Veranstaltungskalender Eberthalle und Pfalzbau

In großer Auswahl bietet diese Börse Qualitätsware namhafter Hersteller im Segment der Damen-, Herren- und Kinderschuhe.

Das Ballet National de Marseille wurde 1972 von Roland Petit gegründet und über zwanzig Jahre lang geleitet. Als die künstlerische Leitung 1998 an Marie-Claude Pietragalla und in ihrer Nachfolge 2004 an Frédérick Flamand überging, setzten sich beide dafür ein, dass sich die Compagnie neuen künstlerischen Erfahrungen öffnete. 2014 wurden Emio Greco und Pieter C. Scholten berufen, die Geschicke des Ballet National de Marseille zu lenken. Sie knüpften an das an, was sie mit ICKAmsterdam begonnen hatten, einem internationalen Choreographie-Zentrum in Amsterdam. Dort hatten sie ebenso intensiv mit dem klassischen Vokabular als auch mit Elementen des postmodernen Tanzes gearbeitet. Mit dem Ballet National de Marseille entwickelten sie ein Programm, das sie „the rebellious body“ nannten und das sich mit der Stellung des Künstlers in der Gesellschaft auseinandersetzt. Mit dem schlichten Titel „le corps du ballet“ überschrieben sie ihr Streben, eine neue Form des zeitgenössischen Balletts zu gestalten.

Ihre Aufsehen erregende Kreation Extremalism enthält den Widerspruch von „extrem“ und „Minimalismus“: Extrem im Hinblick auf den Umgang mit Körper, Bewegung, Bühnenbild, Beleuchtung, Ton, minimalistisch in der Beschränkung auf das Wesentliche. Ausgangspunkt ihrer Arbeit war die Frage, wie sich der Körper in extremen Situationen verhält. Wie reagiert der Körper auf eine Krise? Wie wirken sich Hunger, Wohlstand, Stress, Fluchterfahrung, Digitalisierung, Überbevölkerung, Erschöpfung auf den Körper aus? Greco/Scholten zeigen in ihrer Choreographie, wie destabilisierend und zerstörerisch extreme Situationen auf den Körper einwirken.

Für Boléro befreiten sie sich von Anfang an davon, dem nacheifern zu wollen, was die russische Tänzerin und Choreographin Bronislava Nijinska zur Musik Maurice Ravels für ihre Tänzer geschaffen hatte und unweigerlich an berühmte Szenen aus Carmen denken ließ. Greco/Scholten hingegen kam es auf die Reibung zwischen Körper und Musik an. Bei ihnen ist die Musik nicht nur ein Zeichenstift, aus dem die Erzählung fließt, sondern ein Protagonist, mit dem sich die Tänzer auseinandersetzen müssen. Die Musik des Boléro symbolisiert einen inneren Kampf, der die Dualität in jedem Menschen zum Ausdruck bringt. Indem der Körper der unerbittlichen Rhythmus-Linie ausgesetzt ist, offenbart er ihr Zögern, ihre Risse, ihren Atem.

Bei der „Bau- und ImmobilienMesse“ in Ludwigshafen – Die Messe rund ums Eigenheim – stellen eine große Anzahl von Anbieter Ihre Produkte und Dienstleistungen vor, denn Investitionen in die eigenen vier Wände sind weiterhin der Trend in einer Zeit mit Niedrigzinsniveau. Somit ist diese Publikumsveranstaltung die ideale Plattform für Neubau- und Immobilieninteressenten sowie Renovierer und Sanierer, um Informationen aus erster Hand zu bekommen.
Der Bau- und Energiebereich präsentiert dem Hausbesitzer neueste Entwicklungen zu Renovierung, Sanierung und Modernisierung sowie zu Energieeinsparung, Energiesteuerung und Heizungsoptimierung. Der Immobilien- und Neubaubereich gibt einen umfassenden Überblick über den regionalen Markt und richtet sich gezielt an den vorwiegend privaten Interessenten für An- und Verkauf, An- und Vermietung, Neubau, Kapital und Finanzierungsberatung.

Das Ballet National de Marseille wurde 1972 von Roland Petit gegründet und über zwanzig Jahre lang geleitet. Als die künstlerische Leitung 1998 an Marie-Claude Pietragalla und in ihrer Nachfolge 2004 an Frédérick Flamand überging, setzten sich beide dafür ein, dass sich die Compagnie neuen künstlerischen Erfahrungen öffnete. 2014 wurden Emio Greco und Pieter C. Scholten berufen, die Geschicke des Ballet National de Marseille zu lenken. Sie knüpften an das an, was sie mit ICKAmsterdam begonnen hatten, einem internationalen Choreographie-Zentrum in Amsterdam. Dort hatten sie ebenso intensiv mit dem klassischen Vokabular als auch mit Elementen des postmodernen Tanzes gearbeitet. Mit dem Ballet National de Marseille entwickelten sie ein Programm, das sie „the rebellious body“ nannten und das sich mit der Stellung des Künstlers in der Gesellschaft auseinandersetzt. Mit dem schlichten Titel „le corps du ballet“ überschrieben sie ihr Streben, eine neue Form des zeitgenössischen Balletts zu gestalten.

Ihre Aufsehen erregende Kreation Extremalism enthält den Widerspruch von „extrem“ und „Minimalismus“: Extrem im Hinblick auf den Umgang mit Körper, Bewegung, Bühnenbild, Beleuchtung, Ton, minimalistisch in der Beschränkung auf das Wesentliche. Ausgangspunkt ihrer Arbeit war die Frage, wie sich der Körper in extremen Situationen verhält. Wie reagiert der Körper auf eine Krise? Wie wirken sich Hunger, Wohlstand, Stress, Fluchterfahrung, Digitalisierung, Überbevölkerung, Erschöpfung auf den Körper aus? Greco/Scholten zeigen in ihrer Choreographie, wie destabilisierend und zerstörerisch extreme Situationen auf den Körper einwirken.

Für Boléro befreiten sie sich von Anfang an davon, dem nacheifern zu wollen, was die russische Tänzerin und Choreographin Bronislava Nijinska zur Musik Maurice Ravels für ihre Tänzer geschaffen hatte und unweigerlich an berühmte Szenen aus Carmen denken ließ. Greco/Scholten hingegen kam es auf die Reibung zwischen Körper und Musik an. Bei ihnen ist die Musik nicht nur ein Zeichenstift, aus dem die Erzählung fließt, sondern ein Protagonist, mit dem sich die Tänzer auseinandersetzen müssen. Die Musik des Boléro symbolisiert einen inneren Kampf, der die Dualität in jedem Menschen zum Ausdruck bringt. Indem der Körper der unerbittlichen Rhythmus-Linie ausgesetzt ist, offenbart er ihr Zögern, ihre Risse, ihren Atem.

Abendfüllendes Bühnenprogramm mehrerer Chöre des BASF Gesangvereins

Auf einem Spiegel in einer Bar in Greenwich Village hatte er die Worte entdeckt: Who‘s Afraid of Virginia Woolf? Eigentlich sollte der Titel seines neuen Dramas The Exorcism heißen. Und um eben eine solche Austreibung ging es Edward Albee bei seiner legendären Afterparty von Martha, George, Nick und Honey, die seit der New Yorker Uraufführung im Jahr 1962 als „Klassiker“ gilt und als Schauspielerfest.

Ohne Wissen ihres Ehemannes George hat Martha den neuen Biologieprofessor Nick und seine Frau Honey nach einem offiziellen Fest in ihr Haus eingeladen. George, Geschichtsdozent am hiesigen College, kennt die Gesellschaftsspiele seiner Ehefrau Martha nur zu gut. Als Tochter des Rektors besitzt sie Macht und Einfluss und liebt es, mit den Gefühlen anderer zu spielen. Doch an diesem Abend ist alles anders und das Spiel eskaliert.

Bereits in seinen Inszenierungen Die bitteren Tränen der Petra von Kant und Hedda Gabler widmete sich Martin Kušej den düsteren Beziehungsspielen des gehobenen Bürgertums. Sein Interesse gilt den Schaukämpfen der modernen Gefühlswelt, deren Verletzungen sich tief in die Seelen und Herzen seiner Protagonisten wühlen, bis ins Mark.

Martin Kušej ist einer der renommiertesten Regisseure des deutschsprachigen Theaters. Er inszeniert sowohl im Schauspiel als auch in der Oper und hat u.a. am Burgtheater Wien, am Thalia Theater Hamburg und am Opernhaus Zürich gearbeitet. Kušejs Inszenierungen wurden vielfach ausgezeichnet; drei Mal wurden seine Arbeiten zum Berliner Theatertreffen eingeladen, 2008 erhielt er zudem den Nestroy-Preis. Seit der Spielzeit 2011/2012 ist Martin Kušej Intendant des Residenztheaters München, in der kommenden Spielzeit wechselt er als Intendant ans Burgtheater Wien.

Auf einem Spiegel in einer Bar in Greenwich Village hatte er die Worte entdeckt: Who‘s Afraid of Virginia Woolf? Eigentlich sollte der Titel seines neuen Dramas The Exorcism heißen. Und um eben eine solche Austreibung ging es Edward Albee bei seiner legendären Afterparty von Martha, George, Nick und Honey, die seit der New Yorker Uraufführung im Jahr 1962 als „Klassiker“ gilt und als Schauspielerfest.

Ohne Wissen ihres Ehemannes George hat Martha den neuen Biologieprofessor Nick und seine Frau Honey nach einem offiziellen Fest in ihr Haus eingeladen. George, Geschichtsdozent am hiesigen College, kennt die Gesellschaftsspiele seiner Ehefrau Martha nur zu gut. Als Tochter des Rektors besitzt sie Macht und Einfluss und liebt es, mit den Gefühlen anderer zu spielen. Doch an diesem Abend ist alles anders und das Spiel eskaliert.

Bereits in seinen Inszenierungen Die bitteren Tränen der Petra von Kant und Hedda Gabler widmete sich Martin Kušej den düsteren Beziehungsspielen des gehobenen Bürgertums. Sein Interesse gilt den Schaukämpfen der modernen Gefühlswelt, deren Verletzungen sich tief in die Seelen und Herzen seiner Protagonisten wühlen, bis ins Mark.

Martin Kušej ist einer der renommiertesten Regisseure des deutschsprachigen Theaters. Er inszeniert sowohl im Schauspiel als auch in der Oper und hat u.a. am Burgtheater Wien, am Thalia Theater Hamburg und am Opernhaus Zürich gearbeitet. Kušejs Inszenierungen wurden vielfach ausgezeichnet; drei Mal wurden seine Arbeiten zum Berliner Theatertreffen eingeladen, 2008 erhielt er zudem den Nestroy-Preis. Seit der Spielzeit 2011/2012 ist Martin Kušej Intendant des Residenztheaters München, in der kommenden Spielzeit wechselt er als Intendant ans Burgtheater Wien.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Moderation Tilman Gersch
In Kooperation mit der Städtischen Musikschule Ludwigshafen

Ludwig I. – König der Kunst
Weingut Mugler, Gimmeldingen

Seit Oktober 2018 präsentiert der Kurpfälzer Comedian sein brandneues Programm, eine Comedy-Safari für Urlaubsweltmeister, natürlich – wie immer – uff pälzisch! Chako macht sein Publikum kurzerhand zur Reisegruppe und sich selbst zum Tourguide und Safari-Ranger auf der Suche nach dem edlen Wilden, der in Laos ebenso sein kann wie in Ludwigshafen.

Amir Kapoor hat es geschafft. Er ist ein erfolgreicher New Yorker Anwalt, arbeitet in einer renommierten jüdischen Kanzlei in New York und bewohnt ein Loft in der Upper East Side von Manhattan. Für all das hat er einen hohen Preis bezahlt. Kapoor ist Sohn pakistanischer Einwanderer und versteckt seine Herkunft hinter einem falschen, buddhistisch klingenden Nachnamen. Auf dem Weg zur kompletten Assimilation an die amerikanische Gesellschaft erschien es ihm notwendig, jeden Bezug zum Islam zu kappen. Im Gegenzug entwickelt seine weiße, christlich geprägte Ehefrau eine übermäßige Liebe zur islamischen Kunst.

