reflexion über Mensch und Natur am Rande des Untergangs… Nach Eau, Pneuma und Now schließt es den Zyklus der vom französischen Philosophen Gaston Bachelard inspirierten Stücke ab.

Ausgehend von Fragments of a Poetics of Fire wählte Carlson die poetische und symbolische Kraft der Flammen und im weiteren Sinne die Komplexität der natürlichen Elemente als Inspiration für ihre neue Kreation. Erneut arbeitet sie mit dem Lichtdesigner Rémi Nicolas zusammen, der imaginäre Landschaften schafft, die zu einer inneren Reise und Kontemplation einladen. Der bildende Künstler Gao Xingjian bereichert die Szenografie mit seinen abstrakten Gemälden in chinesischer Tusche, die in mehreren Sequenzen auf die Rückseite der Bühne projiziert werden.
In Kombination mit der Virtuosität der Tänzer und der traumhaften Vision von Carolyn Carlson ist The Tree ein kraftvoller und lebendiger Ausdruck der Liebe zu einer Natur, die am Rande des Zusammenbruchs steht, mit der Hoffnung auf eine Wiedergeburt aus ihrer eigenen Asche wie ein Phönix.

„Wir sind nicht außerhalb des Universums; wir sind Samen in Zyklen und Rhythmen wie die wechselnden Jahreszeiten an der Seite der gesamten Schöpfung.“  Carolyn Carlson

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Die Geschichte eines Aufbruchs: In der sibirischen Weite, tausende Werst östlich von Moskau, leben in einer Kommunalka auf engstem Raum Großmutter, Mutter, Tochter und Enkelin unter dem bröckelnden Putz einer vergangenen Zeit. Es ist der 11. März 1985, Beginn einer Zeitenwende, von der noch niemand etwas ahnt. Alle gehen ihrem Alltag nach. Der Ingenieur von nebenan versucht, sein Leben in Kästchen zu sortieren, Warwara hilft einem Kind auf die Welt, Maria träumt von der Liebe, Janka will am Abend in der Küche singen.

Zukunftsmusik ist ein großer Roman über vier Leben am Wendepunkt, über eine untergegangene Welt, die bis heute nachwirkt, über die Absurdität des Daseins und die große Frage des Hier und Jetzt: Was tun? Der Roman war nominiert für den Preis der Leipziger Buchmesse.

Katerina Poladjan wurde 1971 in Moskau geboren und lebt seit 1979 in Deutschland. Auf ihr Prosadebüt In einer Nacht, woanders folgte Vielleicht Marseille. Gemeinsam mit Henning Fritsch schrieb sie den literarischen Reisebericht Hinter Sibirien. Im Juni 2019 erschien ihr dritter Roman Hier sind Löwen. Katerina Poladjan absolvierte ein Studium der Angewandten Kulturwissenschaften an der Leuphana Universität in Lüneburg und ein Studium der Darstellenden Kunst in München. Sie nahm 2015 an den Tagen der deutschsprachigen Literatur in Klagenfurt teil, war für den Alfred-Döblin-Preis nominiert und erhielt Stipendien des Deutschen Literaturfonds, des Berliner Senats und der Robert Bosch Stiftung. 2016 war sie Stipendiatin der Kulturakademie Tarabya in Istanbul. 2021 wird sie mit dem Nelly-Sachs-Preis der Stadt Dortmund ausgezeichnet.

Outside ist das Resultat einer Begegnung, die den russischen Regisseur Kirill Serebrennikov tief bewegt hat. In einem Buch fand er das fotografische Werk des chinesischen Künstlers Ren Hang, hochstilisierte Bilder nackter Körper und seltsam fremder Landschaften. Ein Bruch mit den strengen Tabus der chinesischen Gesellschaft, ein ungewöhnlicher und liebevoller Blick auf die heimliche Rebellion junger Menschen in einem übernormierten Land – weit entfernt von den Vorgaben der chinesischen Staatsdoktrin. Später las Serebrennikov auch Ren Hangs Gedichte und war fasziniert von dem tiefen Gefühl der Einsamkeit, das sie vermittelten. Eine chinesische Schauspielerin half ihm bei der Kontaktaufnahme, und Ren Hang zeigte sich zu einer Zusammenarbeit bereit. 48 Stunden vor dem ersten persönlichen Treffen beging er Selbstmord, mit 29 Jahren.
Den Schock über diese Nachricht verwandelte Serebrennikov in den Impuls, Ren Hang ein Denkmal zu setzen. Wenig später konnte auch er erfahren, was es heißt, sich als Künstler in einem totalitären Regime unbeliebt zu machen. Aus nichtigen Gründen wurde er über viele Monate hinweg unter Hausarrest gestellt. Outside entstand in dieser Zeit und erzählt von der bedrückenden Situation des Eingesperrtseins, aber auch von der Freiheit der Gedanken, die sich weder Ren Hang noch Kirill Serebrennikov nehmen ließen. Mit überbordend schönen Bildern leistet dieser Abend Widerstand gegen kulturelle und politische Zensur. Aus dem Zwiegespräch zweier verfemter Künstler entstehen visuelle Phantasien, die mitten ins Herz treffen.

Kirill Serebrennikov ist einer der angesehendsten Regisseure Russlands und seit Jahren der staatlichen Willkür ausgesetzt. Ab 2012 leitete er das Gogol-Center in Moskau, einen Ort für experimentelles, genreübergreifendes Theater. 2021 wurde er dort seines Amtes enthoben. Mit seinen Inszenierungen ist er in ganz Europa präsent und wurde vielfach ausgezeichnet, u. a. arbeitet er auch am Deutschen Theater Berlin und am Thalia Theater Hamburg. Outside ist seine dritte Stückentwicklung für das Festival d’Avignon.

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Outside ist das Resultat einer Begegnung, die den russischen Regisseur Kirill Serebrennikov tief bewegt hat. In einem Buch fand er das fotografische Werk des chinesischen Künstlers Ren Hang, hochstilisierte Bilder nackter Körper und seltsam fremder Landschaften. Ein Bruch mit den strengen Tabus der chinesischen Gesellschaft, ein ungewöhnlicher und liebevoller Blick auf die heimliche Rebellion junger Menschen in einem übernormierten Land – weit entfernt von den Vorgaben der chinesischen Staatsdoktrin. Später las Serebrennikov auch Ren Hangs Gedichte und war fasziniert von dem tiefen Gefühl der Einsamkeit, das sie vermittelten. Eine chinesische Schauspielerin half ihm bei der Kontaktaufnahme, und Ren Hang zeigte sich zu einer Zusammenarbeit bereit. 48 Stunden vor dem ersten persönlichen Treffen beging er Selbstmord, mit 29 Jahren.
Den Schock über diese Nachricht verwandelte Serebrennikov in den Impuls, Ren Hang ein Denkmal zu setzen. Wenig später konnte auch er erfahren, was es heißt, sich als Künstler in einem totalitären Regime unbeliebt zu machen. Aus nichtigen Gründen wurde er über viele Monate hinweg unter Hausarrest gestellt. Outside entstand in dieser Zeit und erzählt von der bedrückenden Situation des Eingesperrtseins, aber auch von der Freiheit der Gedanken, die sich weder Ren Hang noch Kirill Serebrennikov nehmen ließen. Mit überbordend schönen Bildern leistet dieser Abend Widerstand gegen kulturelle und politische Zensur. Aus dem Zwiegespräch zweier verfemter Künstler entstehen visuelle Phantasien, die mitten ins Herz treffen.

Kirill Serebrennikov ist einer der angesehendsten Regisseure Russlands und seit Jahren der staatlichen Willkür ausgesetzt. Ab 2012 leitete er das Gogol-Center in Moskau, einen Ort für experimentelles, genreübergreifendes Theater. 2021 wurde er dort seines Amtes enthoben. Mit seinen Inszenierungen ist er in ganz Europa präsent und wurde vielfach ausgezeichnet, u. a. arbeitet er auch am Deutschen Theater Berlin und am Thalia Theater Hamburg. Outside ist seine dritte Stückentwicklung für das Festival d’Avignon.

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Der junge Ozan Ata Canani war ein Wunderkind an der Bağlama, der anatolischen Langhalslaute. Der große Aşik Mahzuni Şerif war so beeindruckt von dem erst Dreizehnjährigen, dass er ihn mit auf Tournee nahm, sehr zum Missfallen von Ozans Vater, der ihm sogar das Musizieren verbot. Doch Ozan ließ sich nicht beirren. Als junger Erwachsener schrieb er in den späten 1970er Jahren den ersten Liedzyklus anatolischer Musik in deutscher Sprache. Damit war er seiner Zeit offenbar voraus, denn niemand wollte diese Lieder veröffentlichen. Die Sprüche „Ausländer raus“ und „Türken unerwünscht“ waren damals der Auslöser. Auf einem Heft von der IG Metall entdeckte er einen Satz von Max Frisch: „Arbeitskräfte gerufen, Menschen gekommen!“. Das war der Ausgangspunkt von „Deutsche Freunde“. Immerhin trat Ozan Ata Canani mit einem Lied bei Alfred Biolek im Fernsehen auf. Dieser Auftritt mit dem Jahrhundertlied „Deutsche Freunde“ fand seinen Weg zu Youtube und erschien 2014 auf der sagenhaften Compilation Songs of Gastarbeiter. Ozan Ata Cananis erstes Album Warte mein Land, warte erschien erst 2021 beim Berliner Label Staatsakt. Atas „Deutsche Freunde“ wurde ursprünglich auf einer Kassette veröffentlicht, die man in türkischen Läden kaufen kann. Seine Bağlama spielt Ata elektrisch verstärkt, die Musik von „Deutsche Freunde“ ist anatolischer Partysound. Der Text ist auf Deutsch, folgt aber einem Schema gesungener türkischer Lyrik, bei dem der Refrain zwischen die Zeilen der Strophen eingeschoben wird.

Es ist alles endlich auf dieser Welt, und doch sind Verluste oft schwer zu begreifen und schwer zu ertragen. 239 Menschen befanden sich an Bord der Boeing MH370, die 2014 spurlos von den Flugradaren verschwand und bis heute nicht gefunden wurde – eines der größten Rätsel der Fluggeschichte. Nicht weniger rätselhaft ist das sukzessive Verschwinden des menschlichen Verstands im Zustand der Demenz. Die Künstlerin Helgard Haug erlebte diesen Prozess bei ihrem Vater, kurz nach dem Drama um MH370. Beides, das weltumspannende Medienereignis und das sich im Stillen vollziehende individuelle Schicksal, setzt sie in Beziehung und schafft damit ein berückend schönes und trauriges Theaterereignis von großer imaginärer Kraft.

All right. Good night. übersetzt die Sprachlosigkeit, mit der wir Trauer und Verlust begegnen, in eine außergewöhnliche Form. Der von Helgard Haug verfasste und sehr berührende Text erscheint vor allem durch Projektionen und Einspielungen. Auf der Bühne agieren fünf Musikerinnen des Zafraan-Ensembles. Sie spielen die eigens für diesen Abend geschaffenen Kompositionen der bekannten Elektropmusikerin Barbara Morgenstern und übertragen die musikalischen Impulse in eine Partitur aus Bewegungsabläufen. Das überraschende Geflecht aus Klang, Licht und Wort entwickelt einen emotionalen Sog, dem man sich nicht entziehen kann.

Helgard Haug ist Teil des Performance-Kollektivs Rimini Protokoll. 2003 gründete sie es gemeinsam mit Daniel Wetzel und Stephan Kaegi. Rimini Protokoll entwickeln ihre Bühnenstücke, Interventionen, szenischen Installationen und Hörspiele oft mit Expert*innen, die ihr Wissen und Können jenseits des Theaters erprobt haben. Außerdem übersetzen sie gerne Räume oder soziale Ordnungen in theatrale Formate. Ihre Produktionen wurden mit bedeutenden Preisen ausgezeichnet und waren schon mehrfach zum Berliner Theatertreffen eingeladen. Auch All right. Good night. ist dort in diesem Jahr zu Gast. Barbara Morgenstern ist als Musikerin seit 1997 präsent, veröffentlicht vor allem beim Label Monika Enterprise und arbeitete u.a. mit Robert Lippok und To Rococo Rot. Gemeinsam mit Stefan Schneider und Paul Virkus spielt sie in der Band September Collective.

Es ist alles endlich auf dieser Welt, und doch sind Verluste oft schwer zu begreifen und schwer zu ertragen. 239 Menschen befanden sich an Bord der Boeing MH370, die 2014 spurlos von den Flugradaren verschwand und bis heute nicht gefunden wurde – eines der größten Rätsel der Fluggeschichte. Nicht weniger rätselhaft ist das sukzessive Verschwinden des menschlichen Verstands im Zustand der Demenz. Die Künstlerin Helgard Haug erlebte diesen Prozess bei ihrem Vater, kurz nach dem Drama um MH370. Beides, das weltumspannende Medienereignis und das sich im Stillen vollziehende individuelle Schicksal, setzt sie in Beziehung und schafft damit ein berückend schönes und trauriges Theaterereignis von großer imaginärer Kraft.

All right. Good night. übersetzt die Sprachlosigkeit, mit der wir Trauer und Verlust begegnen, in eine außergewöhnliche Form. Der von Helgard Haug verfasste und sehr berührende Text erscheint vor allem durch Projektionen und Einspielungen. Auf der Bühne agieren fünf Musikerinnen des Zafraan-Ensembles. Sie spielen die eigens für diesen Abend geschaffenen Kompositionen der bekannten Elektropmusikerin Barbara Morgenstern und übertragen die musikalischen Impulse in eine Partitur aus Bewegungsabläufen. Das überraschende Geflecht aus Klang, Licht und Wort entwickelt einen emotionalen Sog, dem man sich nicht entziehen kann.

Helgard Haug ist Teil des Performance-Kollektivs Rimini Protokoll. 2003 gründete sie es gemeinsam mit Daniel Wetzel und Stephan Kaegi. Rimini Protokoll entwickeln ihre Bühnenstücke, Interventionen, szenischen Installationen und Hörspiele oft mit Expert*innen, die ihr Wissen und Können jenseits des Theaters erprobt haben. Außerdem übersetzen sie gerne Räume oder soziale Ordnungen in theatrale Formate. Ihre Produktionen wurden mit bedeutenden Preisen ausgezeichnet und waren schon mehrfach zum Berliner Theatertreffen eingeladen. Auch All right. Good night. ist dort in diesem Jahr zu Gast. Barbara Morgenstern ist als Musikerin seit 1997 präsent, veröffentlicht vor allem beim Label Monika Enterprise und arbeitete u.a. mit Robert Lippok und To Rococo Rot. Gemeinsam mit Stefan Schneider und Paul Virkus spielt sie in der Band September Collective.

WEITERE INFOS FOLGEN

Schon in jungen Jahren begann Pape Nziengui Zither zu spielen und in Theaterproduktionen musikalisch mitzuwirken. Seit dreißig Jahren erobert er nunmehr mit seiner Zither die Welt und bereichert sie mit den typischen Elementen gabunischer Musik, deren Tradition – darunter Afro-Zouk, Gabunische Rumba, Biguine – er mit Leidenschaft verbunden ist.

Barockmusik und modernen Tanz vereint das italienische Aterballetto in seinem neuen Programm und stellt als Entdeckungen zwei bei uns bislang wenig bekannte Choreograph*innen aus Kanada und Kuba vor. In enger Zusammenarbeit mit der Fondazione Arturo Toscanini aus Parma, ihrem orchestralen Gegenstück aus der Emilia Romagna, bringt die renommierte Kompanie ein Musikerensemble aus Sänger*innen und Streicher*innen mit, getanzt wird zu einer barocken Suite und einem Stabat Mater.