Um das explosive Maß der Selbstverleugnung seiner Hauptfigur zu offenbaren, bedient sich der junge Erfolgsautor Ayad Akhtar beim dankbaren Genre der Wohnzimmerschlacht. Ein befreundetes Ehepaar ist zum Dinner geladen: Er ein amerikanisch-jüdischer Kurator, sie eine afroamerikanische Karrieristin, die wie Kapoor den Aufstieg aus kleinsten Verhältnissen vollzogen hat und nun in der Hierarchie seiner Kanzlei über ihm steht. In diesem gemischten Doppel manifestieren und entzünden sich die Grundkonflikte der vermeintlich aufgeklärten, toleranten, politisch korrekten westlichen Welt. Eine Diskussion über religiöse Traditionen eskaliert, Amir verliert erst die Kontrolle, dann seinen Job und seine Frau. Ob er durch diesen Befreiungsschlag seine Identität wiederfindet, ist fraglich. Zu sehr ist er schon aufgerieben im Kampf um Aufnahme in eine Gesellschaft, die sich durchlässig gibt und voller Rassismus ist.

Geächtet ist eines der erfolgreichsten amerikanischen Theaterstücke der letzten Jahre und hat schnell auch seinen Siegeszug an deutschen Bühnen angetreten. Es wurde mit dem Pulitzer-Preis und dem renommierten österreichischen Nestroy-Preis ausgezeichnet und bei der Kritikerumfrage des Magazins Theater heute 2016 zum besten ausländischen Stück gewählt. Der Autor Ayad Akhtar ist wie seine Hauptfigur Amerikaner mit pakistanischer Abstammung.

Akhtar, geboren 1970 als Sohn pakistanischer Einwanderer in New York, gelingt hier das Kunststück, in der Struktur eines Well-made-Plays eine ziemlich brillante Debatte über Identität, Integration und Ressentiments zu führen. Süddeutsche Zeitung

Amir Kapoor hat es geschafft. Er ist ein erfolgreicher New Yorker Anwalt, arbeitet in einer renommierten jüdischen Kanzlei in New York und bewohnt ein Loft in der Upper East Side von Manhattan. Für all das hat er einen hohen Preis bezahlt. Kapoor ist Sohn pakistanischer Einwanderer und versteckt seine Herkunft hinter einem falschen, buddhistisch klingenden Nachnamen. Auf dem Weg zur kompletten Assimilation an die amerikanische Gesellschaft erschien es ihm notwendig, jeden Bezug zum Islam zu kappen. Im Gegenzug entwickelt seine weiße, christlich geprägte Ehefrau eine übermäßige Liebe zur islamischen Kunst.

Um das explosive Maß der Selbstverleugnung seiner Hauptfigur zu offenbaren, bedient sich der junge Erfolgsautor Ayad Akhtar beim dankbaren Genre der Wohnzimmerschlacht. Ein befreundetes Ehepaar ist zum Dinner geladen: Er ein amerikanisch-jüdischer Kurator, sie eine afroamerikanische Karrieristin, die wie Kapoor den Aufstieg aus kleinsten Verhältnissen vollzogen hat und nun in der Hierarchie seiner Kanzlei über ihm steht. In diesem gemischten Doppel manifestieren und entzünden sich die Grundkonflikte der vermeintlich aufgeklärten, toleranten, politisch korrekten westlichen Welt. Eine Diskussion über religiöse Traditionen eskaliert, Amir verliert erst die Kontrolle, dann seinen Job und seine Frau. Ob er durch diesen Befreiungsschlag seine Identität wiederfindet, ist fraglich. Zu sehr ist er schon aufgerieben im Kampf um Aufnahme in eine Gesellschaft, die sich durchlässig gibt und voller Rassismus ist.

Geächtet ist eines der erfolgreichsten amerikanischen Theaterstücke der letzten Jahre und hat schnell auch seinen Siegeszug an deutschen Bühnen angetreten. Es wurde mit dem Pulitzer-Preis und dem renommierten österreichischen Nestroy-Preis ausgezeichnet und bei der Kritikerumfrage des Magazins Theater heute 2016 zum besten ausländischen Stück gewählt. Der Autor Ayad Akhtar ist wie seine Hauptfigur Amerikaner mit pakistanischer Abstammung.

Akhtar, geboren 1970 als Sohn pakistanischer Einwanderer in New York, gelingt hier das Kunststück, in der Struktur eines Well-made-Plays eine ziemlich brillante Debatte über Identität, Integration und Ressentiments zu führen. Süddeutsche Zeitung

Das Scapino Ballett aus Rotterdam blickt auf ein langjähriges Bestehen zurück und steht an der Spitze von Hollands Tanzkultur, die international einen herausragenden Ruf errungen hat. Seit seiner Gründung 1945 hat Scapino eine entscheidende Rolle in der Entwicklung des Modern Dance gespielt. Das Ballett-Ensemble zeigt nicht nur an die hundert Vorstellungen in den Niederlanden, sondern erhält auch regelmäßig Einladungen ins Ausland und auf internationale Festivals. 2015 beispielsweise war das Scapino in das internationale Opern-Ballett-Projekt Les Fêtes Vénitiénnes in der Regie von Robert Carson eingebunden mit Aufführungen in Paris und New York.

Als Ed Wubbe 1992 zum künstlerischen Leiter ernannt wurde, brachte dies eine frische Vision mit sich und ein neues Kapitel in der Ballettgeschichte wurde aufgeschlagen. Seine expressiven Choreographien, in denen theatrale Finesse und Emotionalität zusammenfließen, seine Vielseitigkeit und Produktivität sind einzigartig. Über mehr als zwei Dekaden hinweg zählt Wubbe zu Europas virtuosesten Choreographen.

Mittlerweile gehört das Scapino Ballett zu den führenden und stilbildenden Tanzcompagnien in den Niederlanden und zieht ein breites Publikum an. Scapino ist für seine abendfüllenden, thematisch ausgerichteten Aufführungen bekannt, die oftmals von Live-Musik begleitet werden. Und so entfaltet sich auf der Bühne ein spannendes, unterhaltsames und obendrein innovatives Abenteuer, das durch seine großartigen Tänzer überhaupt erst möglich wird. Seine Vielseitigkeit macht das Scapino unverwechselbar und zu einer der erfolgreichsten Compagnien in Holland, die zugleich seine älteste ist: im Jahre 2016 feierte das Ensemble seinen 70. Geburtstag mit seinem längsten Werk TING!.

Mit Scala hat Ed Wubbe ein extravagantes Barock-Tanzdrama geschaffen, das an das Vorgänger-Stück Pearl anknüpft. Letztlich geht es ihm darin um das menschliche Drama: Unter aller äußeren Schönheit liegt eine dunkle Welt der Intrigen und des Verfalls. Insofern evoziert Scala nicht nur äußerlich Bilder von Filmen wie Gefährliche Liebschaften.

„Lassmalache“ fordert Bülent Ceylan in seinem aktuell bereits zehnten Programm, nicht zuletzt da das Lachen die Gesundheit von Körper, Geist und Seele fördert. Er widmet sich aber auch Menschen mit chronischen Zwerchfellkrämpfen und Lachfalten. Die Bandbreite seiner humoristischen Betrachtungen reich darüber vom Lachzwang bis hin zu Lachtränen. Kurzum haben auch an diesem Abend sicherlich alle gut lachen!

Susn ist sechzehn. Höchste Zeit, aus der Enge eines bayrischen Provinzdorfes auszubrechen. Endlich zu leben, dem Zugriff der katholischen Kirche zu entkommen, eigene Entscheidungen zu treffen. Aber wohin sie auch geht, überall stößt Susn auf Mauern. Und so entwickelt sich aus dem mutigen Ausbruch die Geschichte eines Scheiterns. Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgt der Dramatiker Herbert Achternbusch den Abstieg seiner Figur. Mit sechsundvierzig ist Susn am Ende, desillusioniert und vom Alkohol zerstört.

Eine Passionsgeschichte, gelesen von der Ausnahmeschauspielerin Brigitte Hobmeier. Wer sie je auf der Bühne oder im Film gesehen hat, weiß um ihre enorme Ausdrucksfähigkeit zwischen überwältigender Kraft und anrührender Zartheit. Von 2005 bis 2017 war Brigitte Hobmeier Ensemblemitglied an den Münchner Kammerspielen und spielte dort große Rollen. Für ihre Darstellung der Elisabeth in Ödön von Horváths Glaube Liebe Hoffnung wurde sie 2007 mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST ausgezeichnet, ein Jahr später war sie als Titelfigur in Fassbinders Die Ehe der Maria Braun beim Berliner Theatertreffen zu Gast. Sie war die Buhlschaft im Jedermann bei den Salzburger Festspielen und ist regelmäßig in Film- und Fernsehproduktionen zu sehen, für die sie mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet wurde: Unter anderem dem Grimmepreis für Die Hebamme(ZDF, Regie: Dagmar Hirz) und Ein Teil von uns (ARD, Regie: Nicole Weegmann) sowie mit dem Bayerischen Filmpreis für Ende der Schonzeit (Kino, Regie: Franziska Schlotterer).

Die Kreationen des Griechen Dimitris Papaioannou sind überwältigende Gesamtkunstwerke. Mit seiner 1986 gegründeten Compagnie Edafos Dance Theatre entwickelte er einen unverwechselbaren Stil, in dem Tanz, Performance, Bühne, Licht und Musik gleichwertig ineinander verwoben sind. Sein Gespür für starke Bilder resultiert aus einem Studium der Bildenden Kunst an der Hochschule in Athen. Inzwischen ist Papaioannou Regisseur, Choreograph, Performer, Bühnen- und Kostümbildner sowie Maler in einem, seine Inszenierungen sind von großer ästhetischer Harmonie und spiegeln zugleich die intensive Reibung des Künstlers mit gesellschaftlichen, politischen und sozialen Sujets.

The Great Tamer ist eine Tiefenbohrung durch die Schichten unserer Vergangenheit – im wahrsten Sinne des Wortes. Die zehn Performerinnen und Performer begeben sich auf eine archäologische Expedition, um den Kern unseres Daseins freizulegen. Zum Vorschein kommt der menschliche Körper, zuerst nackt und unbeschrieben wie bei seiner Geburt, dann berührt, gezähmt, vervielfältigt, geheiligt und gefressen. Der Lebensweg des Menschen ist immer auch ein Leidensweg, daran erinnert Dimitris Papaioannou mit allen Mitteln, die ihm und seinen Tänzerinnen und Tänzern zur Verfügung stehen. Mit atemberaubendem Einsatz lotet das Ensemble die Grenzen der Physis aus und lässt Bilder von großer Archaik entstehen. The Great Tamer beschließt den Reigen unserer Gastspiele aus Griechenland im Rahmen des Internationalen Festivals NACH ATHEN!. Es erzählt von der Chance, aus dem Endpunkt der Geschichte einen Neuanfang zu machen.

Er ist der Inbegriff des Münchner Originals, und allein schon seine Silhouette ist bemerkenswert. Dürr und überlang, mit riesiger spitzer Nase, ein Ritter von der traurigen Gestalt, so bleibt Karl Valentin in Erinnerung. Schon als Junge in der Vorstadt Au soll er es wild getrieben haben, und gleich nach der Schreinerlehre zog es ihn auf die Brettlbühnen der Heimatstadt. Als irrwitziger Wortverdreher schaffte er dort 1908 den Durchbruch und galt von da an als „Blödsinnkönig Valentin“. Mit seiner Partnerin Liesl Karlstadt erfand er, meist aus dem Stegreif, unvergessliche Dialoge, und der Ruhm des Komikerpaares reichte bald weit über München hinaus. „Kunst ist schön, macht aber viel Arbeit“; dieses gern zitierte Bonmot sagt viel über Karl Valentins wunderbare Art, die Dinge mit Spitzfindigkeit und knallharter Logik auf den Punkt zu bringen.