Die Choreographin Danièle Desnoyers stammt aus Montreal, der Metropole des modernen kanadischen Tanzes, wo sie mit ihrem leichten, flüssigen Stil und ihrer eigenen Compagnie zu den festen Größen der zeitgenössischen Szene zählt. Neben einem theatralischen Element haben ihre Stücke, die oft moderne Großstadtmenschen zeigen, stets auch eine starke Beziehung zur Musik. Ihre Kreation fürs Aterballetto entsteht zu einer Suite des italienischen Komponisten Federico Gon; der Spezialist für Barockmusik ließ sich dafür von Henry Purcell, Georg Friedrich Händel und Antonio Vivaldi inspirieren.

Ausgerechnet zu religiöser Musik lässt der Kubaner Norge Cedeño Raffo tanzen. Der junge, aufstrebende Choreograph, früher Solist bei Danza Contemporánea de Cuba, gestaltet zu Arvo Pärts Stabat Mater ein schmerzvolles Werk zum Thema Abschied. Den aus dem Mittelalter stammenden Text vom Schmerz der Mutter Gottes vertonte der estnische Komponist in seinem charakteristischen, reduzierten Stil. Die ergreifende Wirkung dieser Musik prägt auch den expressiven, freien und im schönsten Sinne puren Tanz: Wie findet man in einer zerstörten Welt und nach einem so großen Verlust wieder Hoffnung, wie kann man weiterleben, so fragt sich Norge Cedeño Raffo in seinem Werk.

Hier geht es zum Trailer zu Stabat Mater!

Barockmusik und modernen Tanz vereint das italienische Aterballetto in seinem neuen Programm und stellt als Entdeckungen zwei bei uns bislang wenig bekannte Choreograph*innen aus Kanada und Kuba vor. In enger Zusammenarbeit mit der Fondazione Arturo Toscanini aus Parma, ihrem orchestralen Gegenstück aus der Emilia Romagna, bringt die renommierte Kompanie ein Musikerensemble aus Sänger*innen und Streicher*innen mit, getanzt wird zu einer barocken Suite und einem Stabat Mater.

Die Choreographin Danièle Desnoyers stammt aus Montreal, der Metropole des modernen kanadischen Tanzes, wo sie mit ihrem leichten, flüssigen Stil und ihrer eigenen Compagnie zu den festen Größen der zeitgenössischen Szene zählt. Neben einem theatralischen Element haben ihre Stücke, die oft moderne Großstadtmenschen zeigen, stets auch eine starke Beziehung zur Musik. Ihre Kreation fürs Aterballetto entsteht zu einer Suite des italienischen Komponisten Federico Gon; der Spezialist für Barockmusik ließ sich dafür von Henry Purcell, Georg Friedrich Händel und Antonio Vivaldi inspirieren.

Ausgerechnet zu religiöser Musik lässt der Kubaner Norge Cedeño Raffo tanzen. Der junge, aufstrebende Choreograph, früher Solist bei Danza Contemporánea de Cuba, gestaltet zu Arvo Pärts Stabat Mater ein schmerzvolles Werk zum Thema Abschied. Den aus dem Mittelalter stammenden Text vom Schmerz der Mutter Gottes vertonte der estnische Komponist in seinem charakteristischen, reduzierten Stil. Die ergreifende Wirkung dieser Musik prägt auch den expressiven, freien und im schönsten Sinne puren Tanz: Wie findet man in einer zerstörten Welt und nach einem so großen Verlust wieder Hoffnung, wie kann man weiterleben, so fragt sich Norge Cedeño Raffo in seinem Werk.

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Shakespeares letzte große Tragödie erzählt auf spannungsvolle Weise die Geschichte vom steilen Aufstieg und jähen Niedergang des Feldherrn Macbeth. Sie handelt von Machtgier und Zweifeln, von innerer Zerrissenheit, Gewissensqualen, Einsamkeit und dramatischem Scheitern, von trügerischen Hoffnungen, Gewaltexzessen, phantastischen Erscheinungen
und dem unvermeidlichen Sieg der Realität.
Anfangs scheint die Welt noch in Ordnung: die Feldherren Macbeth und Banquo retten König Duncan durch ihren unermüdlichen Einsatz seine Krone. Doch dann begegnen sie den drei Hexen, die in verrätselten Worten Macbeth eine Zukunft als König voraussagen und Banquo als Begründer einer Königsdynastie feiern. Sind die Frauen real oder existieren sie nur in Macbeths Phantasie? Die Worte wirken jedenfalls wie Brandbeschleuniger, und angestachelt durch die ehrgeizige Lady Macbeth setzt Macbeth eine Reihe verhängnisvoller Ereignisse in Gang. In atemloser Dichte wird er zum Königsmörder, häuft zur weiteren Sicherung seiner Macht Verbrechen auf Verbrechen und erkennt bald, dass es kein Zurück geben kann. Dabei schwankt er im Selbstgespräch zwischen moralischen Skrupeln und der
Faszination des Bösen, und auch seine Frau wird von ihren Gewissensnöten verfolgt und schließlich in Wahnsinn und Tod getrieben. Der Ratsspruch der Hexen verspricht noch einmal trügerische Sicherheit:

„Sei blutig, kühn und frech; lach aller Toren
Dir schadet keiner, den ein Weib geboren. (…)
Macbeth wird nie besiegt, bis einst hinan
Der große Birnamswald zum Dunsinan
Feindlich emporsteigt.“

Doch die Katastrophe ist unausweichlich: So wie Macbeths Verbrechen die Ordnung des gesamten Kosmos in Frage gestellt und die Krankheit seiner Blutherrschaft am Ende das ganze Volk befallen hat, so gewinnen am Ende die heilenden Kräfte die Oberhand.

In Misericordia erzählt Emma Dante die Geschichte von drei Prostituierten und dem behinderten Jungen Arturo, der mit ihnen in einer heruntergekommenen Ein-Zimmer-Wohnung lebt. Tagsüber stricken die Frauen Tücher, und nach Sonnenuntergang sitzen sie am Eingang ihres Hauses und bieten ihre nicht mehr jungen Körper den Passanten an.
Arturo ist ein hyperaktiver kleiner Junge und kann nicht einen Moment still sein. Jeden Abend zur gleichen Zeit geht er zum Fenster und hängt seinem Traum nach, in einer Band die Basstrommel zu spielen. Die Musik hat ihn schon früh begleitet, denn Arturos Mutter Lucia hatte ein kleines Radio, das permanent eingeschaltet war. Das Haus war voller Musik, und Lucia tanzte für die Männer. Vor allem tanzte sie für einen Schreiner mit dem Spitznamen Geppetto, der jeden Donnerstag zu Besuch kam. Er war der Besitzer eines Sägewerks, das Obstkisten herstellte. Obwohl er gut verdiente, vernachlässigte er sich selbst. Er war anfällig für Gewalt. Arturo wurde in eine wenig liebevolle Welt hineingeboren und seine Mutter Lucia starb tragischerweise zwei Stunden nach der Geburt. Trotz ihres eigenen Überlebenskampfes wollen ihm Anna, Nuzza und Bettina ein Zuhause geben und Arturo wie ihren eigenen Sohn aufziehen.
Die Gemüter der drei Frauen sind durchweg aufgewühlt, ihnen haftet etwas Wildes an. Wichtig ist nicht, was sie sagen, sondern wie sie es sagen: gestenreich unterstreichen sie jedes Wort, ganz so, wie es Italienerinnen und erst recht Sizilianerinnen zu eigen ist. Arturo wird in Emma Dantes Inszenierung von dem Tänzer Simone Zambelli dargestellt. Obwohl er stumm ist, bringt er die Emotionen des Jungen mit der Sprache des Körpers deutlicher und unmittelbarer zum Ausdruck als es Worte könnten.
Emma Dante blickt tief in die Seele ihrer Protagonist*innen und setzt in ihrem bildreichen und performativen Inszenierungsstil voll und ganz auf den Körper, um die Spannungen und Verrücktheiten ihrer Figuren zum Ausdruck zu bringen,

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SpongeBob ist zurück!

Ab dem 1.Oktober 2022 tourt der Broadway-Erfolg DAS SPONGE BOBMUSICAL mit einer eigenen Inszenierung erstmals durch Deutschland, Österreich und die Schweiz. Bekannt aus der international beliebten Serie SpongeBob Schwammkopf,vereint die Show die bekannten Charaktere SpongeBob, Patrick, Mr.Krabs und Sandy mit einer neuen Story und einem hochklassigen Soundtrack. DASSPONGEBOBMUSICAL ist ein echtes Bühnenspektakel mit Musik, die so bunt und vielfältig ist wie die Serie–komponiert von den ganz großen Namen der Musikindustrie. Das Publikum kann sich auf teils bekannte, teils neue Hits des Pop-/Rock-Genres freuen. Bei Songs von John Legend, Panic!At the Disco, Plain White T’s, Aerosmith, Cyndi Lauper und vielen mehr findet jeder seinen persönlichen Ohrwurm. Die Füße still halten? Keine Chance! Bei SpongeBob ist gute Laune vorprogrammiert. Mal geht es schnell und abgedreht zu, dann wieder gefühlvoll und emotional. Die Musicalbesucher erleben eine Achterbahnfahrt der Gefühle zum Mitsingen und Mittanzen.

Auch in diesem Jahr gibt es wieder ein Weihnachtsspezial mit literarischen Beiträgen, Gästen aus der näheren Umgebung, Musik und in diesem Fall passend zum Anlass dem Sektgut Raumland aus Flörsheim-Dalsheim, das Kostproben seiner Bestände gibt.

Die beiden Figuren in dem mehrfach ausgezeichneten Stück für die Allerkleinsten wohnen in verschiedenen Stockwerken und nehmen die Dinge um sie herum von unterschiedlichen Ausblicken wahr.
Beide haben sie ihre sicheren Bezugspunkte, manches macht ihnen aber auch Angst. Auf jeden Fall sind sie neugierig, den Nachbarn zu treffen. Nur eine kleine rote Katze verbindet sie, denn sie lebt auf beiden Stockwerken. Als die Katze vermisst wird, treffen sie sich endlich und nehmen die Verfolgung auf. Die Suche wird bald zu einer Reise voller Entdeckungen und Wunder. Fast vergessen sie irgendwann den Grund, warum sie sich auf den Weg gemacht haben, voller Freude darüber, dass sie sich besser kennengelernt haben.
Vielleicht durch Zufall erscheinen Räume wie auf den Kopf gestellt und zusammen erscheint ihnen die Welt völlig anders als zuvor – oder steckt doch ein tieferer Sinn dahinter und es war alles gar kein Zufall?Die beiden Figuren in dem mehrfach ausgezeichneten Stück für die Allerkleinsten wohnen in verschiedenen Stockwerken und nehmen die Dinge um sie herum von unterschiedlichen Ausblicken wahr.
Beide haben sie ihre sicheren Bezugspunkte, manches macht ihnen aber auch Angst. Auf jeden Fall sind sie neugierig, den Nachbarn zu treffen. Nur eine kleine rote Katze verbindet sie, denn sie lebt auf beiden Stockwerken. Als die Katze vermisst wird, treffen sie sich endlich und nehmen die Verfolgung auf. Die Suche wird bald zu einer Reise voller Entdeckungen und Wunder. Fast vergessen sie irgendwann den Grund, warum sie sich auf den Weg gemacht haben, voller Freude darüber, dass sie sich besser kennengelernt haben.
Vielleicht durch Zufall erscheinen Räume wie auf den Kopf gestellt und zusammen erscheint ihnen die Welt völlig anders als zuvor – oder steckt doch ein tieferer Sinn dahinter und es war alles gar kein Zufall?

SpongeBob ist zurück!

Ab dem 1.Oktober 2022 tourt der Broadway-Erfolg DAS SPONGE BOBMUSICAL mit einer eigenen Inszenierung erstmals durch Deutschland, Österreich und die Schweiz. Bekannt aus der international beliebten Serie SpongeBob Schwammkopf,vereint die Show die bekannten Charaktere SpongeBob, Patrick, Mr.Krabs und Sandy mit einer neuen Story und einem hochklassigen Soundtrack. DASSPONGEBOBMUSICAL ist ein echtes Bühnenspektakel mit Musik, die so bunt und vielfältig ist wie die Serie–komponiert von den ganz großen Namen der Musikindustrie. Das Publikum kann sich auf teils bekannte, teils neue Hits des Pop-/Rock-Genres freuen. Bei Songs von John Legend, Panic!At the Disco, Plain White T’s, Aerosmith, Cyndi Lauper und vielen mehr findet jeder seinen persönlichen Ohrwurm. Die Füße still halten? Keine Chance! Bei SpongeBob ist gute Laune vorprogrammiert. Mal geht es schnell und abgedreht zu, dann wieder gefühlvoll und emotional. Die Musicalbesucher erleben eine Achterbahnfahrt der Gefühle zum Mitsingen und Mittanzen.

Im Amerika des 19. Jahrhunderts: Cedric Errol ist ein fröhlicher Junge, ein liebenswerter, unbeschwerter Lausbub, der in bescheidenen Verhältnissen bei seiner Mutter aufwächst. Von jetzt auf gleich wird Cedric aus seinem gewohnten Leben herausgerissen und hinaufkatapultiert in die Höhen der englischen Aristokratie. Er wäre zwar „viel lieber Präsident der Vereinigten Staaten als ein Lord“ geworden, sein mürrischer und hartherziger Großvater hat jedoch andere Pläne und möchte aus dem Enkel den kleinen Lord Fauntleroy machen, einen Erben in seinem Geiste. Doch die Lehrstunden verlaufen anders als gedacht: Cedric knackt im Nu die harte Schale des Großvaters und entlockt ihm nie gezeigte Wesenszüge wie Freundlichkeit, Hilfsbereitschaft, Mitgefühl und Großherzigkeit. So werden der Alte und der kleine Lord Hand in Hand zu respektablen Aristokraten und Cedric kann den Großvater sogar mit seiner geschmähten amerikanischen Mutter wiedervereinen. Das Musicalformat bietet der bekannten Geschichte viel Raum für reizvolle Wechselspiele und auch die kleinsten Rollen sind liebevoll ausgestaltet. In zauberhaften historischen Kostümen und einem Bühnenbild voller Nostalgie lässt sich sogar der Saxophonist beim Spielen die Schuhe putzen!
Frances Hodgson Burnett, die Autorin des Weihnachtsklassikers, auf dem sowohl der bekannte Weihnachtsfilm als auch dieses herzerfrischende Musical basieren, übt auf spielerische Weise nachhaltig Kritik an den sozialen Umständen in ihrem Heimatland England und zieht Vergleiche zu ihrer Wahlheimat Amerika. Die, trotz der Herkunft von unterschiedlichen Seiten des Ozeans, am Ende vereinte Familie steht somit für den Wunsch nach einem harmonischen Miteinander, welcher gerade in der Adventszeit allgegenwärtig ist. Denn was wäre die Welt ohne Wunder, an die wir gerade an Weihnachten so gerne glauben möchten?

Im Amerika des 19. Jahrhunderts: Cedric Errol ist ein fröhlicher Junge, ein liebenswerter, unbeschwerter Lausbub, der in bescheidenen Verhältnissen bei seiner Mutter aufwächst. Von jetzt auf gleich wird Cedric aus seinem gewohnten Leben herausgerissen und hinaufkatapultiert in die Höhen der englischen Aristokratie. Er wäre zwar „viel lieber Präsident der Vereinigten Staaten als ein Lord“ geworden, sein mürrischer und hartherziger Großvater hat jedoch andere Pläne und möchte aus dem Enkel den kleinen Lord Fauntleroy machen, einen Erben in seinem Geiste. Doch die Lehrstunden verlaufen anders als gedacht: Cedric knackt im Nu die harte Schale des Großvaters und entlockt ihm nie gezeigte Wesenszüge wie Freundlichkeit, Hilfsbereitschaft, Mitgefühl und Großherzigkeit. So werden der Alte und der kleine Lord Hand in Hand zu respektablen Aristokraten und Cedric kann den Großvater sogar mit seiner geschmähten amerikanischen Mutter wiedervereinen. Das Musicalformat bietet der bekannten Geschichte viel Raum für reizvolle Wechselspiele und auch die kleinsten Rollen sind liebevoll ausgestaltet. In zauberhaften historischen Kostümen und einem Bühnenbild voller Nostalgie lässt sich sogar der Saxophonist beim Spielen die Schuhe putzen!
Frances Hodgson Burnett, die Autorin des Weihnachtsklassikers, auf dem sowohl der bekannte Weihnachtsfilm als auch dieses herzerfrischende Musical basieren, übt auf spielerische Weise nachhaltig Kritik an den sozialen Umständen in ihrem Heimatland England und zieht Vergleiche zu ihrer Wahlheimat Amerika. Die, trotz der Herkunft von unterschiedlichen Seiten des Ozeans, am Ende vereinte Familie steht somit für den Wunsch nach einem harmonischen Miteinander, welcher gerade in der Adventszeit allgegenwärtig ist. Denn was wäre die Welt ohne Wunder, an die wir gerade an Weihnachten so gerne glauben möchten?

Ein geiziger Miesepeter, vier Geister und eine lehrreiche Weihnachtsnacht: An Charles Dickens‘ Christmas Carol führt zur Weihnachtszeit kein Weg vorbei. Seit 1843 erfreut sich die Geschichte ungebrochener Beliebtheit, denn auch über 150 Jahre später sind die Themen aktueller denn je.
Die Hauptfigur Ebenezer Scrooge ist Geschäftsmann durch und durch, sein Leben dreht sich nur um Arbeit und Geld und seinen Mitarbeitern ist er ein strenger und empathieloser Chef, der selbst dem fleißigsten und gutherzigsten Angestellten weder fairen Lohn noch Urlaub an den Festtagen gewährt. Er selbst lehnt alle Einladungen zum Festessen ab, jagt Bittsteller davon und verbringt Heiligabend lieber in seinem Büro. Weihnachten hält er nämlich für totalen Humbug.
Eines Nachts soll sich all das ändern. Scrooge bekommt Besuch von Geistern, die ihm die Auswirkungen seines Verhaltens vor Augen führen. Zunächst geschockt, lässt sich der Protagonist auf eine hochdramatische Reise durch Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft ein und öffnet sein Herz für Mitgefühl, Freude und Weihnachtszauber.
Die American Drama Group lädt das Publikum auf diese Reise ein und regt zum Reflektieren des eigenen Verhaltens an. Die facettenreiche Performance in englischer Sprache, die mal witzig und turbulent und mal ganz leise und nachdenklich daherkommt, endet mit der Rückbesinnung auf die Werte des Weihnachtsfestes und sorgt bei Jung und Alt für Feststimmung.

Die Compagnie Illicite ist ein junges Ballettensemble. Erst vor sieben Jahren wurde es im baskischen Bayonne gegründet. Fábio Lopez, Leiter der Compagnie, fühlt sich der Tradition und den Größen des zeitgenössischen Balletts verpflichtet, insbesondere sieht er sich in einer Linie mit Hans van Manen, Jean-Christophe Maillot und Thierry Malandain. Mit seiner Truppe hat er einen eleganten, zeitgenössischen und charmanten Tanzstil entwickelt, der europaweit Begeisterung auslöst.
Die Verknüpfung von Tradition und Gegenwart ist bei Lopez Programm. Auch das Märchen vom Dornröschen liest er aus einer heutigen Perspektive. Im schlafenden Mädchen und seinem Prinzen sieht er zwei Teenager am Übergang vom Kind zum Erwachsenen. Der Schlaf ist Ausdruck für ihren Rückzug aus der Gesellschaft, den sie für ihre persönliche Entwicklung brauchen. Nach diesem Prozess erwachen sie als gereifte Persönlichkeiten, die voller Liebe und Optimismus ins Leben gehen.
Fábio Lopez greift auf Tschaikowskys bekannte Ballettmusik zurück, scheut sich aber nicht vor Veränderungen. Für den abschließenden Pas de deux verwendet er ein Musikstück von Maurice Ravel, das den Aufbruch des Paares in die Moderne verdeutlichen soll. Mit wunderschönen, ergreifenden Bildern zeigt der Choreograph, was heute vom klassischen Ballett zu verlangen ist: eine neue Lesart, die das Erbe respektiert, aber eine Geschichte so darzustellen vermag, dass die den Erwartungen und der Schärfe des zeitgenössischen Blicks gerecht wird.

Die Compagnie Illicite ist ein junges Ballettensemble. Erst vor sieben Jahren wurde es im baskischen Bayonne gegründet. Fábio Lopez, Leiter der Compagnie, fühlt sich der Tradition und den Größen des zeitgenössischen Balletts verpflichtet, insbesondere sieht er sich in einer Linie mit Hans van Manen, Jean-Christophe Maillot und Thierry Malandain. Mit seiner Truppe hat er einen eleganten, zeitgenössischen und charmanten Tanzstil entwickelt, der europaweit Begeisterung auslöst.
Die Verknüpfung von Tradition und Gegenwart ist bei Lopez Programm. Auch das Märchen vom Dornröschen liest er aus einer heutigen Perspektive. Im schlafenden Mädchen und seinem Prinzen sieht er zwei Teenager am Übergang vom Kind zum Erwachsenen. Der Schlaf ist Ausdruck für ihren Rückzug aus der Gesellschaft, den sie für ihre persönliche Entwicklung brauchen. Nach diesem Prozess erwachen sie als gereifte Persönlichkeiten, die voller Liebe und Optimismus ins Leben gehen.
Fábio Lopez greift auf Tschaikowskys bekannte Ballettmusik zurück, scheut sich aber nicht vor Veränderungen. Für den abschließenden Pas de deux verwendet er ein Musikstück von Maurice Ravel, das den Aufbruch des Paares in die Moderne verdeutlichen soll. Mit wunderschönen, ergreifenden Bildern zeigt der Choreograph, was heute vom klassischen Ballett zu verlangen ist: eine neue Lesart, die das Erbe respektiert, aber eine Geschichte so darzustellen vermag, dass die den Erwartungen und der Schärfe des zeitgenössischen Blicks gerecht wird.

Der kleine Nick ist ein aufgeweckter Junge, auch wenn er in der Schule nicht unbedingt der Beste ist. Zusammen mit seinen Freunden Georg, der einen reichen Papa hat, Franz, dem Stärksten aus der Klasse und dem dicken Otto, der dauernd Hunger hat, lässt er sich keine Gelegenheit entgehen, seine Umwelt in Angst und Schrecken zu versetzen. Ihre Eltern geraten regelmäßig an den Rand eines Nervenzusammenbruchs, aber auch sonst ist niemand vor ihnen und ihren Streichen sicher, allen voran der Schulfotograf, der Aushilfslehrer „Hühnerbrüh“ (der eigentlich Hühnerfeld heißt) und der Klassenerste Adalbert.
Gemeinsam erleben sie alle möglichen und unmöglichen Geschichten: Ihr Leben dreht sich um Schule, Fußball, Baumhäuser bauen, Raufereien auf dem Schulhof, die Lehrer ärgern, Lesen (das ist eine Krankheit!) und selbst so etwas Schwieriges wie Mädchen.
René Goscinny, einer der beiden Erfinder von Asterix und Obelix, veröffentlichte gemeinsam mit dem Zeichner Jean-Jacques Sempé in den 1960er-Jahren kleine Episoden rund um die Figur des kleinen Nick. Später wurden diese Geschichten in fünf Büchern zusammengefasst, die heute zu den Klassikern der modernen Kinderliteratur zählen.

Frankreich, 1626. Auf dem Thron sitzen der politisch unerfahrene Ludwig XIII. und dessen Frau Anna. Die wahre Macht aber hat Kardinal Richelieu, dessen Ziel es ist, die Hugenotten auszurotten und die Stärke der Kirche zu festigen. Zur gleichen Zeit bricht der junge D’Artagnan in Begleitung seines treuen Pferdes Pomme de Terre nach Paris auf, um dort wie einst sein Vater Musketier zu werden. Es folgt ein großes Abenteuer voller aufregender Gefechte, Intrigen, Geheimnisse und ganz großer Gefühle: Er freundet sich schnell mit den drei Musketieren des Königs, Athos, Porthos und Aramis an und nun liegt es an D’Atargnan, nach England zu reisen, um eine Verschwörung gegen die Königin zu vereiteln und hoffentlich unbeschadet nach Paris zurückzukehren, wo die schöne Constanze auf ihn wartet.
Unzählige Male schon wurde Dumas‘ berühmter Roman in den unterschiedlichsten Medien adaptiert, auch in dieser Spielzeit zeigt das Theater im Pfalzbau die Musicalinszenierung von Iris Limbarth als Eigenproduktion mit dem Ensemble des Jungen Musicals der Pfalzbau Bühnen. Mit eindrucksvollen Fechtszenen, ergreifenden Balladen, historisch anmutenden Kostümen und beeindruckenden Choreographien bietet die Inszenierung spannende Unterhaltung für alle Altersgruppen.

Das musikalisch Beste aus allen Harry Potter Filmen und dem Musical mit dem London Philharmonic & Symphonic Film Orchestra!

Frankreich, 1626. Auf dem Thron sitzen der politisch unerfahrene Ludwig XIII. und dessen Frau Anna. Die wahre Macht aber hat Kardinal Richelieu, dessen Ziel es ist, die Hugenotten auszurotten und die Stärke der Kirche zu festigen. Zur gleichen Zeit bricht der junge D’Artagnan in Begleitung seines treuen Pferdes Pomme de Terre nach Paris auf, um dort wie einst sein Vater Musketier zu werden. Es folgt ein großes Abenteuer voller aufregender Gefechte, Intrigen, Geheimnisse und ganz großer Gefühle: Er freundet sich schnell mit den drei Musketieren des Königs, Athos, Porthos und Aramis an und nun liegt es an D’Atargnan, nach England zu reisen, um eine Verschwörung gegen die Königin zu vereiteln und hoffentlich unbeschadet nach Paris zurückzukehren, wo die schöne Constanze auf ihn wartet.
Unzählige Male schon wurde Dumas‘ berühmter Roman in den unterschiedlichsten Medien adaptiert, auch in dieser Spielzeit zeigt das Theater im Pfalzbau die Musicalinszenierung von Iris Limbarth als Eigenproduktion mit dem Ensemble des Jungen Musicals der Pfalzbau Bühnen. Mit eindrucksvollen Fechtszenen, ergreifenden Balladen, historisch anmutenden Kostümen und beeindruckenden Choreographien bietet die Inszenierung spannende Unterhaltung für alle Altersgruppen.

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Komm mit und entdecke die verborgenen Geheimnisse, die in unserer Wiese schlummern! Denn sie steckt voller Abenteuer und Überraschungen. Oft sind es gerade die kleinen und kleinsten Dinge des Lebens, die höchst interessant sind.
Gemeinsam mit dem Mauswiesel Humboldt, einem neugierigen Naturforscher, gehen wir auf Entdeckungsreise und bekommen fantastische Einblicke in das Leben der Wiesenbewohner.
In Wiesenträume können wir mitverfolgen, wie Käfer zum Tanzen ausgehen, in welch unbekannte Höhen sich Vincent die Ameise wagt oder wie es klingt, wenn die Hummel Niccolo Bombini Heimweh hat. Begleitet von bekannten und fremdartigen Klängen erfahren wir, was Molte Maulwurf nach getaner Arbeit am liebsten macht. Aus nächster Nähe können wir beobachten, wie sich der Nimmersatt Lysandro in einen wunderschönen Schmetterling verwandelt. Und nicht zuletzt stellt sich die Frage, was Raupen wohl zum Frühstück essen!
Mit spielerischen Klängen zum Träumen lädt das musikalische Wiesenabenteuer alle Kinder ab 2 Jahren ein, Vertrautes und Neues zu entdecken.

Komm mit und entdecke die verborgenen Geheimnisse, die in unserer Wiese schlummern! Denn sie steckt voller Abenteuer und Überraschungen. Oft sind es gerade die kleinen und kleinsten Dinge des Lebens, die höchst interessant sind.
Gemeinsam mit dem Mauswiesel Humboldt, einem neugierigen Naturforscher, gehen wir auf Entdeckungsreise und bekommen fantastische Einblicke in das Leben der Wiesenbewohner.
In Wiesenträume können wir mitverfolgen, wie Käfer zum Tanzen ausgehen, in welch unbekannte Höhen sich Vincent die Ameise wagt oder wie es klingt, wenn die Hummel Niccolo Bombini Heimweh hat. Begleitet von bekannten und fremdartigen Klängen erfahren wir, was Molte Maulwurf nach getaner Arbeit am liebsten macht. Aus nächster Nähe können wir beobachten, wie sich der Nimmersatt Lysandro in einen wunderschönen Schmetterling verwandelt. Und nicht zuletzt stellt sich die Frage, was Raupen wohl zum Frühstück essen!
Mit spielerischen Klängen zum Träumen lädt das musikalische Wiesenabenteuer alle Kinder ab 2 Jahren ein, Vertrautes und Neues zu entdecken.

Keine andere Band in der Geschichte der Popmusik hat der Welt ein derartig fantastisches musikalisches Gesamtwerk geschenkt wie die vier Schweden Agnetha Fältskog, Anni-Frid Lyngstad, Björn Ulvaeus und Benny Andersson. Keiner anderen Band ist es gelungen, sage und schreibe vier Generationen an Fans und Musikliebhabern so zu fesseln und zu begeistern wie die Band ABBA es erreicht hat.

Mit “Waterloo” eroberte ABBA die weltweiten Charts und die Herzen der Menschen im Sturm! Der Sieg beim Grand Prix in Brighton 1974 machte die sympathischen Schweden über Nacht zur bekanntesten Pop-Band dieser Zeit. Es folgte Hit auf Hit: “Mamma Mia”, “SOS“, “Super Trouper”, “Knowing Me Knowing You”, “Chiquitita”, “Money Money Money” und viele mehr!

ABBA – The Tribute Concert fängt die Faszination dieser großartigen Band und der dazugehörigen Ära perfekt ein. ABBAMUSIC, bestehend aus acht italienischen Vollblutmusikern, lässt die großen Hits detailgetreu erklingen, LIVE und dennoch in musikalischer Studioqualität. Eine professionelle Lichtshow unterstreicht mit den knalligen Farben der Siebziger den unverwechselbaren Retro-Look.
Authentisch, leidenschaftlich, mitreißend – eine großartige Bühnenshow!

Mit mehr als 350 Millionen verkauften Alben weltweit gehört ABBA zu den kommerziell erfolgreichsten Bands und ein Ende der ABBA – Mania ist nicht abzusehen! Die Faszination und Popularität der unvergesslichen Ohrwürmer ist ungebrochen – auch dank des weltweit erfolgreichen Musicals „Mamma Mia“ und den gleichnamigen Filmen.

Das „neue“ ABBA-Fieber hat längst auch die heute jungen Musikfans ergriffen, die nicht selten zusammen mit ihren Eltern zu ABBA – The Tribute Concert kommen. Die verrückten Siebziger kehren zurück – mit Schlaghosen, Plateauschuhen, Hotpants, Minirock und den fantastischen Hits der legendären schwedischen Superstars.