Der Schauspieler Rainer Kühn hat eine Wesensverwandtschaft zu Karl Valentin entdeckt, und das hat bei weitem nicht nur mit seiner Erscheinung zu tun, die zweifelsohne Ähnlichkeiten aufweist. Ihm liegt der anarchische Humor des Künstlers, der sich zeitlebens nicht anpassen wollte und, nach einer gar nicht so langen Phase des Erfolgs, Lebenskrisen und Schicksalsschläge zu bewältigen hatte. Und so soll an diesem Abend nicht nur der lustige Karl Valentin auferstehen, auch dem Anderen, dem Einsamen und an der Welt Verzweifelnden, wird angemessener Raum gewährt.

Dem Publikum in Ludwigshafen ist Rainer Kühn schon bekannt. Er hat den Faust in der Inszenierung von Tilman Gersch gespielt, die mehrfach hier gastierte. Am Staatstheater Wiesbaden trafen Gersch und Kühn aufeinander und entwickelten eine fruchtbare Arbeitsbeziehung. Vor seiner Zeit in Wiesbaden arbeitete Rainer Kühn u.a. am Schauspiel Frankfurt, Theater Basel, Schauspiel Bonn und am Maxim Gorki Theater Berlin. Vor einigen Jahren war er in Edgar Reitz‘ Film Die andere Heimat – Chronik einer Sehnsucht zu sehen.

Nach der Veröffentlichung ihres neuen Albums -M- im Frühjahr 2018 gastiert Westafrikas im Moment wohl berühmteste Sängerin Fatoumata Diawara im Herbst auf den Pfalzbau Bühnen. Fünf Jahre nach ihrem viel beachteten Debüt produzierte sie -M- zusammen mit Mathieu Chedid. Sie selbst äußerte sich dazu: „Er brachte die Liebe in Malis Musik und Kultur – und natürlich seine eigene Erfahrungswelt, und ich versuchte, meine malische und afrikanische Bluestradition einzubringen. Gemeinsam haben wir nach einem moderneren Sound gesucht.”

Im Rahmen der Vorbereitungen reiste die liebevoll Fatou genannte Sängerin zusammen mit der weltweit bekannten Fotografin Aida Muluneh nach Äthiopien in die Wüste Danakil. An diesem Ort, dem tiefsten Punkt Afrikas, geprägt von vulkanischer Aktivität und Salzwüsten, entstanden traumhafte Aufnahmen, die im perfekten Einklang zu den Songs ihres neuen Albums stehen. Diawaras Biographie spiegelt die Spannungen einer Gesellschaft, in der Musiker einerseits Identität stiften, andererseits jedoch zunehmend von religiösen Extremisten bedroht werden. Nachdem sie gegen ihren Willen mit einem Cousin verheiratet werden sollte, floh die junge Frau aus Mali nach Frankreich ins Exil, von wo aus sie sich jedoch immer in ihre Heimat zurück sehnt. In ihren melodiösen Liedern, die die traditionelle Musik Malis mit Elementen aus Rock und Pop verbindet, prangert sie gesellschaftliche Missstände wie die Beschneidung und Zwangsheiraten an.

SWR3 Comedy live – mit Andreas Müller

Er imitiert, parodiert, politisiert, karikiert, musiziert. Er ist Comedian, Kabarettist, Satiriker, Humorist, multitalentierter Großimitator (1,91 Meter) und SWR3-Comedy-Chef. Sein Name: Andreas Müller. 2018/2019 geht „der Mann der 100 Stimmen“ wieder auf Tour durch SWR3-Land, das neue Bühnenprogramm „SWR3 Comedy live – mit Andreas Müller“ startet im Oktober 2018.

Ob Bundes-Angie, Modepapst Glööckler, Food-Experte Rainer Calmund oder Superkoch Johann Lafer – SWR3-Comedystar Andreas Müller bringt sie alle an einem Abend auf eine Bühne. Musikparodien, Polit-Kabarett, Dialoge, Parodien, Klamauk, Persönlichkeitsspaltung in Perfektion, multimedial und interaktiv – im Radio und auf der Bühne. Müller ist schnell, schräg und galoppiert atemlos durch die Comedy-Nacht.

Er malte die Abgründe der menschlichen Seele: der britische Maler Francis Bacon. Die Beziehungen zugrunde liegenden Mechanismen von Begehren, Dominanz und Ausgrenzung stellte er in seinen Bildern auf eine schonungslos ehrliche Weise dar, die von schmerzhafter Schönheit zeugt. Die Choreographin Nanine Linning, bei den diesjährigen Festspielen für das Tanzprogramm verantwortlich, ergründet mit ihrem Stück die Gefühlswelten der Bilder Bacons und entdeckt in der Kompromisslosigkeit der Darstellung auch eine Analogie zur eigenen Kunst: „Mich interessiert das Tierische, das Instinkthafte. Ich fordere meine Tänzer auf, ihre eigenen Grenzen zu überschreiten.“ Mit exzessiver Körperlichkeit erforscht die Choreographie fundamentale Verhaltensmuster, die mit ihrer Archaik und Unbarmherzigkeit die Grenzen zwischen menschlichem und animalischem Gebaren verschwimmen lassen. Aus beinahe beunruhigender Nähe wird der Zuschauer Zeuge des Kampfes des Einzelnen um Zugehörigkeit. Linnings Szenerie spielt dabei mit den verborgenen Seiten wie auch mit den charakteristischen geometrischen Strukturen in Bacons Gemälden, die die Figuren zu umgrenzen scheinen.

Das unter anderem mit dem „Swan“ für die beste niederländische Choreographie ausgezeichnete Stück ist nun in einer aktuellen choreographischen Bearbeitung und mit neuem Video- und Lichtdesign in Ludwigshafen zu sehen.

Er malte die Abgründe der menschlichen Seele: der britische Maler Francis Bacon. Die Beziehungen zugrunde liegenden Mechanismen von Begehren, Dominanz und Ausgrenzung stellte er in seinen Bildern auf eine schonungslos ehrliche Weise dar, die von schmerzhafter Schönheit zeugt. Die Choreographin Nanine Linning, bei den diesjährigen Festspielen für das Tanzprogramm verantwortlich, ergründet mit ihrem Stück die Gefühlswelten der Bilder Bacons und entdeckt in der Kompromisslosigkeit der Darstellung auch eine Analogie zur eigenen Kunst: „Mich interessiert das Tierische, das Instinkthafte. Ich fordere meine Tänzer auf, ihre eigenen Grenzen zu überschreiten.“ Mit exzessiver Körperlichkeit erforscht die Choreographie fundamentale Verhaltensmuster, die mit ihrer Archaik und Unbarmherzigkeit die Grenzen zwischen menschlichem und animalischem Gebaren verschwimmen lassen. Aus beinahe beunruhigender Nähe wird der Zuschauer Zeuge des Kampfes des Einzelnen um Zugehörigkeit. Linnings Szenerie spielt dabei mit den verborgenen Seiten wie auch mit den charakteristischen geometrischen Strukturen in Bacons Gemälden, die die Figuren zu umgrenzen scheinen.

Das unter anderem mit dem „Swan“ für die beste niederländische Choreographie ausgezeichnete Stück ist nun in einer aktuellen choreographischen Bearbeitung und mit neuem Video- und Lichtdesign in Ludwigshafen zu sehen.

Mitwirkende

• Christof Prick Dirigent
• Vicente Castello Sansaloni Oboe
• Katharina Ruckgaber Sopran
• Gerhard Kraßnitzer Klarinette

Programm

• Wolfgang Amadeus Mozart Sinfonia concertante Es-Dur für Oboe, Klarinette, Horn, Fagott und Orchester KV 297b
• Gustav Mahler Sinfonie Nr. 4 G-Dur für Sopran und Orchester

Beschreibung

Die Tanzschule MOHL lädt zu ihrem festlichen Galaball in den Pfalzbau Ludwigshafen ein. Tanzen Sie zur Musik der Transatlantik Band und kommen in den Genuss von professionellen Shows.

Fünf Schwestern fassen einen radikalen Entschluss. An der Schwelle zum Erwachsenwerden soll ihr Leben enden, und so beginnt das „Jahr der Selbstmorde“ im Haus der bis dahin unauffälligen Mittelstandsfamilie Lisbon. Fassungslos beobachten die Söhne der Nachbarsfamilie, wie eine Schwester nach der anderen den Freitod sucht. Ihre Beschreibungen offenbaren das Drama, das sich hinter der sauber verputzten Fassade des Einfamilienhauses abspielt, lassen die dort herrschende Kälte erahnen, in der die Mädchen emotional verkümmern. Nach dem Verlust aller ihrer Töchter gehen die Eltern Lisbon schnell zur Routine über. Die Nachbarsjungen aber sind nachhaltig erschüttert.

Auf der Bühne finden sie sich nun zu einem Erinnerungsritual zusammen. Der Roman des amerikanischen Autors Jeffrey Eugenides ist hier nur noch in Fragmenten präsent. Susanne Kennedys außergewöhnlicher Regiezugriff fokussiert in vielen Dimensionen das Thema Tod und Gedächtnis. Die Jungen sind längst eins geworden mit den Objekten ihrer Verehrung, ihre Identität verschwindet hinter den großäugigen, blumengeschmückten Traumwesen, die ihrer übersteigerten Phantasie entsprungen zu sein scheinen. In einem psychedelischen Gedächtnisraum vollziehen sie ihre kultischen Handlungen nach geheimnisvollen Regeln. Wer sich darauf einlässt, erlebt Theater, das einem LSD-Trip gleicht – Bewusstseinserweiterung inklusive.

Die junge Regisseurin Susanne Kennedy ist mit ungewöhnlichen Regiezugriffen aufgefallen. Bereits zwei ihrer ersten Inszenierungen an deutschen Theatern wurden 2014 und 2015 zum Theatertreffen nach Berlin eingeladen. Sie arbeitet mit starker Verfremdung und Entindividualisierung durch Masken, Multimedia, Playback-Dialoge und Doppelgänger.

Susanne Kennedy begreift Theater als Ritual und schafft dafür Bühnenräume, die an Installationen erinnern. Ihre Arbeiten sind radikale Form-Experimente, die mit Überbelichtungen und Video- Irritationen, Gesichtsmasken und Voice-Over-Technik Sehgewohnheiten infrage stellen und Sprache extrem räumlich-körperlich fassen.  Süddeutsche Zeitung

Achtzig Jahre Deutschland verdichten sich in einer Seewirtschaft in der bayerischen Provinz. Hier wird Geschichte geschrieben, zwei Kriege und eine bäuerliche, von engen Moralvorstellungen geprägte Gesellschaft fordern ihre Opfer. Mittelreich von Josef Bierbichler ist ein Heimatroman im besten Sinne, der unsentimentale Blick eines Mannes, aus dessen kraftvollen und bildreichen Beschreibungen zugleich Liebe und Wut sprechen. Am Aufstieg und Niedergang des Mittelreiches erzählt sich die Historie unseres Landes im 20. Jahrhundert – so plastisch wie selten in der zeitgenössischen Literatur.

Josef Bierbichlers Filmkarriere begann in den siebziger Jahren mit Werner Herzogs Herz aus Glas, bis heute ist er in hervorragenden deutschen Filmen zu sehen. Unter dem Titel Zwei Herren im Anzug hat er seinen Roman selbst verfilmt und spielt darin die Rolle des Vaters. Seit März läuft der Film erfolgreich in deutschen Kinos. In Ludwigshafen liest Josef Bierbichler selbst aus seinem Roman.

Fünf Schwestern fassen einen radikalen Entschluss. An der Schwelle zum Erwachsenwerden soll ihr Leben enden, und so beginnt das „Jahr der Selbstmorde“ im Haus der bis dahin unauffälligen Mittelstandsfamilie Lisbon. Fassungslos beobachten die Söhne der Nachbarsfamilie, wie eine Schwester nach der anderen den Freitod sucht. Ihre Beschreibungen offenbaren das Drama, das sich hinter der sauber verputzten Fassade des Einfamilienhauses abspielt, lassen die dort herrschende Kälte erahnen, in der die Mädchen emotional verkümmern. Nach dem Verlust aller ihrer Töchter gehen die Eltern Lisbon schnell zur Routine über. Die Nachbarsjungen aber sind nachhaltig erschüttert.

Auf der Bühne finden sie sich nun zu einem Erinnerungsritual zusammen. Der Roman des amerikanischen Autors Jeffrey Eugenides ist hier nur noch in Fragmenten präsent. Susanne Kennedys außergewöhnlicher Regiezugriff fokussiert in vielen Dimensionen das Thema Tod und Gedächtnis. Die Jungen sind längst eins geworden mit den Objekten ihrer Verehrung, ihre Identität verschwindet hinter den großäugigen, blumengeschmückten Traumwesen, die ihrer übersteigerten Phantasie entsprungen zu sein scheinen. In einem psychedelischen Gedächtnisraum vollziehen sie ihre kultischen Handlungen nach geheimnisvollen Regeln. Wer sich darauf einlässt, erlebt Theater, das einem LSD-Trip gleicht – Bewusstseinserweiterung inklusive.

Die junge Regisseurin Susanne Kennedy ist mit ungewöhnlichen Regiezugriffen aufgefallen. Bereits zwei ihrer ersten Inszenierungen an deutschen Theatern wurden 2014 und 2015 zum Theatertreffen nach Berlin eingeladen. Sie arbeitet mit starker Verfremdung und Entindividualisierung durch Masken, Multimedia, Playback-Dialoge und Doppelgänger.

Susanne Kennedy begreift Theater als Ritual und schafft dafür Bühnenräume, die an Installationen erinnern. Ihre Arbeiten sind radikale Form-Experimente, die mit Überbelichtungen und Video- Irritationen, Gesichtsmasken und Voice-Over-Technik Sehgewohnheiten infrage stellen und Sprache extrem räumlich-körperlich fassen.  Süddeutsche Zeitung

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Die Pfalzbau Bühnen verstehen sich inhaltlich wie ästhetisch als ein Ort gesellschaftlicher Debatte. Wir stellen Fragen zur Zeit – ob mit unseren Aufführungen, den Festivals OFFENE WELT oder Nach Athen! und einer regelmäßigen Reihe von Podiumdiskussionen. Bei den diesjährigen Festspielen möchten wir uns mit den immer größer werdenden Gräben in der deutschen Debattenkultur befassen.

Kann man alles sagen? Darf man alles sagen? Wie souverän gehen wir mit anderen Meinungen um? Gibt es eine unsichtbare Zensur? Wird das Recht auf Meinungsfreiheit von Kräften missbraucht, die selbst keinen Widerspruch ertragen? Ist das lebendige Meinungsvielfalt oder kündigen sich Weimarer Verhältnisse an? Sind wir von der Konsensgesellschaft weichgespült? Und welche Funktion hat die Institution Theater, die den Anspruch erhebt, für alle da zu sein?

Auf jeden Fall sollen die Pfalzbau Bühnen ein Ort lebendiger Debatte sein, und dazu laden wir Sie herzlich ein.

Ein episches Fresco von Körper und Emotion… Hofesh Shechter ist der König des dramatischen

Kontrasts. La Croix

Ein reifes und grandioses Werk … giftig, emotional und überraschend zärtlich. The Stage

Grand Finale, das jüngste, international bejubelte Werk Hofesh Shechters, ist ein verwegenes und anspruchsvolles Stück für zehn Tänzer und sechs Musiker. Komisch, rau und wunderschön zugleich, führt es eine Welt vor Augen, die im Widerspruch mit sich selbst steht, die voller anarchischer Energie und ungestümer Komik ist. Indem er diesen unbezähmbaren Charakter herausfiltert, zeigt Shechter die Vision einer Welt auf, die sich im freien Fall befindet.

Werke wie Cult, das berauschende Political Mother oder barbarians machen deutlich, dass es diesem Choreographen auf der Seele brennt, dass es ihn drängt, in seinen Kreationen Stellung zu beziehen, dass er das Bedürfnis hat, verstanden zu werden. Trotzdem legt Hofesh Shechter Wert darauf zu betonen, dass es letztlich weniger darauf ankommt, was er sich selbst bei einer Choreographie gedacht hat, sondern vielmehr darauf, dass mit den Zuschauern etwas passiert, wenn sie in der Aufführung sitzen. Ob bei ihnen dabei alles genauso ankommt, wie er es im Sinn hatte, ist für ihn eher zweitrangig. Die Zuschauer sollen sich nicht fühlen, als müssten sie eine Prüfung bestehen.

Was sich sicherlich sinnlich und intuitiv erfassen lässt, wenn man Grand Finale sieht, konkretisiert sich, wenn man die Vorüberlegungen Hofesh Shechters kennt. Es ist dieses Gefühl, das sich einstellt, wenn man die Nachrichten sieht: Dinge entgleiten der Kontrolle, Menschen geraten aus der Fassung und werden von Panik erfasst. Dennoch kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass der Kollaps fast zelebriert wird. Inmitten dieses chaotischen Zustands, der apokalyptische Züge trägt, lässt sich trotzdem ein amüsanter Kern finden. Optimistisch betrachtet besteht der Zyklus des Lebens darin, dass Dinge kollabieren und man sie schließlich wieder aufbaut.

Ein episches Fresco von Körper und Emotion… Hofesh Shechter ist der König des dramatischen

Kontrasts. La Croix

Ein reifes und grandioses Werk … giftig, emotional und überraschend zärtlich.The Stage

Grand Finale, das jüngste, international bejubelte Werk Hofesh Shechters, ist ein verwegenes und anspruchsvolles Stück für zehn Tänzer und sechs Musiker. Komisch, rau und wunderschön zugleich, führt es eine Welt vor Augen, die im Widerspruch mit sich selbst steht, die voller anarchischer Energie und ungestümer Komik ist. Indem er diesen unbezähmbaren Charakter herausfiltert, zeigt Shechter die Vision einer Welt auf, die sich im freien Fall befindet.

Werke wie Cult, das berauschende Political Mother oder barbarians machen deutlich, dass es diesem Choreographen auf der Seele brennt, dass es ihn drängt, in seinen Kreationen Stellung zu beziehen, dass er das Bedürfnis hat, verstanden zu werden. Trotzdem legt Hofesh Shechter Wert darauf zu betonen, dass es letztlich weniger darauf ankommt, was er sich selbst bei einer Choreographie gedacht hat, sondern vielmehr darauf, dass mit den Zuschauern etwas passiert, wenn sie in der Aufführung sitzen. Ob bei ihnen dabei alles genauso ankommt, wie er es im Sinn hatte, ist für ihn eher zweitrangig. Die Zuschauer sollen sich nicht fühlen, als müssten sie eine Prüfung bestehen.

Was sich sicherlich sinnlich und intuitiv erfassen lässt, wenn man Grand Finale sieht, konkretisiert sich, wenn man die Vorüberlegungen Hofesh Shechters kennt. Es ist dieses Gefühl, das sich einstellt, wenn man die Nachrichten sieht: Dinge entgleiten der Kontrolle, Menschen geraten aus der Fassung und werden von Panik erfasst. Dennoch kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass der Kollaps fast zelebriert wird. Inmitten dieses chaotischen Zustands, der apokalyptische Züge trägt, lässt sich trotzdem ein amüsanter Kern finden. Optimistisch betrachtet besteht der Zyklus des Lebens darin, dass Dinge kollabieren und man sie schließlich wieder aufbaut.

Der Abend präsentiert die jeweils drei besten Gruppen sämtlicher Kategorien des Wettbewerbs „It’s showtime 2018“. Das Programm vereint faszinierende Darbietungen aus den Bereichen Turnen, Tanzen, Akrobatik und Show.

Es herrschen goldene Zeiten in der Republik Venedig. Die Kapital- und Warenströme fließen, die Welt rückt zusammen, die Schuldenberge wachsen, und bis es zu dem fatalen Handel zwischen dem christlichen Kaufmann Antonio und dem verachteten jüdischen Geldverleiher Shylock kommt, scheinen alle darauf zu vertrauen, dass dies ewig so weitergehen wird.

Ein Pfund Fleisch von Antonios Körper fordert Shylock, falls der Kredit, den er ihm gewährte, nicht rechtzeitig zurückgezahlt werden kann. Der Zahltag bricht an, Antonios Untergang scheint unvermeidlich, denn Shylock dringt nun unbarmherzig auf die Begleichung der Schuld. Von Gnade will der verspottete und diskriminierte Jude nichts wissen. Sein Insistieren auf die Rechtsgültigkeit seines Anspruchs wird vor dem christlichen Gericht allerdings mit einem juristischen Kniff aus der Trickkiste des Kasperletheaters beantwortet; der entrechtete Shylock steht einmal mehr als armer Teufel und Verlierer da.

Shakespeare nannte sein Stück Der Kaufmann von Venedig eine Komödie, und Karin Beier, Intendantin des Schauspielhauses Hamburg, inszeniert das Werk, das mit seiner antisemitischen Tendenz beim heutigen Zuschauer oft Ratlosigkeit hinterlässt, in seiner ganzen Doppelbödigkeit. Zugleich schwerelose Leichtigkeit und tieftraurige Betroffenheit halten sich in dieser Aufführung souverän die Waage, in der es ein Wiedersehen mit Joachim Meyerhoff als Shylock gibt. Gnadenlos unversöhnlich ergreift dieser entschlossen die Chance, sich für jahrelange Demütigungen zu rächen und steht am Ende doch wieder als der Düpierte da. In der klug ins Heute transponierten Inszenierung sind sämtliche Rollen hervorragend besetzt: eigenständige, zuweilen skurrile Charaktere mit ausgeprägt individuellen Zügen.

In ihrer geistvoll verspielten und souverän theatralischen Inszenierung gelingt Karin Beier die Entideologisierung dieses schwierigen Werks als Commedia der Ausweglosigkeit: Was die Eltern verbocken, baden die Kinder aus, ganz egal, in welchen Gottes Namen. FAZ

Joachim Meyerhoff ist seit 2005 Ensemblemitglied des Wiener Burgtheaters. Im Rahmen der Werkschau bei den letzten Festspielen Ludwigshafen war er als Titelfigur in Arthur Schnitzlers Professor Bernhardi und in Yasmina Rezas Stück Bella Figura zu sehen. Mit seinem biographischen Roman Alle Toten fliegen hochtrat er als Erzähler auf die Bühne und wurde zum Theatertreffen 2009 eingeladen. Im Januar 2017 erhielt er die Carl-Zuckmayer-Medaille des Landes Rheinland-Pfalz. Im Mai desselben Jahres wurde Joachim Meyerhoff in der Sektion Darstellende Kunst in die Akademie der Künste aufgenommen und von der Fachzeitschrift Theater heute im September zum Schauspieler des Jahres 2017 gewählt.

Ein vielseitiges Showprogramm und eine aufwendige Saaldekoration bilden den stimmungsvollen Rahmen dieser Ballnacht. Für die musikalische Unterhaltung sorgen die Tanzband Manhattan Six und zwei Discoanlagen. Reichlich Gelegenheit zum Tanz bieten gleich zwei Tanzflächen.

Es herrschen goldene Zeiten in der Republik Venedig. Die Kapital- und Warenströme fließen, die Welt rückt zusammen, die Schuldenberge wachsen, und bis es zu dem fatalen Handel zwischen dem christlichen Kaufmann Antonio und dem verachteten jüdischen Geldverleiher Shylock kommt, scheinen alle darauf zu vertrauen, dass dies ewig so weitergehen wird.

Ein Pfund Fleisch von Antonios Körper fordert Shylock, falls der Kredit, den er ihm gewährte, nicht rechtzeitig zurückgezahlt werden kann. Der Zahltag bricht an, Antonios Untergang scheint unvermeidlich, denn Shylock dringt nun unbarmherzig auf die Begleichung der Schuld. Von Gnade will der verspottete und diskriminierte Jude nichts wissen. Sein Insistieren auf die Rechtsgültigkeit seines Anspruchs wird vor dem christlichen Gericht allerdings mit einem juristischen Kniff aus der Trickkiste des Kasperletheaters beantwortet; der entrechtete Shylock steht einmal mehr als armer Teufel und Verlierer da.