Nach den grammatikalisch zum Teil ehrgeizigen Programmtiteln wie HETZ MICH NICHT!, KEINE ANHUNG (Na, den kleinen Schreibfehler entdeckt?) und ICH FIND’S LUSTIG steht jetzt das nächste, brandheiße und natürlich wieder zu 100 Prozent grammelige Live-Programm fertig in den Startlöchern. Beziehungsweise fast. Also: FAST FERTIG!
Denn so heißt das neue hemmungslos alberne, grammelsche Bühnenspektakel. Aber Spandaus ganzer Stolz und blondgesträhnter Puppet Comedy-König feilt natürlich wie gewohnt noch bis zur allerletzten Sekunde an seinem bisher definitiv verrücktesten und emotionalsten Programm. Man kann sich also auf einige wilde Überraschungen freuen!
Fest steht nur, dass es Saschas beliebt-skurrile Puppen-Mannschaft mit FAST FERTIG! diesmal auf eine einsame Trauminsel verschlagen hat. Dabei haben die Bühnenbildbauer rund um Meister Grammel mal wieder ganz besonders liebevoll in der wunderbar kunterbunten Fantasie-Welt-Kiste herumgestöbert: so eine Insel wie Grammel Island hat man sicher noch nie auf deutschen Comedy-Bühnen gesehen.
Und mittendrin zwischen Palmen, Sand und sprechenden Bergen unser Spandauer Sonnenscheinchen und hochalberner Gute-Laune-Garant Sascha Grammel, der sich auch diesmal ganz fest vorgenommen hat, fast zwei Stunden am Stück mit sich selbst zu reden, mit Puppen zu spielen und sich dabei von möglichst vielen Menschen anschauen und sogar filmen zu lassen.
Selbstverständlich auch bei FAST FERTIG! wieder mit in Grammels Erfolgs-Dream-Team: alle seine beliebt-bekannten Puppen-Charaktere wie Frederic, Josie, Prof. Hacke & Co. Aber auch – einfach sensationell – Saschas bisher größte Bauchrednerpuppe überhaupt ist auf seiner kleinen Spaß-Insel gestrandet!

In einem herrschaftlichen Haus am Meer soll eine Hochzeit stattfinden. Im dunklen Betriebshof wird geliefert, geputzt, geräumt, bewacht und entsorgt. In einer poetischen Melange aus bitterer Tragik und düsterem Slapstick geben die liebenswerten Charaktere ihr Bestes, um die reibungslose Versorgung des prächtigen Hauses am Meer zu sichern. Dazu verurteilt, schwach zu bleiben, kämpfen sie um ihre Würde und den Respekt der Starken und Reichen. Aber plötzlich ist das Meer verschwunden und es bleibt nur eine Wüste aus Sand und Stein. Für einen Augenblick steht alles still. Doch die Musik spielt lauter, das Fest der Liebe soll weitergehen. Feste ist ein Märchen für Erwachsene ohne Worte, eine tragikomische Geschichte über die Jagd nach dem individuellen Glück – hinter der sich jedoch noch mehr verbirgt: Gleich den Engeln von Paul Klee, bezeugen die Masken mit ihrer stillen Unbeweglichkeit den tosenden Wahnsinn des Fortschritts.

Die stillgelegte Zeche „Hannover“ in Bochum ist 1996 Schauplatz der Uraufführung von Familie Flöz kommt über Tage, einer Hommage an die Bergbau- und Arbeiterkultur des Ruhrgebiets. Das Stück wird von Presse und Publikum gleichermaßen gefeiert. Flöz bezeichnet die Erdschicht, in der wertvolle Rohstoffe eingelagert sind. Seitdem wurden die Stücke von Familie Flöz mit großem Erfolg in 43 Ländern gezeigt, darunter Teatro Delusio und der sogenannte „Alpenthriller“ Hotel Paradiso.

Auch in der Spielzeit 2022/2023 wird das Pfalztheater Kaiserslautern mit attraktiven, spannenden Musiktheaterproduktionen in Ludwigshafen zu Gast sein. Das Spektrum reicht in dieser Saison von der großen Oper sowohl aus Italien wie aus Deutschland über die klassische Operette bis zum aktuellen Musical. Die Titel auf dem Spielplan sind im Einzelnen:

Macbeth, Oper von Giuseppe Verdi
Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg, Oper von Richard Wagner
Sunset Boulevard, Musical von Andrew Lloyd Webber nach dem Film von Billy Wilder
Die lustige Witwe, Operette von Franz Lehár

Inzwischen ist es schon Tradition, dass das Pfalztheater Kaiserslautern seine Produktionen dem Ludwigshafener Publikum vorab in einer Matinee vorstellt. Am Sonntag, 12. März 2023, ab 11.00 Uhr gibt es im Gläsernen Foyer/im Großen Haus des Theaters im Pfalzbau Wissenswertes zu den Stücken und den Inszenierungen wie selbstverständlich auch musikalische Kostproben mit Ensemblemitgliedern des Pfalztheaters.

In einem herrschaftlichen Haus am Meer soll eine Hochzeit stattfinden. Im dunklen Betriebshof wird geliefert, geputzt, geräumt, bewacht und entsorgt. In einer poetischen Melange aus bitterer Tragik und düsterem Slapstick geben die liebenswerten Charaktere ihr Bestes, um die reibungslose Versorgung des prächtigen Hauses am Meer zu sichern. Dazu verurteilt, schwach zu bleiben, kämpfen sie um ihre Würde und den Respekt der Starken und Reichen. Aber plötzlich ist das Meer verschwunden und es bleibt nur eine Wüste aus Sand und Stein. Für einen Augenblick steht alles still. Doch die Musik spielt lauter, das Fest der Liebe soll weitergehen. Feste ist ein Märchen für Erwachsene ohne Worte, eine tragikomische Geschichte über die Jagd nach dem individuellen Glück – hinter der sich jedoch noch mehr verbirgt: Gleich den Engeln von Paul Klee, bezeugen die Masken mit ihrer stillen Unbeweglichkeit den tosenden Wahnsinn des Fortschritts.

Die stillgelegte Zeche „Hannover“ in Bochum ist 1996 Schauplatz der Uraufführung von Familie Flöz kommt über Tage, einer Hommage an die Bergbau- und Arbeiterkultur des Ruhrgebiets. Das Stück wird von Presse und Publikum gleichermaßen gefeiert. Flöz bezeichnet die Erdschicht, in der wertvolle Rohstoffe eingelagert sind. Seitdem wurden die Stücke von Familie Flöz mit großem Erfolg in 43 Ländern gezeigt, darunter Teatro Delusio und der sogenannte „Alpenthriller“ Hotel Paradiso.

Mit GHOST–NACHRICHT VO NSAM kehrt nach dem Erfolg der Tour 2022 eine der größten Liebesgeschichten der 90er Jahre auf dieMusical-Bühne zurück. Der Kultfilm mit Whoopi Goldberg und Patrick Swayze, der für immer Spuren hinterlassen hat und eine Geschichte,in der die Liebe sogar den Tod besiegt. Das Publikum wird mitgerissen von der Kraft der Gefühle, der greifbaren Spannung und natürlich “UNCHAINED MELODY”-man verliebt sich nochmal neu in das Meisterwerk von 1989.

Mit GHOST–NACHRICHT VON SAM kehrt nach dem Erfolg der Tour 2022 eine der größten Liebesgeschichten der 90er Jahre auf die Musical-Bühne zurück. Der Kultfilm mit Whoopi Goldberg und Patrick Swayze, der für immer Spuren hinterlassen hat und eine Geschichte, in der die Liebe sogar den Tod besiegt. Das Publikum wird mitgerissen von der Kraft der Gefühle, der greifbaren Spannung und natürlich “UNCHAINED MELODY”-man verliebt sich nochmal neu in das Meisterwerk von 1989.

Mit GHOST–NACHRICHT VON SAM kehrt nach dem Erfolg der Tour 2022 eine der größten Liebesgeschichten der 90er Jahre auf die Musical-Bühne zurück. Der Kultfilm mit Whoopi Goldberg und Patrick Swayze, der für immer Spuren hinterlassen hat und eine Geschichte, in der die Liebe sogar den Tod besiegt. Das Publikum wird mitgerissen von der Kraft der Gefühle, der greifbaren Spannung und natürlich “UNCHAINED MELODY”-man verliebt sich nochmal neu in das Meisterwerk von 1989.

Die beiden im Abstand von 14 Jahren entstandenen Choreographien dieses Doppelabends sind jeweils Ausdruck der Auseinandersetzung des Choreographen Rodrigo Pederneiras mit der Gesellschaft zur Zeit ihrer Entstehung. Und doch lebt der Abend vor allem von der Unterschiedlichkeit der beiden Choreographien.

Das 2007 uraufgeführte Ballett Breu ist eine poetische Übersetzung der gewalttätigen, barbarischen Zeiten, in denen wir leben. Es zeigt die radikalsten Tanzbewegungen von Rodrigo Perderneiras in 30 Jahren als Choreograph der brasilianischen Tanzkompanie. Um die komplexe, durchdringende Partitur der Sängerin und Komponistin Lenine in Bewegung umzusetzen, mussten der Choreograph und die Tänzer die Sinnlichkeit, den Lyrismus und die Freude, die die Arbeit der Gruppe seit 1992 geprägt hatten, hinter sich lassen und neue Bewegungsformen entwickeln. Das Ergebnis war Breu, ein Ballett, dessen Formen härter, kantiger und kraftvoller sind als die seiner Vorgänger. Die abrupten Stürze und die schmerzhaft langsamen Aufwärtsbewegungen der Tänzer scheinen ihre Körper zum Boden zu verdammen, wo sie sich mit Hilfe des Beckens, der Handgelenke, der Ellbogen, der Knie, der Knöchel und der Fersen bewegen. Um stehen zu bleiben oder aufzusteigen, ist es notwendig, die anderen zu ignorieren oder ihnen als Feinde gegenüberzutreten, was die Philosophie unserer Gesellschaft widerspiegelt, um jeden Preis zu gewinnen. Unser Individualismus und unsere Eile, andere zu überrennen, um zu überleben, scheinen die Bewegungen der Tänzer während der 40-minütigen Show zu bestimmen.

Primavera (Frühling) basiert auf der Musik des Duos Palavra Cantada: 14 Lieder, die für Instrumentalversionen angepasst wurden, in einer Reihe von Musikstilen, die manchmal sehr kontrastreich sind – von leichtem Jazz bis zu Afro-Percussion. Das Ballett, das während der Pandemie entstand, hat den Geist des Divertissements; es nimmt die Zwänge des Augenblicks auf  ̶  und umarmt sie in gewisser Weise: Es gibt Soli, Duos, Trios und Quartette, in denen sich die Tänzer nicht berühren, mit Ausnahme von drei Pas de deux in der Aufführung von Partnern, die auch im Leben Paare sind.

Die einfarbigen Kostüme der Tänzerinnen  ̶  Gelb-, Grün-, Orange- und Rottöne  ̶  beschwören leichtere Zeiten herauf und suchen nach der Süße der Jahreszeit; die männlichen Tänzer tragen enganliegende Hemden und klassische schwarze Hosen. Echtzeit-Projektionen besetzen den hinteren Teil der Bühne und vervielfältigen und verstärken Blicke, Gesten und – warum nicht?  ̶  die Idee einer neuen Zeit.

Die beiden im Abstand von 14 Jahren entstandenen Choreographien dieses Doppelabends sind jeweils Ausdruck der Auseinandersetzung des Choreographen Rodrigo Pederneiras mit der Gesellschaft zur Zeit ihrer Entstehung. Und doch lebt der Abend vor allem von der Unterschiedlichkeit der beiden Choreographien.

Das 2007 uraufgeführte Ballett Breu ist eine poetische Übersetzung der gewalttätigen, barbarischen Zeiten, in denen wir leben. Es zeigt die radikalsten Tanzbewegungen von Rodrigo Perderneiras in 30 Jahren als Choreograph der brasilianischen Tanzkompanie. Um die komplexe, durchdringende Partitur der Sängerin und Komponistin Lenine in Bewegung umzusetzen, mussten der Choreograph und die Tänzer die Sinnlichkeit, den Lyrismus und die Freude, die die Arbeit der Gruppe seit 1992 geprägt hatten, hinter sich lassen und neue Bewegungsformen entwickeln. Das Ergebnis war Breu, ein Ballett, dessen Formen härter, kantiger und kraftvoller sind als die seiner Vorgänger. Die abrupten Stürze und die schmerzhaft langsamen Aufwärtsbewegungen der Tänzer scheinen ihre Körper zum Boden zu verdammen, wo sie sich mit Hilfe des Beckens, der Handgelenke, der Ellbogen, der Knie, der Knöchel und der Fersen bewegen. Um stehen zu bleiben oder aufzusteigen, ist es notwendig, die anderen zu ignorieren oder ihnen als Feinde gegenüberzutreten, was die Philosophie unserer Gesellschaft widerspiegelt, um jeden Preis zu gewinnen. Unser Individualismus und unsere Eile, andere zu überrennen, um zu überleben, scheinen die Bewegungen der Tänzer während der 40-minütigen Show zu bestimmen.

Primavera (Frühling) basiert auf der Musik des Duos Palavra Cantada: 14 Lieder, die für Instrumentalversionen angepasst wurden, in einer Reihe von Musikstilen, die manchmal sehr kontrastreich sind – von leichtem Jazz bis zu Afro-Percussion. Das Ballett, das während der Pandemie entstand, hat den Geist des Divertissements; es nimmt die Zwänge des Augenblicks auf  ̶  und umarmt sie in gewisser Weise: Es gibt Soli, Duos, Trios und Quartette, in denen sich die Tänzer nicht berühren, mit Ausnahme von drei Pas de deux in der Aufführung von Partnern, die auch im Leben Paare sind.

Die einfarbigen Kostüme der Tänzerinnen  ̶  Gelb-, Grün-, Orange- und Rottöne  ̶  beschwören leichtere Zeiten herauf und suchen nach der Süße der Jahreszeit; die männlichen Tänzer tragen enganliegende Hemden und klassische schwarze Hosen. Echtzeit-Projektionen besetzen den hinteren Teil der Bühne und vervielfältigen und verstärken Blicke, Gesten und – warum nicht?  ̶  die Idee einer neuen Zeit.

Eine Wiederentdeckung sorgte auf dem Buchmarkt des Jahres 2019 für Überraschung. Gabriele Tergits Familienchronik Effingers, erstmals 1951 erschienen und schnell wieder in Vergessenheit geraten, wurde neu aufgelegt und endlich mit der angemessenen Aufmerksamkeit bedacht. Inzwischen rückt man die jüdische Journalistin und Schriftstellerin sogar in die Nähe Thomas Manns. Sein Roman Die Buddenbrooks erzählt auf ähnliche Weise vom Aufstieg und Zerfall einer Kaufmannsdynastie. Bei Effingers hat der Niedergang eines durch und durch bürgerlichen Lebensentwurfs allerdings andere Gründe: Die Familie ist jüdisch, was lange Zeit für niemanden ein Thema ist – bis der schleichend anrückende Faschismus die verborgenen antisemitischen Ressentiments salonfähig macht.
Der süffig zu lesende, detailreiche Roman schlägt den Bogen über drei Generationen, von 1883 bis 1942. Man durchlebt in den Wohnzimmern zweier jüdischer Kaufmannsfamilien den Abgesang des Kaiserreichs, den Ersten Weltkrieg, die Spanische Grippe, die Ausrufung der Republik, die Machtergreifung der Nazis. Drei Generationen wachsen auf, suchen Rückhalt und Stabilität in ihrer Familie oder emanzipieren sich von ihren Zwängen. Sie verlieben sich, werden verheiratet oder heiraten gar nicht, fahren das erste Mal Auto, experimentieren mit dem technischen und wirtschaftlichen Fortschritt, erleben einen Weltkrieg, sind Teil des gesellschaftlichen Aufstiegs und stürzen ab.
Jan Bosse nutzt den vielschichtigen Text als Fundament für einen ausufernd schönen Theaterabend, der in die Vergangenheit entführt und doch die Gegenwart benennt. Mit einem großen Ensemble erinnert er sich an eine Zeit, in der die Wurzeln für heutige Strukturen und Denkweisen gelegt wurden. Es ist ein liebevoller, mal sarkastischer, mal melancholischer Blick auf eine untergegangene Welt, an der es nichts zu romantisieren gibt.

„Es springen Funken über, wie es das nur im Theater gibt.“ Süddeutsche Zeitung

Eine Wiederentdeckung sorgte auf dem Buchmarkt des Jahres 2019 für Überraschung. Gabriele Tergits Familienchronik Effingers, erstmals 1951 erschienen und schnell wieder in Vergessenheit geraten, wurde neu aufgelegt und endlich mit der angemessenen Aufmerksamkeit bedacht. Inzwischen rückt man die jüdische Journalistin und Schriftstellerin sogar in die Nähe Thomas Manns. Sein Roman Die Buddenbrooks erzählt auf ähnliche Weise vom Aufstieg und Zerfall einer Kaufmannsdynastie. Bei Effingers hat der Niedergang eines durch und durch bürgerlichen Lebensentwurfs allerdings andere Gründe: Die Familie ist jüdisch, was lange Zeit für niemanden ein Thema ist – bis der schleichend anrückende Faschismus die verborgenen antisemitischen Ressentiments salonfähig macht.
Der süffig zu lesende, detailreiche Roman schlägt den Bogen über drei Generationen, von 1883 bis 1942. Man durchlebt in den Wohnzimmern zweier jüdischer Kaufmannsfamilien den Abgesang des Kaiserreichs, den Ersten Weltkrieg, die Spanische Grippe, die Ausrufung der Republik, die Machtergreifung der Nazis. Drei Generationen wachsen auf, suchen Rückhalt und Stabilität in ihrer Familie oder emanzipieren sich von ihren Zwängen. Sie verlieben sich, werden verheiratet oder heiraten gar nicht, fahren das erste Mal Auto, experimentieren mit dem technischen und wirtschaftlichen Fortschritt, erleben einen Weltkrieg, sind Teil des gesellschaftlichen Aufstiegs und stürzen ab.
Jan Bosse nutzt den vielschichtigen Text als Fundament für einen ausufernd schönen Theaterabend, der in die Vergangenheit entführt und doch die Gegenwart benennt. Mit einem großen Ensemble erinnert er sich an eine Zeit, in der die Wurzeln für heutige Strukturen und Denkweisen gelegt wurden. Es ist ein liebevoller, mal sarkastischer, mal melancholischer Blick auf eine untergegangene Welt, an der es nichts zu romantisieren gibt.

„Es springen Funken über, wie es das nur im Theater gibt.“ Süddeutsche Zeitung

Die Geschichte beginnt in der heutigen Zeit, im verschlafenen kleinen Dorf Chabot im ländlichen US-Bundesstaat Mississippi. Dort lebt Larry Ott, der als Jugendlicher verdächtigt wurde, eine junge Frau ermordet zu haben. Auch wenn er vor Gericht freigesprochen wurde, steht ihm seitdem die gesamte Dorfgesellschaft feindselig gegenüber und man nennt ihn nur noch „Scary Larry“. Als nun Jahrzehnte später eine weitere Frau verschwindet, steht der Täter für die Bewohner Chabots natürlich schon fest. Betrunkene Vandalen randalieren vor Larrys Haus, bis die Situation eskaliert und er angeschossen wird.
Mit den Ermittlungen zu diesem Fall wird Silas Jones betraut, ein schwarzer Constable, der in Chabot aufgewachsen ist und nun nach langen Jahren wieder in seine Heimat zurückkehrt. Als Kinder verband Silas und den schon damals sozial isolierten Larry eine enge Freundschaft, die nach dem vermeintlichen Mordfall in die Brüche ging. Mit dem Aufeinandertreffen der Protagonisten brechen die Wunden der Vergangenheit wieder auf, denn auch Silas hat einst eine schwere Schuld auf sich geladen, die er nun zu begleichen versucht.
Mit dieser Geschichte um zwei ungelöste Morde, die Vergangenheit und Gegenwart miteinander verbinden, erforscht Crooked Letter, Crooked Letter Themenkomplexe wie verdrängte Erinnerungen, rassistische Spannungen und die wahre Natur der Freundschaft.

Es wird eng für die drei Freunde Locke, Flocke und Socke, als ihre Weide rund um die alte Fabrik abgeriegelt wird und das Gras unter einem Berg von leeren Petflaschen verschwindet. Was ist da los? Socke bricht auf, um nachzusehen – und kommt nicht zurück! Die besorgten Freunde verfolgen ihre Spur und stoßen auf dubiose Geschäftsleute, knallharte Bodyguards und geheime Machenschaften.

„Mit ihren ausdrucksvollen Klappmaulpuppen haben sich Delia Dahinden, Anna Karger und Lukas Roth seit der Gründung von DAKAR Produktion im Jahr 2014 als feste Größe in der Schweizer Figurentheaterszene etabliert.“ Ueli Burkhardt, Theater Ticino

„Hebel ist leicht, lebhaft, dicht, spannend, bedächtig in einem.“; das schrieb Ernst Bloch über Johann Peter Hebel. Der Dichter und Theologe stammte aus einfachen Verhältnissen und brachte es dennoch zum Karlsruher Schuldirektor, Prälat und Landtagsabgeordneten. Hebel verstarb 1826 in Schwetzingen und liegt ebenda begraben. Hinterlassen hat er zahlreiche Gedichte und Kurzgeschichten. Bekannt ist u. a. sein Schatzkästlein des rheinischen Hausfreundes, in dem wir im März ’23 nach Herzenslust stöbern.

Inspiriert durch den nigerianischen Komponisten, Saxophonisten, Dirigenten, politischen Aktivisten und Erfinder des Afrobeat Fela Kuti, schuf der belgisch-burkinische Choreograph Serge Aimé Coulibaly ein neues Tanzstück, in dem Politik mehr bedeutet als nur einen vagen dramaturgischen Unterton.
Auf der Bühne stehen sechs Tänzer und bald kommt ein siebter dazu. Diese zeigen eine Reihe von Variationen von Figuren und Bewegungen, die als Metaphern für die überwältigende Dringlichkeit des Lebens gelesen werden können. Eine politische Reflexion, die durch den Körper rast. Eine Bewegungssprache, die auf dem traditionellen Repertoire fußt, in Nachtclubs und im Jazz entwickelt, die aber letztlich zu einem vollkommen neuen Tanzstil entwickelt wird, der unbelastet von seinen Ursprüngen vorwärts drängt.
Das Bühnenbild verweist sowohl auf unsere alltägliche politische und soziale Welt als auch auf den Schrein, einen hybriden und metaphysischen Ort, ebenso Tempel wie Nachtclub, an dem Fela Kuti von Hoffnung und Volksaufständen sang, nachdem er mit seinem Publikum eine Andacht abgehalten hatte. Dieser Aufenthaltsort hieß Kalakuta Republic, lag in den Außenbezirken von Lagos und wurde von ihm als unabhängige Republik ausgerufen. Der Geist von Fela, Repräsentationsfigur der westafrikanischen Opposition und Inspirationsquelle für viele, ist ein zentrales Element dieser Aufführung.
Serge Aimé Coulibaly selbst verkörpert die Rolle des Erzählers. Identifiziert er sich mit Fela Kuti? Oder ist er einfach er selbst, ein engagierter Künstler, verstrickt in eine aufgewühlte Welt und gleichzeitig beeindruckt von der grenzenlosen Sehnsucht der jungen Burkiner nach Freiheit, die zu einer Revolution geführt hat?
Kalakuta Republik ist weder eine Biographie von Fela Kuti noch ein Musical über das Lebenswerk des Musikers. Es ist vielmehr eine mitreißende Studie über künstlerisches Engagement und was dieses bewirken kann. Eine Aufführung mit einer ansteckenden Energie. Ein kleines Stück Afrika jenseits der Klischees. Ein Afrika in einer globalisierten Welt, der Serge Aimé Coulibaly und seine Künstlergeneration verbunden sind und der sie ihre Aufmerksamkeit schenken möchten.

Er war eine schwere Geburt. Die Ankunft Richards III. auf der Welt ist überschattet von merkwürdigen Vorzeichen. Wäre es vielleicht besser gewesen, dieses Kind wäre nie geboren? Richards Mutter, die Herzogin von York, ahnt Böses: Von Anfang an bleibt ihr der Sohn dunkel und fremd. Kaum kann sie Liebe zu ihm entwickeln, wie er auch sonst überall auf Ablehnung stößt. Später, im jugendlichen Alter, erweist er sich in den Schlachten um die englische Krone als äußerst kaltblütig, brutal – und erfolgreich. Mit Richard III. betritt einer der größten Antihelden der Theaterliteratur die Bühne: schamlos, gierig, gewalttätig, schlechthin die Inkarnation des Bösen. Zugleich ist er eine Hauptattraktion des Shakespeare’schen Kosmos: hellsichtig, witzig, heuchlerisch, verführerisch. Er weiß um die Manipulierbarkeit der Menschen, ist ein großer Lügner, ein Virtuose der Instrumentalisierung anderer und der genussvollen Selbstinszenierung. Ein genialer Coup, der diese Rolle bis heute zu einer außerordentlichen schauspielerischen Aufgabe macht.
Karin Henkel nimmt die Königsdramen Heinrich VI. und Richard III. als Ausgangspunkt ihrer Inszenierung. Unter Verwendung von Texten aus Schlachten! von Tom Lanoye und Luc Perceval, übersetzt von Rainer Kersten, richtet sie in Richard the Kid den Fokus auf die Kindheit und die Familiengeschichte Richards, die Zeit vor seiner Machtergreifung. Seit Jahren liefern sich die Häuser York und Lancaster erbitterte und blutige Schlachten um die englische Königsherrschaft in den sogenannten „Rosenkriegen“.
In Richard the King & the Kid befasst sich Karin Henkel mit dem politischen Umfeld des berühmt-berüchtigten Machthabers. Warum spielen alle mit, obwohl sie um die Lügen und das falsche Spiel Richards wissen? Wie gelingt Richard der zynische Spagat, die Menschen einerseits aufs Tiefste zu verabscheuen, sie andererseits aber doch für seine Zwecke zu gewinnen?

Shakespeare zeigt auf eindrückliche Weise das kollektive Versagen eines ganzen Landes und die Deformation einer verunsicherten Gesellschaft, deren zunehmende Verrohung den Aufstieg des Tyrannen erst ermöglicht. Beunruhigend bleibt, was hinter unserem Vergnügen steckt, Richard in seinen dunkelsten Machenschaften zu folgen.

Lina Beckmann erhielt für ihre Rolle des Richard in Richard the Kid & the King den NESTROY-Theaterpreis 2021 in der Kategorie „Beste Schauspielerin“ und wird außerdem dafür mit dem Gertrud-Eysoldt-Ring geehrt.

Er war eine schwere Geburt. Die Ankunft Richards III. auf der Welt ist überschattet von merkwürdigen Vorzeichen. Wäre es vielleicht besser gewesen, dieses Kind wäre nie geboren? Richards Mutter, die Herzogin von York, ahnt Böses: Von Anfang an bleibt ihr der Sohn dunkel und fremd. Kaum kann sie Liebe zu ihm entwickeln, wie er auch sonst überall auf Ablehnung stößt. Später, im jugendlichen Alter, erweist er sich in den Schlachten um die englische Krone als äußerst kaltblütig, brutal – und erfolgreich. Mit Richard III. betritt einer der größten Antihelden der Theaterliteratur die Bühne: schamlos, gierig, gewalttätig, schlechthin die Inkarnation des Bösen. Zugleich ist er eine Hauptattraktion des Shakespeare’schen Kosmos: hellsichtig, witzig, heuchlerisch, verführerisch. Er weiß um die Manipulierbarkeit der Menschen, ist ein großer Lügner, ein Virtuose der Instrumentalisierung anderer und der genussvollen Selbstinszenierung. Ein genialer Coup, der diese Rolle bis heute zu einer außerordentlichen schauspielerischen Aufgabe macht.
Karin Henkel nimmt die Königsdramen Heinrich VI. und Richard III. als Ausgangspunkt ihrer Inszenierung. Unter Verwendung von Texten aus Schlachten! von Tom Lanoye und Luc Perceval, übersetzt von Rainer Kersten, richtet sie in Richard the Kid den Fokus auf die Kindheit und die Familiengeschichte Richards, die Zeit vor seiner Machtergreifung. Seit Jahren liefern sich die Häuser York und Lancaster erbitterte und blutige Schlachten um die englische Königsherrschaft in den sogenannten „Rosenkriegen“.
In Richard the King & the Kid befasst sich Karin Henkel mit dem politischen Umfeld des berühmt-berüchtigten Machthabers. Warum spielen alle mit, obwohl sie um die Lügen und das falsche Spiel Richards wissen? Wie gelingt Richard der zynische Spagat, die Menschen einerseits aufs Tiefste zu verabscheuen, sie andererseits aber doch für seine Zwecke zu gewinnen?

Shakespeare zeigt auf eindrückliche Weise das kollektive Versagen eines ganzen Landes und die Deformation einer verunsicherten Gesellschaft, deren zunehmende Verrohung den Aufstieg des Tyrannen erst ermöglicht. Beunruhigend bleibt, was hinter unserem Vergnügen steckt, Richard in seinen dunkelsten Machenschaften zu folgen.

Lina Beckmann erhielt für ihre Rolle des Richard in Richard the Kid & the King den NESTROY-Theaterpreis 2021 in der Kategorie „Beste Schauspielerin“ und wird außerdem dafür mit dem Gertrud-Eysoldt-Ring geehrt.

Ein Deutsches Requiem nannte Johannes Brahms seine Komposition, die heute ohne Zweifel zu den bedeutungsvollsten Werken der gesamten romantischen Epoche zählt. Mehr als zehn Jahre lang arbeitete Brahms an diesem Werk und komponierte die einzelnen Sätze mit teilweise großem zeitlichem Abstand. Während die ersten Aufführungen einzelner Teile des Werks eher zurückhaltend aufgenommen wurden, war die Uraufführung des gesamten Requiems 1869 ein durschlagender Erfolg. Johannes Brahms, der bis dorthin hauptsächlich als Klaviervirtuose auf sich aufmerksam gemacht hatte, erlangte nun europaweite Berühmtheit als Komponist.
Brahms wählte die Texte seines Oratoriums selbst aus und entschied sich bewusst nicht für die Liturgie der Totenmesse, wie sie damals üblich war, sondern legte den Fokus auf Texte, die den Hinterbliebenen Trost spenden sollten. Der sehr lyrische 5. Satz „Ihr habt nun Traurigkeit; aber ich will euch wieder sehen und euer Herz soll sich freuen. Ich will euch trösten, wie einen seine Mutter tröstet.“, den Brahms kurz nach dem Tod seiner Mutter als letztes fertigstellte, zeugt eindringlich von dieser Intention.  Unter anderem daher und auch weil das Werk gleichermaßen für den Kirchenraum und den Konzertsaal gedacht war, nimmt das Deutsche Requiem eine Sonderstellung in der (kirchen)musikalischen Tradition ein.
Der bedeutende Wiener Musikkritiker Eduard Hanslick schrieb über dieses Werk: „Seit Bachs h-Moll-Messe und Beethovens Missa solemnis ist nichts geschrieben worden, was auf diesem Gebiete sich neben Brahms’ Deutsches Requiem zu stellen vermag.“ In den folgenden zehn Jahren nach der Uraufführung war das Werk bereits mehr als fünfzig Mal in fast allen deutschsprachigen Städten zur Aufführung gebracht worden.

Im Sommer, während des berühmten Theaterfestivals, sieht man sie trommelnd durch Avignon ziehen. Dort sind die Künstler der spanischen Company Yllana regelmäßig zu Gast, und wie viele andere Ensembles werben sie lautstark für ihre Show. Ihre Kostüme wirken wie beim Grunge entlehnt, ihre physische Präsenz verspricht energiegeladene Comedyshows. Die 1991 gegründete Company hat ihre Wurzeln in der Pantomime und im physical theatre. Bis heute arbeitet die Gruppe weitgehend ohne Sprache und hat sich auf diese Weise weltweit Renommé erworben. Ihre Komik lebt von einer präzisen Komposition aus Slapstick und Sound und erzählt von der Absurdität alltäglicher Begebenheiten.