Shakespeare nannte sein Stück Der Kaufmann von Venedig eine Komödie, und Karin Beier, Intendantin des Schauspielhauses Hamburg, inszeniert das Werk, das mit seiner antisemitischen Tendenz beim heutigen Zuschauer oft Ratlosigkeit hinterlässt, in seiner ganzen Doppelbödigkeit. Zugleich schwerelose Leichtigkeit und tieftraurige Betroffenheit halten sich in dieser Aufführung souverän die Waage, in der es ein Wiedersehen mit Joachim Meyerhoff als Shylock gibt. Gnadenlos unversöhnlich ergreift dieser entschlossen die Chance, sich für jahrelange Demütigungen zu rächen und steht am Ende doch wieder als der Düpierte da. In der klug ins Heute transponierten Inszenierung sind sämtliche Rollen hervorragend besetzt: eigenständige, zuweilen skurrile Charaktere mit ausgeprägt individuellen Zügen.

In ihrer geistvoll verspielten und souverän theatralischen Inszenierung gelingt Karin Beier die Entideologisierung dieses schwierigen Werks als Commedia der Ausweglosigkeit: Was die Eltern verbocken, baden die Kinder aus, ganz egal, in welchen Gottes Namen. FAZ

Joachim Meyerhoff ist seit 2005 Ensemblemitglied des Wiener Burgtheaters. Im Rahmen der Werkschau bei den letzten Festspielen Ludwigshafen war er als Titelfigur in Arthur Schnitzlers Professor Bernhardi und in Yasmina Rezas Stück Bella Figura zu sehen. Mit seinem biographischen Roman Alle Toten fliegen hochtrat er als Erzähler auf die Bühne und wurde zum Theatertreffen 2009 eingeladen. Im Januar 2017 erhielt er die Carl-Zuckmayer-Medaille des Landes Rheinland-Pfalz. Im Mai desselben Jahres wurde Joachim Meyerhoff in der Sektion Darstellende Kunst in die Akademie der Künste aufgenommen und von der Fachzeitschrift Theater heute im September zum Schauspieler des Jahres 2017 gewählt.

Keltischen Zauber und schottische Lebensfreude – das können die Zuschauer erleben, wenn „The Scottish Music Parade“ mit neuem Programm am Dienstag, den 27. November um 20 Uhr nach Ludwigshafen in die Friedrich-Ebert-Halle kommt. Dudelsackspieler, Trommler, Musiker, Sänger und Tänzer, allesamt direkt aus dem schottischen Edinburgh, nehmen das Publikum einen Abend lang mit auf eine ebenso mitreißende wie abwechslungsreiche Reise durch Schottland.
Vor einer Schlosskulisse mit Türmen und Zinnen – die Nachahmung eines schottischen Castles – präsentieren die Künstler immer neue Facetten der schottischen Kultur. Brauste eben noch der eindrucksvolle Klang der Bagpipes und Drums durch die Halle und erfasste die Menschen auf den Tribünen, sorgen im nächsten Moment gefühlvolle Balladen voll Sehnsucht und Weite für berauschende Stille im Saal.
Die mitwirkenden Künstler gehören zum Besten, was Schottland zu bieten hat. Die meisten der Teilnehmer sind beim weltberühmten Edinburgh Tattoo regelmäßig mit von der Partie. Zu den Dudelsackspielern und Trommlern zählen viele Gewinner internationaler Wettbewerbe und Weltmeister auf ihren Instrumenten.

Dass sich einem vermeintlich bekannten Klassiker noch ganz neue Nuancen abgewinnen lassen, zeigt Mateja Koležnik auf überraschende Weise mit ihrer streng stilisierten Inszenierung von Molières Tartuffe. Der perfide Schwindler Tartuffeschleicht sich als bescheidener Gutmensch in eine Familie ein und betört den reichen Hausherrn Orgon. Bald ist ihm jeder Besitz überschrieben und die Tochter als Braut versprochen. Orgon, ein selbstgefälliger Familiendespot, ist dem Betrüger in fanatischer Bewunderung ergebenund will die Wahrheit über ihn nicht hören; sogar Tartuffes Griff nach seiner Ehefrau Elmire entgeht ihm. Molières bittere Komödie macht plausibel, worin die Faszination jeder Art von Fundamentalismus liegt und warum auch scheinbar vernünftige Leute immer wieder auf falsche Gurus und Rattenfänger hereinfallen.

Die slowenische Regisseurin erzählt das Aufeinandertreffen von Heuchelei und Leichtgläubigkeit in einer achtzig Minuten kurzen, hochkonzentrierten Textfassung ohne jeglichen Substanzverlust. Sie verlegt die Geschichte in ein raffiniert konstruiertes Treppenhaus, in dem sich die Figuren treffen, einander belauern und bespitzeln und konspirative Pläne schmieden. Letztlich erweist sich die Scheinheiligkeit der dekadenten Familie als ebenso schändlich wie Tartuffes Hinterhältigkeit.

Koležnik nimmt Molières Komödie radikal ernst. Bar jeder Illusion führt sie das Stück mit inszenatorischer Präzision in die Gegenwart: Jede Handbewegung, jeder Schritt auf dem engen Raum ist bewusst gesetzt und hat eine Bedeutung. Ein ungemein konzentrierter Abend – fast ohne Requisiten, ganz pur, aber ein reines Vergnügen.

Mateja Koležnik arbeitete an allen großen Theatern des ehemaligen Jugoslawiens. Tartuffe ist ihre vierte von bislang fünf Inszenierungen am Münchner Residenztheater. Am Berliner Ensemble inszenierte sie im Herbst 2017 das Stück Nichts von mir von Arne Lygre.

Dass sich einem vermeintlich bekannten Klassiker noch ganz neue Nuancen abgewinnen lassen, zeigt Mateja Koležnik auf überraschende Weise mit ihrer streng stilisierten Inszenierung von Molières Tartuffe. Der perfide Schwindler Tartuffeschleicht sich als bescheidener Gutmensch in eine Familie ein und betört den reichen Hausherrn Orgon. Bald ist ihm jeder Besitz überschrieben und die Tochter als Braut versprochen. Orgon, ein selbstgefälliger Familiendespot, ist dem Betrüger in fanatischer Bewunderung ergebenund will die Wahrheit über ihn nicht hören; sogar Tartuffes Griff nach seiner Ehefrau Elmire entgeht ihm. Molières bittere Komödie macht plausibel, worin die Faszination jeder Art von Fundamentalismus liegt und warum auch scheinbar vernünftige Leute immer wieder auf falsche Gurus und Rattenfänger hereinfallen.

Die slowenische Regisseurin erzählt das Aufeinandertreffen von Heuchelei und Leichtgläubigkeit in einer achtzig Minuten kurzen, hochkonzentrierten Textfassung ohne jeglichen Substanzverlust. Sie verlegt die Geschichte in ein raffiniert konstruiertes Treppenhaus, in dem sich die Figuren treffen, einander belauern und bespitzeln und konspirative Pläne schmieden. Letztlich erweist sich die Scheinheiligkeit der dekadenten Familie als ebenso schändlich wie Tartuffes Hinterhältigkeit.

Koležnik nimmt Molières Komödie radikal ernst. Bar jeder Illusion führt sie das Stück mit inszenatorischer Präzision in die Gegenwart: Jede Handbewegung, jeder Schritt auf dem engen Raum ist bewusst gesetzt und hat eine Bedeutung. Ein ungemein konzentrierter Abend – fast ohne Requisiten, ganz pur, aber ein reines Vergnügen.

Mateja Koležnik arbeitete an allen großen Theatern des ehemaligen Jugoslawiens. Tartuffe ist ihre vierte von bislang fünf Inszenierungen am Münchner Residenztheater. Am Berliner Ensemble inszenierte sie im Herbst 2017 das Stück Nichts von mir von Arne Lygre.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Im Vordergrund von Johan Ingers abendfüllendem Handlungsballett steht das altbekannte Drama von Liebe und Eifersucht. Doch das Carmen-Ballett des Schweden basiert nicht allein auf der Geschichte seiner weiblichen Protagonistin, sondern es konzentriert sich auch, ähnlich wie in Prosper Merimées literarischer Vorlage des Stoffes, auf Don José. Unfähig, den freiheitlichen Geist seiner Geliebten zu akzeptieren, führt ihn diese Liebe auf den Weg in eine emotionale Hölle: Eifersucht, Leidenschaft und Rache bestimmen sein Denken und sein Handeln. „Als ich diese Geschichte zum ersten Mal gelesen habe, fiel mir auf, dass sie vor allem von Gewalt handelt“, sagt Inger. Und so nimmt sein Ballett deutlich Stellung zu körperlicher Gewalt und ihren Konsequenzen. Zusätzlich lässt der Choreograph das Geschehen von einem kleinen Jungen beobachten und lädt damit das Publikum ein, die Hauptperson mit den Augen eines Kindes neu zu entdecken.

Inger choreographiert seine Carmen hauptsächlich zur Musik von Rodion Shchedrin. Der 1932 in Moskau geborene Komponist arrangierte Bizets Opernmusik neu zu einer abendfüllenden Ballettmusik für seine Frau Maya Plissezkaja, der langjährigen Primaballerina des Bolschoi-Theaters. Zusätzlich setzt Inger aber auch Musik von Marc Álvarez ein. Die technischen Resonanzklänge der eigens für dieses Stück geschriebenen und aufgenommenen Musiknummern des spanischen Komponisten Álvarez nutzt der Choreograph als Stimmungsträger für die introspektiven Sequenzen Don Josés. 2016 erhielt Johan Inger für seine Carmen den renommierten Benoisde-la-Danse-Preis.

Im Vordergrund von Johan Ingers abendfüllendem Handlungsballett steht das altbekannte Drama von Liebe und Eifersucht. Doch das Carmen-Ballett des Schweden basiert nicht allein auf der Geschichte seiner weiblichen Protagonistin, sondern es konzentriert sich auch, ähnlich wie in Prosper Merimées literarischer Vorlage des Stoffes, auf Don José. Unfähig, den freiheitlichen Geist seiner Geliebten zu akzeptieren, führt ihn diese Liebe auf den Weg in eine emotionale Hölle: Eifersucht, Leidenschaft und Rache bestimmen sein Denken und sein Handeln. „Als ich diese Geschichte zum ersten Mal gelesen habe, fiel mir auf, dass sie vor allem von Gewalt handelt“, sagt Inger. Und so nimmt sein Ballett deutlich Stellung zu körperlicher Gewalt und ihren Konsequenzen. Zusätzlich lässt der Choreograph das Geschehen von einem kleinen Jungen beobachten und lädt damit das Publikum ein, die Hauptperson mit den Augen eines Kindes neu zu entdecken.

Inger choreographiert seine Carmen hauptsächlich zur Musik von Rodion Shchedrin. Der 1932 in Moskau geborene Komponist arrangierte Bizets Opernmusik neu zu einer abendfüllenden Ballettmusik für seine Frau Maya Plissezkaja, der langjährigen Primaballerina des Bolschoi-Theaters. Zusätzlich setzt Inger aber auch Musik von Marc Álvarez ein. Die technischen Resonanzklänge der eigens für dieses Stück geschriebenen und aufgenommenen Musiknummern des spanischen Komponisten Álvarez nutzt der Choreograph als Stimmungsträger für die introspektiven Sequenzen Don Josés. 2016 erhielt Johan Inger für seine Carmen den renommierten Benoisde-la-Danse-Preis.