The Gagfather ist eine urkomische Reise in die Unterwelt. Gemeint ist die Art von Unterwelt, die eigentlich jede Stadt im Verborgenen hat, die der kleinen und großen Ganoven. Vor deren Tricks und Umtrieben müssen die Kommissare oft genug kapitulieren. Im konkreten Fall ist es eine spezielle Bande, die die Stadt in Atem hält. Es sind die ruchlosen GaGsters, die vor keinem Witz zurückschrecken. Um jeden Preis gilt es, ihnen Einhalt zu gebieten, aber das erweist sich als unerwartet kompliziert – zumal die Verfolger kaum weniger verrückt sind als ihre Zielobjekte. In der atemberaubenden Jagd werden alle Gesetze auf den Kopf gestellt, mit den Mitteln des Film noir entsteht ein schräges Universum menschlicher Abgründe. Die energiegeladenen GaGsters sind mittlerweile auch dem Ludwigshafener Publikum bestens bekannt und kehren mit ihrem Best-Of-Programm auf die Große Bühne zurück.

Im Sommer, während des berühmten Theaterfestivals, sieht man sie trommelnd durch Avignon ziehen. Dort sind die Künstler der spanischen Company Yllana regelmäßig zu Gast, und wie viele andere Ensembles werben sie lautstark für ihre Show. Ihre Kostüme wirken wie beim Grunge entlehnt, ihre physische Präsenz verspricht energiegeladene Comedyshows. Die 1991 gegründete Company hat ihre Wurzeln in der Pantomime und im physical theatre. Bis heute arbeitet die Gruppe weitgehend ohne Sprache und hat sich auf diese Weise weltweit Renommé erworben. Ihre Komik lebt von einer präzisen Komposition aus Slapstick und Sound und erzählt von der Absurdität alltäglicher Begebenheiten.

The Gagfather ist eine urkomische Reise in die Unterwelt. Gemeint ist die Art von Unterwelt, die eigentlich jede Stadt im Verborgenen hat, die der kleinen und großen Ganoven. Vor deren Tricks und Umtrieben müssen die Kommissare oft genug kapitulieren. Im konkreten Fall ist es eine spezielle Bande, die die Stadt in Atem hält. Es sind die ruchlosen GaGsters, die vor keinem Witz zurückschrecken. Um jeden Preis gilt es, ihnen Einhalt zu gebieten, aber das erweist sich als unerwartet kompliziert – zumal die Verfolger kaum weniger verrückt sind als ihre Zielobjekte. In der atemberaubenden Jagd werden alle Gesetze auf den Kopf gestellt, mit den Mitteln des Film noir entsteht ein schräges Universum menschlicher Abgründe. Die energiegeladenen GaGsters sind mittlerweile auch dem Ludwigshafener Publikum bestens bekannt und kehren mit ihrem Best-Of-Programm auf die Große Bühne zurück.

Ein Klassiker, der verzaubert

Mit viel Witz und Emotion erzählen wir die wohl schönste Liebesgeschichte aller Zeiten! Es erwartet Sie ein unterhaltsames und humorvolles Familien-Musical. Wir inszenieren das französische Volksmärchen in einer zeitgemäßen Fassung für die ganze Familie. Unser bestens ausgebildetes Ensemble wird Sie mit abwechslungsreichen Choreografien zu romantischen Balladen und poppigen Songs mit Hitpotenzial begeistern. Auf der Bühne entsteht eine märchenhafte Kulisse: das wandelbare Bühnenbild wechselt zwischen Belles Zuhause und dem verzauberten Schloss, das mit den traumhaften Kostümen um die Wette funkelt.
Lassen Sie sich verzaubern und erleben Sie ein unvergessliches Musical-Highlight!

Robert Walser hat sein Familiendrama Der Teich um 1902 in berndeutscher Mundart als Geschenk an seine jüngste Schwester Fanny verfasst. Die Hauptfigur Fritz fühlt sich von seiner Mutter nicht geliebt und täuscht vor, im nahegelegenen Teich ertrunken zu sein.

Die Adaption der französischen Regisseurin und Choreographin Gisèle Vienne greift die beunruhigenden Anspielungen des lediglich 20 Seiten umfassenden Textes von Robert Walser auf und bringt Themen wie Kindesmissbrauch, Inzest und Familientraumata wie durch ein Vergrößerungsglas an die Oberfläche. Die beiden Darstellerinnen verkörpern zehn Charaktere, neben der Hauptfigur Fritz seine Geschwister, Freunde und Protagonisten aus der Welt der Erwachsenen. Vienne findet einen ungewöhnlichen Zugang zu der Geschichte und konfrontiert das Publikum von Anfang an mit einer irrealen, künstlichen Atmosphäre, die durch die Verstärkung der Stimmen durch Microports noch unterstrichen wird. Adèle Haenel, die sich mehr und mehr als Filmdarstellerin einen Namen macht und der #MeToo-Bewegung in Frankreich eine Stimme verleiht, spielt einerseits virtuos mit diesem Eindruck des Irrealen, andererseits kann man förmlich die Emotionen spüren, die ihren Körper durchströmen. Wir erleben eine Achterbahnfahrt der Gefühle, hin- und hergerissen zwischen Schmerz und der Sehnsucht nach Nähe. In ihrer Inszenierung arbeitet Gisèle Vienne verschiedene Realitäts- und Zeitebenen heraus, die sich überlagern und die Komplexität von Intimität aufscheinen lassen. Nachdem Fritz‘ Schwindel auffliegt und er trotz seiner Dreistigkeit nicht bestraft wird, regt sich die verborgene Zärtlichkeit zwischen ihm und seiner Mutter und es manifestiert sich die schmerzlich vermisste Liebe.

Robert Walser hat sein Familiendrama Der Teich um 1902 in berndeutscher Mundart als Geschenk an seine jüngste Schwester Fanny verfasst. Die Hauptfigur Fritz fühlt sich von seiner Mutter nicht geliebt und täuscht vor, im nahegelegenen Teich ertrunken zu sein.

Die Adaption der französischen Regisseurin und Choreographin Gisèle Vienne greift die beunruhigenden Anspielungen des lediglich 20 Seiten umfassenden Textes von Robert Walser auf und bringt Themen wie Kindesmissbrauch, Inzest und Familientraumata wie durch ein Vergrößerungsglas an die Oberfläche. Die beiden Darstellerinnen verkörpern zehn Charaktere, neben der Hauptfigur Fritz seine Geschwister, Freunde und Protagonisten aus der Welt der Erwachsenen. Vienne findet einen ungewöhnlichen Zugang zu der Geschichte und konfrontiert das Publikum von Anfang an mit einer irrealen, künstlichen Atmosphäre, die durch die Verstärkung der Stimmen durch Microports noch unterstrichen wird. Adèle Haenel, die sich mehr und mehr als Filmdarstellerin einen Namen macht und der #MeToo-Bewegung in Frankreich eine Stimme verleiht, spielt einerseits virtuos mit diesem Eindruck des Irrealen, andererseits kann man förmlich die Emotionen spüren, die ihren Körper durchströmen. Wir erleben eine Achterbahnfahrt der Gefühle, hin- und hergerissen zwischen Schmerz und der Sehnsucht nach Nähe. In ihrer Inszenierung arbeitet Gisèle Vienne verschiedene Realitäts- und Zeitebenen heraus, die sich überlagern und die Komplexität von Intimität aufscheinen lassen. Nachdem Fritz‘ Schwindel auffliegt und er trotz seiner Dreistigkeit nicht bestraft wird, regt sich die verborgene Zärtlichkeit zwischen ihm und seiner Mutter und es manifestiert sich die schmerzlich vermisste Liebe.

Im Münchner „Speckgürtel“ wächst Ende der 1990er-Jahre das Mädchen Heidrun in einer äußerlich unauffälligen Mittelstandsfamilie auf, in der sie und ihre Schwestern in der Ideologie des Nationalsozialismus großgezogen werden. Heidrun erlebt paramilitärischen Drill in den Ferienlagern des mittlerweile verbotenen Verbands „Heimattreue Deutsche Jugend“. Sie lernt alle drei Strophen des Deutschlandliedes zu singen und das Deutsche Reich in den Grenzen von 1937 als Laubsägearbeit anzufertigen. Mit 15 Jahren ist sie fester Teil der Neonazi-Szene in Bayern, nimmt an Aufmärschen teil, verprügelt einen Journalisten und hetzt gegen Ausländer. Erst als Heidi sich in den rechten Liedermacher Flex verliebt und die beiden ein Kind erwarten, bekommt ihr geschlossenes Weltbild erste Risse.
Die Geschichte der jungen Aussteigerin aus der deutschen Neonazi-Szene zeigt durch den persönlichen Einblick eine hermetische Parallelwelt auf. Sorgsam plant und organisiert die rechtsradikale Szene in Deutschland in ihren Nachwuchsorganisationen ihre Zukunft. Weil es Heidi Benneckenstein und ihrem Mann Felix dennoch gelungen ist, die Szene hinter sich zu lassen und heute selber Aussteiger*innen zu helfen, ist Ein deutsches Mädchen auch ein Mut machender Bericht.

Carl Zuckmayers „Seiltänzerstück“ spielt in unserer direkten Nachbarschaft, irgendwo zwischen Heidelberg und Mannheim. Der Wanderzirkus Karl Knie gastiert hier regelmäßig, alle Jahre wird die kleine Stadt am Neckar zum temporären Zuhause. Eine wirkliche Heimat aber finden die Zirkusleute nur in ihrer Kunst, in der Manege. Sie sind Reisende, die niemals ankommen können. Für den Zirkusdirektor Karl Knie ist das selbstverständlich, er hütet das Erbe seiner Familie und lebt in ihren Traditionen. Seine Tochter Katharina aber zweifelt an diesem Lebensentwurf. Sie möchte bleiben und sich in der Stadt niederlassen, auch wenn sie einen Bruch mit dem Vater und das mögliche Ende des Unternehmens riskiert. So entzündet sich ein Konflikt um die Frage, wie sehr die Jungen den Alten verpflichtet sind und ob es möglich und legitim ist, im Spannungsfeld zwischen Tradition, Familie und Aufbruch zu einer eigenen, individuellen Verortung zu finden.

Mit den Spielerinnen und Spielern der Pfalzbau Bürger Bühne befragen wir den Begriff Heimat, der in den letzten Jahren eine unerwartete Renaissance erfahren hat und zugleich erheblichen Sprengstoff birgt. Unser Ensemble, in dem sich Menschen von 13 bis 78 Jahren zusammenfinden, erzählt von sich, von unserer Gegend, von unserer Zeit. Und die Zirkusmanege öffnet sich für weitere Künstler und Künstlerinnen aus vielen Nationen, die gerade durch die intensive Auseinandersetzung mit ihren Traditionen eine Heimat in Ludwigshafen und der Metropolregion gefunden haben.

Carl Zuckmayers „Seiltänzerstück“ spielt in unserer direkten Nachbarschaft, irgendwo zwischen Heidelberg und Mannheim. Der Wanderzirkus Karl Knie gastiert hier regelmäßig, alle Jahre wird die kleine Stadt am Neckar zum temporären Zuhause. Eine wirkliche Heimat aber finden die Zirkusleute nur in ihrer Kunst, in der Manege. Sie sind Reisende, die niemals ankommen können. Für den Zirkusdirektor Karl Knie ist das selbstverständlich, er hütet das Erbe seiner Familie und lebt in ihren Traditionen. Seine Tochter Katharina aber zweifelt an diesem Lebensentwurf. Sie möchte bleiben und sich in der Stadt niederlassen, auch wenn sie einen Bruch mit dem Vater und das mögliche Ende des Unternehmens riskiert. So entzündet sich ein Konflikt um die Frage, wie sehr die Jungen den Alten verpflichtet sind und ob es möglich und legitim ist, im Spannungsfeld zwischen Tradition, Familie und Aufbruch zu einer eigenen, individuellen Verortung zu finden.

Mit den Spielerinnen und Spielern der Pfalzbau Bürger Bühne befragen wir den Begriff Heimat, der in den letzten Jahren eine unerwartete Renaissance erfahren hat und zugleich erheblichen Sprengstoff birgt. Unser Ensemble, in dem sich Menschen von 13 bis 78 Jahren zusammenfinden, erzählt von sich, von unserer Gegend, von unserer Zeit. Und die Zirkusmanege öffnet sich für weitere Künstler und Künstlerinnen aus vielen Nationen, die gerade durch die intensive Auseinandersetzung mit ihren Traditionen eine Heimat in Ludwigshafen und der Metropolregion gefunden haben.

MASSACHUSETTS – BEE GEES MUSICAL lässt sein Publikum mit einer mitreißenden musikalisch – biografischen Show teilhaben an den wichtigsten Stationen dieser Ausnahme-Band.

Von den Anfängen der ersten Single-Veröffentlichung vor über 50 Jahren über „To Love Somebody“ und „Massachusetts“ , die heiße Saturday Night Fever-Zeit bis zu ihrem letzten großen Album „You Win Again“ Ende der 80er Jahre.

„Die erfolgreichste Familienband aller Zeiten“ stellt das Guinness-Buch der Rekorde fest! Die Gibb-Brüder gründen sich als Pop-Band 1958 in Australien und landen ihre ersten Hits. 1966 geht es gemeinsam zurück nach Großbritannien – die Teenie-Stars sind jetzt schon mächtig populär. Aber das ist nur der Anfang: In den 70er Jahren jagt ein Welthit den nächsten. 1978 haben die BEE GEES zeitgleich 5 Songs in den Top Ten der US-Charts, die ersten drei Plätze waren für Wochen in fester Hand von Barry, Robin + Maurice Gibb.  Musikalisch sehr authentisch und auch optisch und emotional ganz nah dran am Original – das ist diese Reise durch die Geschichte des Phänomens BEE GEES. Alle großen Hits werden zu hören sein, die frühen Songs ebenso wie die späten.
Den musikalischen Part übernehmen THE ITALIAN BEE GEES. Die ambitionierten italienischen Egiziano-Brüder (es sind wirklich drei Brüder!), stehen in engem Kontakt mit der Familie Gibb und sind seit Jahren auf den Spuren ihrer großen Vorbilder unterwegs. Weltweit haben sie sich bereits eine eingeschworene Fangemeinde ersungen und erspielt und besitzen die alleinige Legitimation der Gibb-Brüder, den Namen und das musikalische Erbe zu repräsentieren. So konnten die drei auch den Original Keyborder der Bee Gees von 1975 bis 1982, Blue Weaver, für das Musical begeistern und  live für diese Aufführung verpflichten. Dazu gesellt sich auch Vince Melouney, Gitarrist von 1967 bis 1969.

MASSACHUSETTS – BEE GEES MUSICAL erzählt Geschichte und Geschichten: Auf einer großen Leinwand über der Bühne werden Fotos, Videomitschnitte und Interviews zu sehen sein. Kurze Spielszenen führen durch die Karriere der Gibb-Brüder. Die Tanzszenen lassen natürlich besonders die Disco-Ära wieder aufleben. Zwei zusätzliche Sängerinnen präsentieren die faszineirenden Songs, die die BEE GEES während ihrer Karriere für große Künstlerinnen wie Barbra Streisand und Dionne Warwick komponiert haben. Ein außergewöhnliches Event über drei außergewöhnliche Brüder. Eine Hommage an die BEE GEES. Die Stationen ihres Ruhmes als Musical auf die Bühne gebracht.

Viel mehr als nur ein Konzert: Ein Nostalgietrip par excellence!