Zwei Menschen begegnen sich in derselben Welt. Sie nimmt diese Welt mit dem Körper auf, erkundet und spricht mit Füßen, Beinen, Po, Rücken, Armen, Kopf und Händen. Er lauscht und erkundet den Klang: Er klopft, klappert, dröhnt, klabautert, trommelt, pocht und paukt. Wie können sich die Zwei verstehen? Langsam entdecken sie, dass Bewegung Töne erzeugt und Trommeln Bewegung ist. Ohne Worte, doch voller Sprachen erzählen sie eine Geschichte vom Zauber des Entdeckens, des Erlebens und der Begegnung. Der Tanz und die Musik sind Weltsprachen, die keine Grenzen kennen. Bewegung und Töne werden unmittelbar erlebt und erfahren. Gerade deshalb eignen sie sich wunderbar für ein junges Publikum, dessen Spracherwerb noch in vollem Zuge ist. Der Perkussionist Peter Hinz und die Tänzerin Julie Pécard entwickelten mit Andrea Gronemeyer ein grenzüberschreitendes Theaterstück. Andrea Gronemeyer wurde für Tanz Trommel 2014 mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST in der Kategorie „Regie Kinder- und Jugendtheater” ausgezeichnet.

Was ist Liebe? Dieser einfachen und zugleich großen Frage will Ich lieb dichnachgehen. Ein Junge und ein Mädchen befragen das Thema. Was macht Liebe aus? Einander ähnlich genug sein und zugleich verschieden genug. Einander Freiheit und Sicherheit zugleich geben. Nicht aufhören, über den anderen zu staunen und vom anderen zu lernen. Gemeinsame Ziele haben und Probleme angehen. Zusammen lachen können. Die beiden spielen die verschiedenen Möglichkeiten durch. Sie beobachten die Liebe von Menschen, die sie kennen. Denken sich aus, wie es wäre, jemand anderes zu sein. Wie lieben sich Geschwister? Wie lieben sich Freunde? Eltern und Kind, Kind und Haustier – und: Wie lieben sich Lebenspartner? Während die beiden von Spiel zu Spiel wechseln, nimmt ihre eigene Beziehung immer mehr Gestalt an. Kristo Šagor ist ein viel gespielter Autor und Regisseur vor allem für das junge Publikum. Seine Theaterstücke wurden vielfach nominiert und prämiert. Er wurde für Törleß am Jungen Schauspiel Hamburg mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST 2007 in der Kategorie „Regie Kinder- und Jugendtheater” ausgezeichnet. Zuletzt inszenierte er u. a. am Deutschen Theater Berlin, Staatsschauspiel Dresden, Theater Bonn, JES – Junges Ensemble Stuttgart und am Jungen Nationaltheater Mannheim.

Beim Winterball feiern die Tanzschüler der Herbstkurse ihren Premierenball und damit zugleich den Höhepunkt zum Abschluss des Jahresprogramms der Tanzschule Nagel. Für aktuelle Musik sorgt die Live-Kapelle Rosegarden. Tanzeinlagen und Shows liefern ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm.

Stell Dir diesen Ort vor, über den jeder spricht. Den Ort, in den wir all dies verwandeln. Diese Welt, die das Ergebnis all unserer Anstrengungen der letzten Jahre ist. Diesen Ort nennen wir Fortschritt. Wir könnten diesen Ort, diesen Planeten Pasionaria nennen. Dort leben Wesen, die uns ähneln, die auf perfekte Weise so gestaltet wurden, dass sie uns imitieren. Was wir Leben nennen, wurde in eine künstliche Landschaft verwandelt, und aus ihren Einwohnern wurden technische Geräte, die jede Form der Leidenschaft verloren haben. Die Gegenwart, in der wir leben, gibt uns eine Vorstellung von der Zukunft, in der wir einfach aufgehört haben zu fühlen. Eine Zukunft, in der wir nicht einmal mehr darauf hoffen, uns von anderen zu unterscheiden und ein eigenes Leben zu leben. Der Dichter Leopoldo María Panero schrieb: “Ich zerstöre mich selbst, um zu spüren, dass ich ich bin und nicht alle anderen.” Wir erkennen, dass Schmerz und Leidenschaft uns von Robotern und Statuen unterscheiden, und wir benutzen diese inaktiven Körper in diesem Stück, um uns selbst zu betrachten, Unterschiede festzustellen und herauszufinden, ob wir noch am Leben sind. Pasionaria stellt die emotionale Distanziertheit in Frage, auf die wir uns zubewegen. Marcos Morau und seine Tänzer regen zur Reflexion an über die Idee des Fortschritts, die uns aufgebürdet wird. Er entwirft darin die Vision einer künstlichen Welt, in die wir hinein gestoßen und gewaltsam geworfen werden, in der Individualismus und moralische Feigheit aus der gegenwärtigen Welt einen Ort schutzloser Erwachsener macht. So visualisiert er eine Zukunft, die offensichtlich zu weit weg ist.

Warum entfernt sich eine Person immer gerade dann, wenn ein menschliches Wesen zeigt, dass es Bedürfnisse und Sehnsüchte hat? Simone Weil

Wenn du die Kinder kontrollierst, kontrollierst du die Zukunft. Michel Houellebecq, Unterwerfung

Marcos Morau studierte Choreographie in Barcelona, Valencia und New York und gründete 2005 das Kollektiv La Veronal – zusammen mit Künstlern aus den Bereichen Tanz, Film, Photographie und Literatur. Seitdem wurde er mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet und choreographiert an wichtigen Ensembles wie dem spanischen Nationalballett und dem Royal Danish Theatre in Kopenhagen.

Unter dem Pseudonym Peter Schlemihl schrieb der bayrische Autor und Journalist Ludwig Thoma viele Jahre für die Münchner Satirezeitschrift Simplicissimus. Mit beißendem Spott überzog er Anfang des 20. Jahrhunderts den bayrischen Provinzialismus genauso wie den preußischen Pickelhauben-Militarismus. Auch seine Romane sind herrliche Sittengemälde aus einer bigotten, kleinbürgerlichen Zeit. Seinen 1905 erschienenen Lausbubengeschichten hat er den Untertitel „Aus meiner Jugendzeit“ gegeben, und man ahnt, mit welcher nahezu kriminellen Energie schon der kleine Ludwig – zum Leidwesen seiner Umgebung – ausgestattet gewesen sein muss. Weil er aber seine Streiche mit wunderbarem Humor erzählt, kann ihm am Ende niemand böse sein.

Der Schauspieler Holger Stockhaus hat ein großes Talent für anspruchsvolle, hintergründige Comedy. Regelmäßig kann man das in der vielfach ausgezeichneten ZDF-Serie Sketch History bewundern, aber auch Anke Engelke hatte ihn lange Zeit in ihrem Ladykracher-Team. Ein Blick in seine Biographie zeigt, dass Stockhaus zudem ausgesprochen vielseitig ist. Im Kino wie im Fernsehen ist er häufig präsent, steht aber genauso oft auf wichtigen deutschen Schauspielbühnen wie dem Schauspiel Stuttgart, dem Deutschen Theater, der Volksbühne und dem Maxim-Gorki-Theater in Berlin.

Als Kind sehnte sich Huang Yi nach einem Roboter-Gefährten. Als Erwachsener konstruierte er dann einen Roboter, mit dem er tanzen konnte. Der gefeierte taiwanesische Tänzer und Choreograph Huang Yi und sein Roboter-Freund KUKA bringen messerscharfe Präzision und überwältigende Artistik zu den Festspielen Ludwigshafen. Indem Huang Yi & KUKA harmonisch den Tanz und die Wissenschaft mechanischer Ingenieurskunst miteinander verwebt, entsteht ein poetisches Werk, das makellos den modernen Tanz mit der Bildenden Kunst und der Welt der Roboter verbindet. Im Zusammenwirken zwischen realen Tänzern und KUKA, einem von Huang programmierten Roboter, erzeugt das Stück eine tiefe Humanität. Zu zarter und melancholischer Klaviermusik agieren der mit einem grellen Laserstrahl ausgestattete Roboter KUKA und die Tänzer auf geradezu betörend schöne Weise. Kann es menschliche Nähe zwischen einem künstlichen Wesen und dem Menschen geben?

Ich wollte uns alle an unsere grundlegendste Hoffnung von Beginn an erinnern, dass wir nur Kinder sind, aber eben erwachsene Kinder. – Huang Yi

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Als Kind sehnte sich Huang Yi nach einem Roboter-Gefährten. Als Erwachsener konstruierte er dann einen Roboter, mit dem er tanzen konnte. Der gefeierte taiwanesische Tänzer und Choreograph Huang Yi und sein Roboter-Freund KUKA bringen messerscharfe Präzision und überwältigende Artistik zu den Festspielen Ludwigshafen. Indem Huang Yi & KUKA harmonisch den Tanz und die Wissenschaft mechanischer Ingenieurskunst miteinander verwebt, entsteht ein poetisches Werk, das makellos den modernen Tanz mit der Bildenden Kunst und der Welt der Roboter verbindet. Im Zusammenwirken zwischen realen Tänzern und KUKA, einem von Huang programmierten Roboter, erzeugt das Stück eine tiefe Humanität. Zu zarter und melancholischer Klaviermusik agieren der mit einem grellen Laserstrahl ausgestattete Roboter KUKA und die Tänzer auf geradezu betörend schöne Weise. Kann es menschliche Nähe zwischen einem künstlichen Wesen und dem Menschen geben?

Ich wollte uns alle an unsere grundlegendste Hoffnung von Beginn an erinnern, dass wir nur Kinder sind, aber eben erwachsene Kinder. – Huang Yi

Achtung: Besuch erst ab 14 Jahren

Wer war zuerst untreu – Mann oder Frau? Um diese Frage zu beantworten, spielt der französische Dichter Marivaux den Sündenfall durch einen makaberen Menschenversuch nach. Dafür werden in seinem Stück Der Streit zwei Mädchen und zwei Jungen von der Mitwelt isoliert, aufgezogen ausschließlich von ihren beiden Erziehern. Als junge Erwachsene begegnen sie sich zum ersten Mal – streng beobachtet von einem Prinzen und seiner Gattin. Sie gehen Beziehungen, Allianzen und Liebeleien ein und spiegeln dabei die Themen unserer Zeit: Beziehungsmodelle, sexuelle Selbstbestimmung und die Machtverhältnisse unter den Geschlechtern.

Der österreichische Shootingstar Nikolaus Habjan inszeniert das seltsame Experiment über den Ursprung der Untreue mit Schauspielern und lebensgroßen Puppen, die von den Akteuren auf der Bühne geführt werden. Während der Prinz und seine Fürstengattin durch groteske Klappmaulpuppen verkörpert werden, erscheinen die jungen Liebenden als überdimensionierte Gliederpuppen. Auf hinreißende Weise beleben die Schauspieler ihre Figuren in einer klinisch weißen Menschenversuchsanstalt. Die Puppen werden zu ausdrucksstarken Persönlichkeiten – erschreckend menschlich und doch abstrakt. Mit minimalen Bewegungen der Gliedmaßen stellen die Akteure intensive Gefühlsregungen dar und führen ihre unterleibslosen Puppen durch das Experiment der sexuellen Liebe, indem sie ihnen bei Bedarf ihre sich spreizenden und zuckenden Beine leihen. In dieser ebenso witzigen wie verstörenden Anordnung wird die Frage nach dem Ursprung der Untreue zu einer Farce und der freie Wille des Individuums zur Illusion. Denn allesamt werden letztlich von fremder Hand zur Untreue geführt.

Der dreißigjährige Österreicher Nikolaus Habjan – Puppenspieler und –bauer, Musiktheaterregisseur, Kabarettist, Schauspieler, Stimmenimitator und Kunstpfeifer – wird in seiner Heimat als „Master of Puppets“ gefeiert. Mit seiner Vorliebe für den Einsatz lebensgroßer Klappmaulpuppen im Regietheater mischte das quirlige Multitalent bereits das Wiener Volkstheater auf und verfolgt dabei zuweilen auch eine gesellschaftspolitische Mission. Nikolaus Habjan erhielt den Nestroy-Theaterpreis und wurde zu zahlreichen Festivals eingeladen.