Die Stadt Jerusalem findet keinen Frieden. Seit Jahrhunderten kämpfen Christen, Muslime und Juden um die territoriale und religiöse Vorherrschaft. Die christlichen Tempelherren ziehen gegen den arabischen Herrscher Saladin zu Felde, und ein erst kürzlich geschlossener Waffenstillstand erweist sich schon wieder als brüchig. In dieser aufgeheizten Atmosphäre geschieht Unfassliches: Sultan Saladin begnadigt den jungen Tempelherrn Curd, weil er seinem verstorbenen Bruder Assad so ähnlich sieht. Wenig später rettet Curd das Mädchen Recha aus dem brennenden Haus des Juden Nathan und verliebt sich in sie, gegen alle Regeln seines kriegerischen Ordens. Welche Bande all diese Menschen miteinander verknüpfen, ahnt zu diesem Zeitpunkt noch niemand. Gotthold Ephraim Lessing konstruiert eine verzwickte Familiengeschichte, damit am Ende unter allseitigen Umarmungen aller Beteiligten der Vorhang fallen kann. So verzwickt, dass unschwer zu begreifen ist: so etwas gibt es nur im Märchen.
Als flammender Appell gegen religiösen Dogmatismus, für menschliche Toleranz ist Lessings letztes Drama seit seiner Veröffentlichung zeitlos aktuell. Allerdings erzählt Nathan der Weise nicht nur von der Utopie des friedlichen Zusammenlebens der Religionen und Kulturen, vielmehr wird deren beständiges Scheitern eindrucksvoll beschrieben. Der Mensch ist, wie Saladin sagt, „ein Ding von vielen Seiten, die oft nicht so recht zu passen scheinen mögen.“ So liegt die eigentliche Qualität dieses Lessing-Dramas in der differenzierten Zeichnung der Protagonist*innen, in denen sich durchaus Widersprüchliches vereint. Tilman Gersch befasst sich in seiner Inszenierung sehr genau mit ihren Motiven, ihren Sehnsüchten und jenen Kränkungen, die so oft die Wurzel von Hass und Gewalt sind. Mit dem Blick ins Innenleben der Figuren lotet er die politische Dimension des Stückes aus.

Die Stadt Jerusalem findet keinen Frieden. Seit Jahrhunderten kämpfen Christen, Muslime und Juden um die territoriale und religiöse Vorherrschaft. Die christlichen Tempelherren ziehen gegen den arabischen Herrscher Saladin zu Felde, und ein erst kürzlich geschlossener Waffenstillstand erweist sich schon wieder als brüchig. In dieser aufgeheizten Atmosphäre geschieht Unfassliches: Sultan Saladin begnadigt den jungen Tempelherrn Curd, weil er seinem verstorbenen Bruder Assad so ähnlich sieht. Wenig später rettet Curd das Mädchen Recha aus dem brennenden Haus des Juden Nathan und verliebt sich in sie, gegen alle Regeln seines kriegerischen Ordens. Welche Bande all diese Menschen miteinander verknüpfen, ahnt zu diesem Zeitpunkt noch niemand. Gotthold Ephraim Lessing konstruiert eine verzwickte Familiengeschichte, damit am Ende unter allseitigen Umarmungen aller Beteiligten der Vorhang fallen kann. So verzwickt, dass unschwer zu begreifen ist: so etwas gibt es nur im Märchen.
Als flammender Appell gegen religiösen Dogmatismus, für menschliche Toleranz ist Lessings letztes Drama seit seiner Veröffentlichung zeitlos aktuell. Allerdings erzählt Nathan der Weise nicht nur von der Utopie des friedlichen Zusammenlebens der Religionen und Kulturen, vielmehr wird deren beständiges Scheitern eindrucksvoll beschrieben. Der Mensch ist, wie Saladin sagt, „ein Ding von vielen Seiten, die oft nicht so recht zu passen scheinen mögen.“ So liegt die eigentliche Qualität dieses Lessing-Dramas in der differenzierten Zeichnung der Protagonist*innen, in denen sich durchaus Widersprüchliches vereint. Tilman Gersch befasst sich in seiner Inszenierung sehr genau mit ihren Motiven, ihren Sehnsüchten und jenen Kränkungen, die so oft die Wurzel von Hass und Gewalt sind. Mit dem Blick ins Innenleben der Figuren lotet er die politische Dimension des Stückes aus.

Bei Freunden des Hauses hat es sich schon herumgesprochen: Die Pfalzbau Bühnen haben einen Theatermops. Es handelt sich um ein aufgeschlossenes, verspieltes, zuweilen auch recht eigensinniges Wesen. In mancherlei Hinsicht ähnelt es also den Theatermenschen. Was jene aber ihr ganzes Herzblut kostet, ist dem Mops völlig schnuppe. Bretter, die die Welt bedeuten? Hauptsache, der Napf ist gefüllt. Ob das Leben ohne Mops tatsächlich so sinnlos ist wie das Leben ohne Theater, gilt es noch zu erforschen. Wir tun es am Ende der Spielzeit in unserer bewährt regionalen Reihe Wort und Wein.

„Sowie Du eintratst, gleich erkannte; Mein Herz Dich wieder, jauchzte, brannte; Und rief: Er ist’s, er muss es sein!“ schreibt die junge Tatjana voller Innbrunst an Onegin und wird niederschmetternd abserviert. So wie Alexander Puschkins Zeilen die Liebe in Worte packen, so eloquent spricht John Crankos Choreographie von den Angelegenheiten des Herzens. Cranko erzählt die hochdramatische Geschichte um unerwiderte Liebe und verpasste Chancen so klar, dass man weder die literarische Vorlage noch die Handlung kennen muss. Im Einklang mit Peter Tschaikowskys stürmischer Musik vermittelt sich das Geschehen durch die Bewegungen selbst. Die leidenschaftlichen Pas de deux und großen Ensembleszenen spielen sich vor ländlicher Gartenidylle wie auf aristokratischem Ball ab. Das entsprechende Bühnenbild und die üppigen Kostüme hat Jürgen Rose mit der für ihn bekannten Raffinesse geschaffen.

Eugen Onegin ist einer der großen Antihelden der Weltliteratur: Ein versnobter Dandy und arroganter Städter, innerlich leer und zerrissen stolziert er einsam durchs Leben. Als Onegin und Tatjana sich das erste Mal begegnen, blickt er hochnäsig auf das verliebte Landmädchen herab und bricht ihr eiskalt das Herz. Jahre später, als Tatjana sich zur eleganten Frau entwickelt hat, wendet sich das Blatt: Onegin erkennt in ihr die Liebe seines Lebens, aber nun ist sie diejenige, die ihm die Tür weist. Obwohl sie sich immer noch zu ihm hingezogen fühlt, weiß ihr Verstand es besser. Es ist zu spät, die Chance ist für immer vertan. Wenn Tatjana am Ende mit geballten Fäusten und Tränen in den Augen mit ihrer eigenen Entscheidung kämpft, zerreißt es einem das Herz. Seit über 50 Jahren bildet Onegin eine tragende Säule des Repertoires des Stuttgarter Balletts und hat noch niemanden kalt gelassen.

„Sowie Du eintratst, gleich erkannte; Mein Herz Dich wieder, jauchzte, brannte; Und rief: Er ist’s, er muss es sein!“ schreibt die junge Tatjana voller Innbrunst an Onegin und wird niederschmetternd abserviert. So wie Alexander Puschkins Zeilen die Liebe in Worte packen, so eloquent spricht John Crankos Choreographie von den Angelegenheiten des Herzens. Cranko erzählt die hochdramatische Geschichte um unerwiderte Liebe und verpasste Chancen so klar, dass man weder die literarische Vorlage noch die Handlung kennen muss. Im Einklang mit Peter Tschaikowskys stürmischer Musik vermittelt sich das Geschehen durch die Bewegungen selbst. Die leidenschaftlichen Pas de deux und großen Ensembleszenen spielen sich vor ländlicher Gartenidylle wie auf aristokratischem Ball ab. Das entsprechende Bühnenbild und die üppigen Kostüme hat Jürgen Rose mit der für ihn bekannten Raffinesse geschaffen.

Eugen Onegin ist einer der großen Antihelden der Weltliteratur: Ein versnobter Dandy und arroganter Städter, innerlich leer und zerrissen stolziert er einsam durchs Leben. Als Onegin und Tatjana sich das erste Mal begegnen, blickt er hochnäsig auf das verliebte Landmädchen herab und bricht ihr eiskalt das Herz. Jahre später, als Tatjana sich zur eleganten Frau entwickelt hat, wendet sich das Blatt: Onegin erkennt in ihr die Liebe seines Lebens, aber nun ist sie diejenige, die ihm die Tür weist. Obwohl sie sich immer noch zu ihm hingezogen fühlt, weiß ihr Verstand es besser. Es ist zu spät, die Chance ist für immer vertan. Wenn Tatjana am Ende mit geballten Fäusten und Tränen in den Augen mit ihrer eigenen Entscheidung kämpft, zerreißt es einem das Herz. Seit über 50 Jahren bildet Onegin eine tragende Säule des Repertoires des Stuttgarter Balletts und hat noch niemanden kalt gelassen.

Underdogs nennt man diejenigen, die man für Verlierer hält, die nie einen sicheren Unterschlupf haben. Sie verschmelzen nahtlos mit der städtischen Landschaft, von unserer Betrachtung flüchtig gestreift, aber nie wahrgenommen.
In ihrer Choreographie möchte Anne Nguyen in den Blick rücken, wie unsere Körper in der urbanen Vorstellungswelt wahrgenommen werden und welche Spuren sie hinterlassen. Welche Einflüsse nehmen wir auf, mit welchen Charakteren identifizieren wir uns, um unsere Persönlichkeit, unser Körpergefühl herauszubilden. Der Hip-Hop, diese urbane Tanzform schlechthin, ist getränkt mit allem, was die Normen in Frage stellt. Der Tänzer ist ständig bemüht, den Schlüssel zu einer Grenzüberschreitung zu finden und diesen dann in eine kreative Bewegung umzuwandeln.
In der Aufführung gehen die Tänzerinnen und Tänzer den Ursprüngen ihrer Bewegungen auf den Grund: auf welche Symbole, auf welche sozialen Hintergründe gehen sie zurück? Wie stehen sie persönlich und emotional zur Herkunft ihres Tanzes? Wie tief ist die explosive Energie ihrer Körper verwurzelt in der Rebellion?
Drei Tänzer, eine Frau und zwei Männer, verkörpern eine urbane Bilderwelt, die mal provokativ, mal grenzüberschreitend, gelegentlich oppressiv und manchmal befreiend ist. Indem sie tief eintauchen in unterschiedliche Daseinsformen, erforschen sie die kollektive Ohnmacht, die sie vereint und beginnen so einen tiefgehenden Prozess der Selbstbeobachtung. Gegen den Hintergrund von Soulmusik, die das politische Klima im Amerika der 70er-Jahre heraufbeschwört, stellen sie stolz die unsichtbare Masse ihres urbanen Erbes. Durch den Blickwinkel des anderen und indem sie sich von Angesicht zu Angesicht mit ihren inneren Gegensätzen auseinandersetzen, beleuchten die drei Tänzer sowohl die tiefen Gemeinsamkeiten, die sie vereinen, als auch die Entscheidungen, die aus ihnen Individuen mit ausgeprägten Persönlichkeiten machen.

Die Choreographin Anne Nguyen studierte zunächst Physik, bevor sie den Breakdance für sich entdeckte: es folgten Auftritte mit Gruppen wie RedMask und Phase T, Def Dogz und Créteil Style. Nguyen war mehrfach Gewinnerin des ›Battle of the Year‹ und Weltmeisterin im Breakdance, bevor sie sich ab 2005 stärker mit den virtuosen Bewegungsmustern und der Kultur des Hip-Hops auseinandersetzte – es entstanden bis 2017 zehn Werke, die im explosiven und rohen Bewegungsvokabular des Hip-Hops ihren Ursprung fanden und diesen mit klaren, graphischen, choreographisch dekonstruierten Formen vereinten. In ihrem neuen Werkzyklus rückt Nguyen seit 2018 ihren Fokus auf die Zusammenarbeit mit charakterstarken Tänzerinnen und Tänzern verschiedener Stile und integriert neben urbanen Techniken auch Ballett und zeitgenössischen Tanz in ihre Choreographien.

À mon bel amour stellt unsere Auffassungen von Individuen, Paaren und Kollektiven in Frage, indem es verschiedene Vorstellungen von Identität und Schönheit erkundet. Acht Tänzer, vier Männer und vier Frauen, spielen unbekümmert mit den Posen ihrer Körper und der Symbolik ihrer Tänze, um ihre Identität zu behaupten und die Grenzen unserer Betrachtung zu hinterfragen. Die Bewegungen der acht virtuosen Tänzer*innen reflektieren unterschiedliche kulturelle Referenzen, verschiedene Archetypen, die unterschiedliche Wahrnehmung von sich selbst und von anderen. Vom klassischen Ballett über modische Trends bis zum zeitgenössischen Tanz verweist ihr Tanz auf Modenschauen, Fotografie und Cinematografie, die Clubszene, auf Theatertraditionen und gesellschaftliche Muster, und zeigt dabei mannigfaltige Wege auf, sich dem Publikum zu nähern. In À mon bel amour hat alles eine symbolische Bedeutung, nicht nur die Tanzbewegungen und Posen, sondern auch die Szenerie und die Kostüme. Es wagen, anzugeben, zu flirten, sich durchzusetzen, zu dominieren, jemandem eine lange Nase zu drehen, Liebe zu zeigen  ̶  sie überwinden ihre Hemmungen, um ihre wahre Existenz zu zeigen. Wie paradierende Tiere treten die acht Tänzerinnen und Tänzer uns unermüdlich, alleine, paarweise oder in der Gruppe entgegen. Können wir uns in einer Welt, in der wir um Werte kämpfen, auf ein Konzept von Schönheit einigen? À mon bel amour ist ein Manifest der Diversität, das individuelle Identitäten auf respektvolle Weise würdigt.
Das Tanzstück bringt eine disparate Tänzergruppe auf die Bühne, die eine imaginäre Gesellschaft repräsentiert. Die Tänzer zeigen und hinterfragen eine Reihe von Schönheitsidealen. Obwohl alle zunächst und vor allem Tänzerkörper haben, stehen manche von ihnen für eine universelle Schönheit, während andere zunächst eher untypisch oder durchschnittlich erscheinen.

Im Zentrum dieser musikalischen Tanzperformance steht die Auseinandersetzung mit den beiden natürlichen Polen unserer Existenz: Geburt und Tod. Ausgehend vom Aufeinandertreffen zweier sehr persönlicher Ereignisse, dem Tod seines Vaters und der Geburt seiner Tochter, rücken für den Tänzer und Choreographen Ruben Reniers Phänomene rund ums Sterben ins Zentrum seiner aktuellen künstlerischen Arbeit. Als gebürtiger Indonesier, der in den Niederlanden aufgewachsen ist, interessieren ihn ebenso indonesische wie europäische Begräbnisrituale und Abschiedszeremonien, und wie sich die unterschiedliche Vorstellungen vom Umgang der Lebenden mit ihren Toten in den Tänzen, Schritten, Berührungen und Stimmen der Trauernden manifestieren. Gemeinsam mit einem internationalen Team aus Tänzer*innen, Musiker*innen und einer Zeichnerin begibt er sich auf die Suche nach einer künstlerischen Zusammenführung der unterschiedlichen Ansätze dieser Kulturen und in jedem Einzelnen von uns.
Rubarb dance & art ist der Zusammenschluss des Choreographen und Tänzers Ruben Reniers und der Illustratorin und Papiertheaterkünstlerin Barbara Steinitz. Das Ensemble arbeitet seit 2002 in Zusammenarbeit mit Gastkünstlern verschiedener Sparten in unterschiedlichen Besetzungen. Hauptinteresse ist die künstlerische Auseinandersetzung mit verschiedenen Kunstformen, allen voran Tanz, Zeichnung, Figurentheater und Musik. Denn dort, wo sich die Künste überschneiden, findet sich eine reiche Quelle der Inspiration. Das Ensemble hat seine Produktionen in diversen Ländern sehr erfolgreich präsentiert und leitet Seminare und Workshops.