Für Habjan hat Theater in erster Linie mit Lust zu tun – und nicht mit Mühe. Und diese Lust sieht man auf der Bühne seinen Darstellern, seinen Puppen und auch ihm selbst an. Die deutsche Bühne

Felix Mendelssohn Bartholdy – Der 42. Psalm „Wie der Hirsch schreit“
Josef Rheinberger – „Der Stern von Bethlehem“

Mitwirkende:
Amelie Petrich, Sopran
Richard Logiewa, Bariton
David Geier, Maximilian Vogt (Tenor)
Adolph Seidel (Bass)

Kurpfälzisches Kammerorchester
Musikalische Leitung: Tristan Meister

Der 42. Psalm op. 42 „Wie der Hirsch schreit“  ist eine Kantate für Sopran, gemischten Chor und Orchester von Felix Mendelssohn-Bartholdy. Der Text beruht auf dem alttestamentlichen Psalm 42 in der Übersetzung Martin Luthers.

„Der Stern von Bethlehem“ op. 164  ist eine Weihnachtskantate für Chor, Soli und Orchester von Josef Rheinberger aus dem Jahr 1891 in 9 Sätzen. Der Text stammt von seiner Frau Franziska von Hoffnaaß.

Achtung: Besuch erst ab 14 Jahren

Wer war zuerst untreu – Mann oder Frau? Um diese Frage zu beantworten, spielt der französische Dichter Marivaux den Sündenfall durch einen makaberen Menschenversuch nach. Dafür werden in seinem Stück Der Streit zwei Mädchen und zwei Jungen von der Mitwelt isoliert, aufgezogen ausschließlich von ihren beiden Erziehern. Als junge Erwachsene begegnen sie sich zum ersten Mal – streng beobachtet von einem Prinzen und seiner Gattin. Sie gehen Beziehungen, Allianzen und Liebeleien ein und spiegeln dabei die Themen unserer Zeit: Beziehungsmodelle, sexuelle Selbstbestimmung und die Machtverhältnisse unter den Geschlechtern.

Der österreichische Shootingstar Nikolaus Habjan inszeniert das seltsame Experiment über den Ursprung der Untreue mit Schauspielern und lebensgroßen Puppen, die von den Akteuren auf der Bühne geführt werden. Während der Prinz und seine Fürstengattin durch groteske Klappmaulpuppen verkörpert werden, erscheinen die jungen Liebenden als überdimensionierte Gliederpuppen. Auf hinreißende Weise beleben die Schauspieler ihre Figuren in einer klinisch weißen Menschenversuchsanstalt. Die Puppen werden zu ausdrucksstarken Persönlichkeiten – erschreckend menschlich und doch abstrakt. Mit minimalen Bewegungen der Gliedmaßen stellen die Akteure intensive Gefühlsregungen dar und führen ihre unterleibslosen Puppen durch das Experiment der sexuellen Liebe, indem sie ihnen bei Bedarf ihre sich spreizenden und zuckenden Beine leihen. In dieser ebenso witzigen wie verstörenden Anordnung wird die Frage nach dem Ursprung der Untreue zu einer Farce und der freie Wille des Individuums zur Illusion. Denn allesamt werden letztlich von fremder Hand zur Untreue geführt.

Der dreißigjährige Österreicher Nikolaus Habjan – Puppenspieler und –bauer, Musiktheaterregisseur, Kabarettist, Schauspieler, Stimmenimitator und Kunstpfeifer – wird in seiner Heimat als „Master of Puppets“ gefeiert. Mit seiner Vorliebe für den Einsatz lebensgroßer Klappmaulpuppen im Regietheater mischte das quirlige Multitalent bereits das Wiener Volkstheater auf und verfolgt dabei zuweilen auch eine gesellschaftspolitische Mission. Nikolaus Habjan erhielt den Nestroy-Theaterpreis und wurde zu zahlreichen Festivals eingeladen.

Für Habjan hat Theater in erster Linie mit Lust zu tun – und nicht mit Mühe. Und diese Lust sieht man auf der Bühne seinen Darstellern, seinen Puppen und auch ihm selbst an. Die deutsche Bühne

Der alte geizige Geschäftsmann Scrooge will nichts von Weihnachten wissen. Jedes Jahr sieht er dem Fest der Freude und der Liebe murrend entgegen. Dies ändert sich, als ihm in der Weihnachtsnacht der Geist seines verstorbenen Arbeitskollegen erscheint, der zu Lebzeiten habgierig war und nun in Ketten liegt. Er warnt Scrooge vor den Folgen, den sein Geiz und seine Abneigung gegenüber Mitmenschen nach sich ziehen werde. Außerdem prophezeit er ihm die Begegnung mit den drei Geistern der vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Weihnacht, die ihm einen ebenso erschreckenden wie wirkungsvollen Einblick in seine verschiedenen Lebenswelten gewähren.

Die Inszenierung von Richard Clodtfelder nimmt den Zuschauer mit auf eine lustige, lebhafte, aber auch nachdenkliche Reise durch die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des alten Griesgrams und lässt sie teilhaben an dessen wachsender Erkenntnis, wie wichtig Familie und Freunde im Gegensatz zu schnödem Mammon doch sind.

Es war einmal ein kleiner Onkel. Der kleine Onkel war sehr einsam. Niemand kümmerte sich um ihn, obwohl er sehr nett war. Alle fanden ihn zu klein. Und dann fanden sie auch noch, dass er albern aussah mit seinem komischen Hut. Deswegen war niemand nett zu dem kleinen Onkel. Nachts weinte er manchmal, weil er so traurig war. Eines Tages aber hatte er eine Idee. Auf einen Zettel schrieb er „Kleiner Onkel sucht einen Freund“ und heftete ihn an einen Baum. Zufrieden ging er nach Hause und wartete. Zehn Tage und zehn Nächte lang wartete der kleine Onkel. Als er am elften Morgen erwachte, saß ein Hund neben seinem Bett… Die Geschichte vom kleinen Onkel erzählt mit wenigen Worten, poetischen Bildern, dem Stummfilm verwandten Stilmitteln und viel Musik von der Sehnsucht, einen Freund zu haben, und von der Erkenntnis, dass Teilen nicht Verlieren bedeutet.

Auch 2018 geht’s auf Grund der Riesennachfrage und mit zahlreichen Zusatzshows noch ein letztes Jahr auf große „ICH FIND‘ S LUSTIG“-Hallentour durch Deutschland & Österreich. Und nach Pompolompusien (vielleicht). Aber ganz bestimmt in Deine Nähe! Alle Puppen sind wieder mit an Bord auf Grammels Gute Laune-Kahn! Für Rätselfreunde: angeblich sind ein Aquarium, Luftballons, Konfetti und ein großes Stück Käse ins Grammel-Spaßbüro geliefert worden. Es sieht also wiedermal ganz nach einer typisch rundum grammeligen Puppet-Comedy-Show mit verrückter Comedy aus – mit leisen, auch bewegenden Momenten, jeder Menge herrlicher Albernheiten und irrer Überraschungen! Mehr wird aber noch nicht verraten!

Mitwirkende

Kerem Hasan Dirigent

Maia Cabeza Violine

Programm

Leopold Mozart Musikalische Schlittenfahrt
Alexander Glasunow Konzert für Violine und Orchester a-Moll, op. 82
Ludwig van Beethoven Sinfonie Nr. 3 Es-Dur, op. 55 „Eroica“

Beschreibung
Kurz vor den Fest- und Feiertagen lädt das Weihnachtskonzert der Bürgerstiftung in besonderer Weise dazu ein, sich an fantastische Orte zu träumen: Dabei regt vor allem die „musikalische Schlittenfahrt“ die Fantasie an. Eine leidenschaftliche, schier unerschöpfliche Gedankenquelle ist auch Beethovens „Eroica“ – als sinfonischer Meilenstein wurde sie zum Schlüsselwerk des 19. Jahrhunderts. Weniger bekannt, aber in seinem spätromantischen Stil ganz dem Klangidiom Brahms verpflichtet, brilliert die virtuose Violinistin Maia Cabeza mit Alexander Glasunows Violinkonzert.

Weihnachten ist der schönste Tag im Jahr, darüber sind sich alle einig. Nur der geizige Ebenezer Scrooge kann mit gemütlichem Beisammensein um den Tannenbaum, mit Kerzenlicht und vor allem mit Geschenken überhaupt nichts anfangen. Selbst an Heiligabend hat er kein offenes Ohr für die Nöte und Sorgen seiner Mitmenschen, sondern zählt lieber sein Geld. In der Weihnachtsnacht allerdings kommt es zu einer eigentümlichen und weitreichenden Begegnung: Ebenezer Scrooge erscheint im Traum sein verstorbener Geschäftspartner Marley und warnt ihn vor der ewigen Verdammnis, wenn er sich nicht ändert. Kurz darauf bekommt Scrooge Besuch von den Geistern der vergangenen, der gegenwärtigen und der zukünftigen Weihnacht. Die drei bereiten ihm eine ganz besondere Bescherung… Bereits 1843 schrieb Charles Dickens seine Weihnachtsgeschichte, die auch heute noch Kinder und Erwachsene fasziniert. Ebenezer Scrooge wird am Heiligen Abend von Geistern besucht, und der Zuschauer darf miterleben, wie der herzlose alte Mann zu einem liebenswerten Unterstützer der Armen wird.

Moderation Tilman Gersch

Weingut Bergdolt, Neustadt an der Weinstraße

In Kooperation mit der Städtischen Musikschule Ludwigshafen

O Fortuna! Die Anrufung der mächtigen Schicksalsgöttin, deren Rad sich unerbittlich dreht, eröffnet und beschließt die dreiteilige Sammlung weltlicher Gesänge Carmina Burana von Carl Orff. Skizziert werden die Höhen und Tiefen des menschlichen Lebens – von der Freiheit der Liebe bis hin zur Furcht vor dem unentrinnbaren Schicksal. Die Faszination für Carl Orffs Vertonung ist seit ihrer Uraufführung 1937 ungebrochen und schlägt ihre Zuhörer mit klangtrunkener Fülle, pulsierender Rhythmik und perkussionsgeladener Orchestration in den Bann. Am Badischen Staatstheater Karlsruhe wurden die Carmina Burana als spartenübergreifendes Großereignis realisiert. Das Stück ist eine Hommage an eine bedeutende Persönlichkeit des Hauses: den 2016 verstorbenen ehemaligen Ballettdirektor Germinal Casado, der diese Choreographie einst kreierte. Casado verwandelte Orffs weltberühmte Komposition in ein opulentes sinnliches Tanzfest voller archaischer Wucht und poetischer Schönheit. Nach Casados Tod machte sein Lebenspartner Giulio Ragnoli Ballettdirektorin Birgit Keil und ihrem Karlsruher Ensemble dieses Werk zum Geschenk. Die Neueinstudierung unter der musikalischen Leitung von Generalmusikdirektor Justin Brown ist eine Verneigung des Hauses vor seinem Ehrenmitglied, das den Tanz zeit seines Lebens als eine universelle grenzenlose Kunst gefeiert hat.

Seit 2003 ist Birgit Keil Ballettdirektorin am Badischen Staatstheater Karlsruhe. Davor war sie, insbesondere als Primaballerina am Stuttgarter Ballett unter der Leitung von John Cranko, eine Tänzerin von Weltrang mit Sologastauftritten u. a. an der Opéra de Paris, La Scala Mailand, beim American Ballet Theatre New York, Royal Ballet London und an der Wiener Staatsoper. Das Badische Staatsballett Karlsruhe konnte unter ihrer Leitung seinen Ruf weit über die Region hinaus festigen und findet durch das vielfältige Repertoire klassischer und moderner Ballette zunehmend auch internationale Beachtung. Als Professorin lehrt Birgit Keil an der Akademie des Tanzes der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Mannheim, deren Leitung ihr im Juli 1997 übertragen wurde. Mit der Spielzeit 2018/19 verlässt sie das Badische Staatstheater Karlsruhe.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Musical Comedy in zwei Akten

Musik von George Stiles
Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe
Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard

Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.

Musical Comedy in zwei Akten

Musik von George Stiles
Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe
Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard

Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.