Shantala Shivalingappa ist ein Kind des Ostens und des Westens. Sie wurde in Madras geboren und wuchs in Paris auf. Ihre Mutter, auch sie war Tänzerin, brachte sie früh in Kontakt mit der traditionellen indischen Tanzkunst. Shantala widmet sich seither der Tanzform „Kuchipudi“, die seit Jahrhunderten im südindischen Andhra Pradesh praktiziert wird. Wie die meisten indischen Tänze erzählen auch die Kuchipudi-Aufführungen Geschichten aus der indischen Mythologie. Die Choreographien basieren auf dem Natya Shastra, einer fast 2000 Jahre alten Lehre, die eine präzise und hochentwickelte Notation von Tanz, Musik und Theater überliefert.
Im Sanskrit bezeichnet das Wort „Swayambhu“ einen Stein oder Fels, der zufällig die Form einer Gottheit aufweist. Die metaphorische Bedeutung meint eher die spontane, unerwartete Erfahrung einer zweiten Realität; einen Moment von Erleuchtung, in dem sich die eigentliche Natur der Dinge offenbart. Shantalas Choreographie drückt die Magie dieses Augenblicks aus. Die Künstlerin wird zur Alchemistin, sie öffnet ihren Zauberkasten und präsentiert ihre Utensilien, die sie aufs feinste poliert, mit Liebe und Anbetung versehen hat. Wie in all ihren Tanzsolos zeigt Shantala auch hier ihr ganzes Können: Grazie, Eleganz und Ausdrucksfähigkeit in Perfektion.

Vier Tänzer und drei Musiker beflügeln sich gegenseitig mit aufgemotztem Krautrock aus dem Jahr 2020 oder dem repetitiven Thema von Can gekreuzt mit der Hochspannung von The Chemical Brothers. Das ausgeklügelte Bühnenbild und das stimmungsvolle Licht heben Into The Open auf die nächste Ebene und beflügeln auch das Publikum. Mit diesem Cross-Over sprechen Lisbeth Growez und ihre Compagnie Voetvolk gezielt ein Publikum an, das bereitwillig aufsteht und tanzt. Was im Zuschauerraum passiert, ist genauso wichtig wie das, was auf der Bühne passiert. Eine Party, die noch lange nachwirkt. Lasst uns tanzen!

„Manchmal muss der Tanz einfach nur das sein: Eine PARTY, bei der man alles und jeden vergisst und nur das Hämmern der Trommeln und das Heulen der Bassgitarre hört, während sich die Augen an schwülen, schwitzenden Körpern festhalten.“ – Els Van Steenberghe / FOCUS Knack

„Into the open ist das Größte, alle hingehen! Ende der Rezension!
Okay, wir werden uns ein bisschen mehr Mühe geben, aber was sind Worte angesichts von so viel berauschender Tanzgewalt? Mit ihrem einzigartigen ‚Tanz trifft Konzert‘-Ansatz haben Lisbeth Gruwez und Maarten Van Cauwenberghe einen Hit gelandet.“ – Charlotte De Somviele / De Standaard

Vier Tänzer und drei Musiker beflügeln sich gegenseitig mit aufgemotztem Krautrock aus dem Jahr 2020 oder dem repetitiven Thema von Can gekreuzt mit der Hochspannung von The Chemical Brothers. Das ausgeklügelte Bühnenbild und das stimmungsvolle Licht heben Into The Open auf die nächste Ebene und beflügeln auch das Publikum. Mit diesem Cross-Over sprechen Lisbeth Growez und ihre Compagnie Voetvolk gezielt ein Publikum an, das bereitwillig aufsteht und tanzt. Was im Zuschauerraum passiert, ist genauso wichtig wie das, was auf der Bühne passiert. Eine Party, die noch lange nachwirkt. Lasst uns tanzen!

„Manchmal muss der Tanz einfach nur das sein: Eine PARTY, bei der man alles und jeden vergisst und nur das Hämmern der Trommeln und das Heulen der Bassgitarre hört, während sich die Augen an schwülen, schwitzenden Körpern festhalten.“ – Els Van Steenberghe / FOCUS Knack

„Into the open ist das Größte, alle hingehen! Ende der Rezension!
Okay, wir werden uns ein bisschen mehr Mühe geben, aber was sind Worte angesichts von so viel berauschender Tanzgewalt? Mit ihrem einzigartigen ‚Tanz trifft Konzert‘-Ansatz haben Lisbeth Gruwez und Maarten Van Cauwenberghe einen Hit gelandet.“ – Charlotte De Somviele / De Standaard

Die Kibbutz Contemporary Dance Company (KCDC), 1973 von Yehudit Arnon gegründet und bis 1996 geleitet, entwickelte sich den letzten Jahren zu einer der bedeutendsten Tanzcompagnien Israels. Geprägt durch die Handschrift ihres gegenwärtigen künstlerischen Leiters Rami Be’er, erlangte KCDC internationale große Anerkennung. Mit ihrer technisch und physisch anspruchsvoll ausgewählten Tänzergruppe und ihrer dynamischen Empfindsamkeit charakterisiert KCDC den israelischen Tanz von seiner besten Seite und gastiert regelmäßig bei den bekanntesten Theatern und führenden Festivals weltweit. Rami Be’er gilt als Choreograph, der politisch Stellung bezieht und dies auch in seine künstlerische Arbeit einfließen lässt. So thematisiert er einige der brennenden weltweiten Probleme wie u. a. Flucht, Einwanderung, Einsamkeit und menschliche Schicksale überhaupt. Grandiose Bilder, expressive Inszenierungen und vor allem hervorragende Tänzerinnen und Tänzer machen einen Abend mit der Compagnie zu einem außergewöhnlichen und einzigartigen Tanzerlebnis.
Rami Be‘ers kraftvolles neues Stück A Good Citizen beginnt mit einer fulminanten Szene, in der die Tänzer einzeln die Bühne betreten, sich namentlich vorstellen und dann als „gute Bürger“ bezeichnen. Sie werden von der Gruppe begeistert beklatscht, während der nächste gute Bürger auf die Bühne kommt. Alle sind in blaue Arbeitsoveralls gekleidet. Äußerlich kaum zu unterscheiden, zeigen sie in Stimme und Bewegungen aber eine ausgeprägte Individualität. Mit ihrer ausdrucksstarken Präsenz und ihrer fesselnden Performance, die den extremen Anpassungsdruck der Konformität auf beeindruckende Weise zum Ausdruck bringt, sendet das Ensemble eine starke Botschaft.

Als Jake Blues aus dem Knast kommt, holt ihn sein Bruder Elwood ausgerechnet in einem ausrangierten 1974er Dodge Monaco der Mount Prospect Police ab. Ihr erster Weg führt sie in das katholische Waisenhaus, in dem sie ihre gesamte Kindheit verbracht haben. Mutter Oberin steckt in der Klemme. Wenn sie nicht 5000 $ auftreibt, muss das Heim wegen Steuerschulden schließen. Die Brüder beschließen, ihr zu helfen, aber Mutter Oberin würde kein schmutziges Geld annehmen. Doch wie sollen sie auf ehrliche Weise so viel Geld auftreiben? Während eines Gottesdienstes hat Jake eine Erleuchtung. Im Auftrag des Herrn wollen sie die alte Band wieder zusammentrommeln und ein großes Konzert zu Gunsten des Waisenhauses veranstalten. Ein legendärer Road Trip beginnt …
Lassen Sie sich wieder von der Professionalität und dem frischen Elan der Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung begeistern, die unter der Regie von Iris Limbarth ein mitreißendes, spannendes Musicalerlebnis auf die Bühne zaubern. Zum Erfolg trägt auch die packende Musik zwischen Jazz, Soul und Blues bei, die einen kaum auf den Stühlen hält.

Als Jake Blues aus dem Knast kommt, holt ihn sein Bruder Elwood ausgerechnet in einem ausrangierten 1974er Dodge Monaco der Mount Prospect Police ab. Ihr erster Weg führt sie in das katholische Waisenhaus, in dem sie ihre gesamte Kindheit verbracht haben. Mutter Oberin steckt in der Klemme. Wenn sie nicht 5000 $ auftreibt, muss das Heim wegen Steuerschulden schließen. Die Brüder beschließen, ihr zu helfen, aber Mutter Oberin würde kein schmutziges Geld annehmen. Doch wie sollen sie auf ehrliche Weise so viel Geld auftreiben? Während eines Gottesdienstes hat Jake eine Erleuchtung. Im Auftrag des Herrn wollen sie die alte Band wieder zusammentrommeln und ein großes Konzert zu Gunsten des Waisenhauses veranstalten. Ein legendärer Road Trip beginnt …
Lassen Sie sich wieder von der Professionalität und dem frischen Elan der Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung begeistern, die unter der Regie von Iris Limbarth ein mitreißendes, spannendes Musicalerlebnis auf die Bühne zaubern. Zum Erfolg trägt auch die packende Musik zwischen Jazz, Soul und Blues bei, die einen kaum auf den Stühlen hält.

„Meine Tochter kann Stroh zu Gold spinnen!”, prahlt der Müller. Der goldgierige König droht der armen Müllerstochter mit dem Tod, wenn ihr das Kunststück nicht gelingt. Ein Zaubermännchen hilft ihr dabei, verlangt aber als Preis dafür ihr Kind. Ob sich die Müllerstochter das alles gefallen lässt?
In der Bearbeitung des bekannten Märchens drehen sich die Räder, es wird gesponnen und gezaubert, es rumpelt und blitzt und es funkelt das Gold. Das Rumpelstilzchen tanzt und singt und saust umher, und die Kinder sind mittendrin, wenn es auf die Suche nach seinem Namen geht.
Susanne Koschig hält sich in ihrer Inszenierung im Wesentlichen an die literarische Vorlage. Zwei Erzähler präsentieren die Geschichte und beziehen das Publikum an einzelnen Stellen mit ein. Gespielt wird in offener Spielweise in einer Mischung aus Schauspiel und Puppenspiel mit verschiedenen Puppenarten.

Rumpelstilzchen „fliegt und surrt wie ein Raumschiff und es leuchtet sogar ganz niedlich im Dunkeln. Erst später wächst das Männchen zu einschüchternder Größe heran, als es von Müllerstochter Marie das erstgeborene Kind einfordert für sein Werk, aus Stroh so reichlich Gold gesponnen zu haben, dass es überall nur so glänzt auf der Bühne.“ Thüringer Allgemeine Zeitung

2023 wird ein ganz besonderes Jahr für Max Raabe & Palast Orchester – alles wird neu!
Mit einer neu konzipierten Bühnenshow präsentieren die durch virtuose Eleganz bestechende Geigerin mit ihren frisch gebügelten Kollegen und Multi-Instrumentalisten ein brandneues Programm mit vielen Überraschungen.
Neue Lieder von Max Raabe, in denen er unnachahmlich seinen Blick auf Alltägliches formuliert, werden genauso zu Gehör gebracht wie einige Klassiker des Palast Orchesters – bekannt aus Film und Internet.
Schwerpunkt wird selbstverständlich die Musik der 20er/30er Jahre: von Hand verlesene Originalarrangements werden nuancenreich zum Leben erweckt wie es nur Max Raabe & Palast Orchester können.

Shakespeares letzte große Tragödie erzählt auf spannungsvolle Weise die Geschichte vom steilen Aufstieg und jähen Niedergang des Feldherrn Macbeth. Sie handelt von Machtgier und Zweifeln, von innerer Zerrissenheit, Gewissensqualen, Einsamkeit und dramatischem Scheitern, von trügerischen Hoffnungen, Gewaltexzessen, phantastischen Erscheinungen
und dem unvermeidlichen Sieg der Realität.
Anfangs scheint die Welt noch in Ordnung: die Feldherren Macbeth und Banquo retten König Duncan durch ihren unermüdlichen Einsatz seine Krone. Doch dann begegnen sie den drei Hexen, die in verrätselten Worten Macbeth eine Zukunft als König voraussagen und Banquo als Begründer einer Königsdynastie feiern. Sind die Frauen real oder existieren sie nur in Macbeths Phantasie? Die Worte wirken jedenfalls wie Brandbeschleuniger, und angestachelt durch die ehrgeizige Lady Macbeth setzt Macbeth eine Reihe verhängnisvoller Ereignisse in Gang. In atemloser Dichte wird er zum Königsmörder, häuft zur weiteren Sicherung seiner Macht Verbrechen auf Verbrechen und erkennt bald, dass es kein Zurück geben kann. Dabei schwankt er im Selbstgespräch zwischen moralischen Skrupeln und der
Faszination des Bösen, und auch seine Frau wird von ihren Gewissensnöten verfolgt und schließlich in Wahnsinn und Tod getrieben. Der Ratsspruch der Hexen verspricht noch einmal trügerische Sicherheit:

„Sei blutig, kühn und frech; lach aller Toren
Dir schadet keiner, den ein Weib geboren. (…)
Macbeth wird nie besiegt, bis einst hinan
Der große Birnamswald zum Dunsinan
Feindlich emporsteigt.“

Doch die Katastrophe ist unausweichlich: So wie Macbeths Verbrechen die Ordnung des gesamten Kosmos in Frage gestellt und die Krankheit seiner Blutherrschaft am Ende das ganze Volk befallen hat, so gewinnen am Ende die heilenden Kräfte die Oberhand.

Shakespeares letzte große Tragödie erzählt auf spannungsvolle Weise die Geschichte vom steilen Aufstieg und jähen Niedergang des Feldherrn Macbeth. Sie handelt von Machtgier und Zweifeln, von innerer Zerrissenheit, Gewissensqualen, Einsamkeit und dramatischem Scheitern, von trügerischen Hoffnungen, Gewaltexzessen, phantastischen Erscheinungen
und dem unvermeidlichen Sieg der Realität.
Anfangs scheint die Welt noch in Ordnung: die Feldherren Macbeth und Banquo retten König Duncan durch ihren unermüdlichen Einsatz seine Krone. Doch dann begegnen sie den drei Hexen, die in verrätselten Worten Macbeth eine Zukunft als König voraussagen und Banquo als Begründer einer Königsdynastie feiern. Sind die Frauen real oder existieren sie nur in Macbeths Phantasie? Die Worte wirken jedenfalls wie Brandbeschleuniger, und angestachelt durch die ehrgeizige Lady Macbeth setzt Macbeth eine Reihe verhängnisvoller Ereignisse in Gang. In atemloser Dichte wird er zum Königsmörder, häuft zur weiteren Sicherung seiner Macht Verbrechen auf Verbrechen und erkennt bald, dass es kein Zurück geben kann. Dabei schwankt er im Selbstgespräch zwischen moralischen Skrupeln und der
Faszination des Bösen, und auch seine Frau wird von ihren Gewissensnöten verfolgt und schließlich in Wahnsinn und Tod getrieben. Der Ratsspruch der Hexen verspricht noch einmal trügerische Sicherheit:

„Sei blutig, kühn und frech; lach aller Toren
Dir schadet keiner, den ein Weib geboren. (…)
Macbeth wird nie besiegt, bis einst hinan
Der große Birnamswald zum Dunsinan
Feindlich emporsteigt.“

Doch die Katastrophe ist unausweichlich: So wie Macbeths Verbrechen die Ordnung des gesamten Kosmos in Frage gestellt und die Krankheit seiner Blutherrschaft am Ende das ganze Volk befallen hat, so gewinnen am Ende die heilenden Kräfte die Oberhand.