La Fresque zeigt eine Gruppe wunderschöner junger Frauen, die ihre Haare offen tragen und deren geheimnisvolle Melancholie einen ungeheuren Sog ausübt. Unmerklich scheinen sie sich einem Tanz hinzugeben, der in eine faszinierende Traumwelt führt. Die beiden erschöpften Reisenden, die in einem Tempel Unterschlupf gefunden haben, stehen gebannt vor diesem Schauspiel träumerischer Poesie, und ehe er sich‘s versieht, ist einer der jungen Männer in diesen Kosmos der Schönheit übergetreten und taucht in eine andere Dimension ein, in der ganz eigene Gesetze gelten. Zeit und Raum fließen hier ineinander, die Realität verlangsamt sich eigentümlich, verborgene Begierden drängen an die Oberfläche, mysteriöse Geschichten aus der Welt des Traumes scheinen plötzlich real. Sehnsucht und Hingabe nehmen den Besucher gefangen, und in den rhythmischen Klängen, die ihn unerbittlich in seinen Bann schlagen, nimmt er erst allmählich die tiefen Stimmen war, die ihn sachte zur Ordnung und in die Realität zurückrufen.

Angelin Preljocajs neue Choreographie widmet sich einem alten Menschheitstraum: der Durchdringung der getrennten Sphären von Kunst und Realität. Inspirieren ließ sich der Choreograph, der sich in seinen Werken gerne märchenhaften Erzählungen widmet – unvergesslich z.B. seine Schneewittcheninterpretation Blanche Neige – von einer bekannten chinesischen Sage. Sie erzählt von einer Reise in jene Dimension, in der ein Bild den Zugang zur Transzendenz eröffnet und das reale menschliche Wesen in Einklang mit dem Gemälde tritt. Im Tanz schafft Preljocaj eine sinnliche Verbindung zwischen statischer Abbildung und Bewegtheit, zwischen Leben und Leblosigkeit. Metaphorisch dafür stehen die Haare der Frauen, seit jeher Sinnbild für Lebenskraft und Erotik, die als riesige poetische Projektionen die Szenerie beherrschen und den traumhaften Charakter des Stückes malerisch unterstreichen. Auch wir, die Zuschauer, können uns dem Zauber dieses Tanzmärchens kaum entziehen.

La Fresque zeigt eine Gruppe wunderschöner junger Frauen, die ihre Haare offen tragen und deren geheimnisvolle Melancholie einen ungeheuren Sog ausübt. Unmerklich scheinen sie sich einem Tanz hinzugeben, der in eine faszinierende Traumwelt führt. Die beiden erschöpften Reisenden, die in einem Tempel Unterschlupf gefunden haben, stehen gebannt vor diesem Schauspiel träumerischer Poesie, und ehe er sich‘s versieht, ist einer der jungen Männer in diesen Kosmos der Schönheit übergetreten und taucht in eine andere Dimension ein, in der ganz eigene Gesetze gelten. Zeit und Raum fließen hier ineinander, die Realität verlangsamt sich eigentümlich, verborgene Begierden drängen an die Oberfläche, mysteriöse Geschichten aus der Welt des Traumes scheinen plötzlich real. Sehnsucht und Hingabe nehmen den Besucher gefangen, und in den rhythmischen Klängen, die ihn unerbittlich in seinen Bann schlagen, nimmt er erst allmählich die tiefen Stimmen war, die ihn sachte zur Ordnung und in die Realität zurückrufen.

Angelin Preljocajs neue Choreographie widmet sich einem alten Menschheitstraum: der Durchdringung der getrennten Sphären von Kunst und Realität. Inspirieren ließ sich der Choreograph, der sich in seinen Werken gerne märchenhaften Erzählungen widmet – unvergesslich z.B. seine Schneewittcheninterpretation Blanche Neige – von einer bekannten chinesischen Sage. Sie erzählt von einer Reise in jene Dimension, in der ein Bild den Zugang zur Transzendenz eröffnet und das reale menschliche Wesen in Einklang mit dem Gemälde tritt. Im Tanz schafft Preljocaj eine sinnliche Verbindung zwischen statischer Abbildung und Bewegtheit, zwischen Leben und Leblosigkeit. Metaphorisch dafür stehen die Haare der Frauen, seit jeher Sinnbild für Lebenskraft und Erotik, die als riesige poetische Projektionen die Szenerie beherrschen und den traumhaften Charakter des Stückes malerisch unterstreichen. Auch wir, die Zuschauer, können uns dem Zauber dieses Tanzmärchens kaum entziehen.

Keine andere Band in der Geschichte der Popmusik hat der Welt ein derartig fantastisches musikalisches Gesamtwerk geschenkt wie die vier Schweden Agnetha Fältskog, Anni-Frid Lyngstad, Björn Ulvaeus und Benny Andersson. Keiner anderen Band ist es gelungen, sage und schreibe vier Generationen an Fans und Musikliebhabern so zu fesseln und zu begeistern wie die Band ABBA es erreicht hat.
Mit “Waterloo” eroberte ABBA die weltweiten Charts und die Herzen der Menschen im Sturm! Der Sieg beim Grand Prix in Brighton 1974 machte die sympathischen Schweden über Nacht zur bekanntesten Pop-Band dieser Zeit. Es folgte Hit auf Hit: “Mamma Mia”, “SOS“, “Super Trouper”, “Knowing Me Knowing You”, “Chiquitita”, “Money Money Money” und viele mehr!
ABBA – The Tribute Concert fängt die Faszination dieser großartigen Band und der dazugehörigen Ära perfekt ein. ABBAMUSIC, bestehend aus acht italienischen Vollblutmusikern, lässt die großen Hits detailgetreu erklingen, LIVE und dennoch in musikalischer Studioqualität. Eine professionelle Lichtshow unterstreicht mit den knalligen Farben der Siebziger den unverwechselbaren Retro-Look.

Der alte Faust ist seines Lebens und seiner Forschungen überdrüssig. Eigentlich will er sich das Leben nehmen, doch der teuflische Mephisto verspricht ihm neue Jugend – für den Preis seiner Seele. Faust schreckt zurück, doch da lässt Mephisto das Bild Margaretes aufscheinen. Von dieser Vision verzaubert, geht Faust den höllischen Pakt ein, dessen Opfer die unschuldige Margarete wird. Verführt und geschwängert von Faust, dann von ihm sitzen gelassen, endet sie von allen verstoßen und von ihrem Bruder Valentin verflucht als Kindsmörderin im Kerker. Fausts Reue kommt zu spät … Charles Gounod beschäftigte sich erstmals in Italien mit Goethes Faust-Dichtung. Jahre später kam er darauf zurück, als er 1856 den Auftrag für eine Oper am Pariser Théâtre Lyrique bekam. Gemeinsam mit den versierten Librettisten Jules Barbier und Michel Carré konzipierte Gounod, der als Kirchenmusiker bis dahin kaum Affinität zur Bühne hatte, seinen Faust als Nummernoper mit gesprochenen Dialogen und Melodramen. In dem gewaltigen Kosmos von Goethes Dichtung konzentrierten sich die drei Autoren vor allem auf die Gretchen-Tragödie, weshalb die Oper in Deutschland lange unter dem Titel Margarete lief. Die Uraufführung 1859 am Théâtre Lyrique wurde mit einiger Zurückhaltung aufgenommen – das Werk wurde als „zu deutsch“ empfunden. Zu einem Welterfolg wurde die Oper erst in der für die Pariser Opéra 1869 durchkomponierten Fassung, bei der die Dialoge durch knappe verbindende Rezitative ersetzt wurden.

Weggehen, ausbrechen, frei sein: „Wie froh bin ich, dass ich weg bin!“. Wut und Unruhe stecken in dem jungen Mann, der als Goethes Werther zu einer Kultfigur seiner und aller folgenden Epochen wurde. Getrieben von einer unbändigen Sehnsucht nach Freiheit und nach dem Leben im Hier und Jetzt, macht er sich auf den Weg, Grenzen zu überschreiten und Neuland zu betreten. Jeder Baum und jeder Strauch erscheint im Lichte seiner Freiheit wie ein kleines Wunder. Und als er dann auch noch Lotte begegnet, ist es um ihn geschehen. Obwohl er bald erfährt, dass Lotte schon vergeben ist, begehrt er sie weiter mit kindlichem Trotz, einem fast hilflosen: ICH WILL, ICH WILL, ICH WILL! Werther ist vollkommen erfüllt von einem Gefühl des jugendlichen Totaloptimismus, das ihm ständig suggeriert: Alles ist möglich! Dieses Grundgefühl hat er gemeinsam mit Generationen junger Menschen, die aus der Geborgenheit ihrer Jugend aufbrechen und hin- und hergerissen sind zwischen dem Wunsch, Kind zu bleiben und der Notwendigkeit, erwachsen zu werden. Dieses Gefühl existiert überall auf der Welt – natürlich auch im Kosovo, dem jüngsten Staat Europas. In einer Koproduktion mit dem Theater Ferizaj, Qendra Multimedia in Prishtina und dem Goethe Institut zeigen die Pfalzbau Bühnen die universelle Liebesgeschichte des jungen Werther in albanischer Sprache mit deutschen Übertiteln.

Die besten Vereinsmannschaften Ludwigshafens spielen zum 38. Mal um den Titel des Stadtmeisters im Hallenfußball. In vier Vorrundengruppen qualifizieren sich die 16 besten Teams der Stadt für das Finale im Wettbewerb um den Titelgewinn.

Der alte Faust ist seines Lebens und seiner Forschungen überdrüssig. Eigentlich will er sich das Leben nehmen, doch der teuflische Mephisto verspricht ihm neue Jugend – für den Preis seiner Seele. Faust schreckt zurück, doch da lässt Mephisto das Bild Margaretes aufscheinen. Von dieser Vision verzaubert, geht Faust den höllischen Pakt ein, dessen Opfer die unschuldige Margarete wird. Verführt und geschwängert von Faust, dann von ihm sitzen gelassen, endet sie von allen verstoßen und von ihrem Bruder Valentin verflucht als Kindsmörderin im Kerker. Fausts Reue kommt zu spät … Charles Gounod beschäftigte sich erstmals in Italien mit Goethes Faust-Dichtung. Jahre später kam er darauf zurück, als er 1856 den Auftrag für eine Oper am Pariser Théâtre Lyrique bekam. Gemeinsam mit den versierten Librettisten Jules Barbier und Michel Carré konzipierte Gounod, der als Kirchenmusiker bis dahin kaum Affinität zur Bühne hatte, seinen Faust als Nummernoper mit gesprochenen Dialogen und Melodramen. In dem gewaltigen Kosmos von Goethes Dichtung konzentrierten sich die drei Autoren vor allem auf die Gretchen-Tragödie, weshalb die Oper in Deutschland lange unter dem Titel Margarete lief. Die Uraufführung 1859 am Théâtre Lyrique wurde mit einiger Zurückhaltung aufgenommen – das Werk wurde als „zu deutsch“ empfunden. Zu einem Welterfolg wurde die Oper erst in der für die Pariser Opéra 1869 durchkomponierten Fassung, bei der die Dialoge durch knappe verbindende Rezitative ersetzt wurden.

Was bedeutet es, seine eigene Lebensgeschichte zu schreiben? Seit 25 Jahren setzt sich der englische Choreograph Wayne McGregor in seinen Choreographien mit der Verbindung von Kunst und Wissenschaft, mit der Auswirkung von technologischem Fortschritt auf den Tanz auseinander. Er sucht die Verbindung zu einer Vielzahl von künstlerischen und wissenschaftlichen Bereichen, um das Wesen der verkörperten Wahrnehmung zu untersuchen, und experimentiert immer wieder mit der Frage, wie sich das Leben durch die Erfahrung des Körpers ausdrückt, der sich intelligent in Raum und Zeit bewegt. Der dünne, geschmeidige und charismatische Mann mit der Glatze wurde nicht nur mit zahlreichen Bühnenpreisen ausgezeichnet, sondern besitzt auch einen akademischen Abschluss in Semiotik und ist Forschungsmitglied an der kognitionswissenschaftlichen Fakultät der Universität Cambridge. Er wird in einem Atemzug genannt mit den anderen großen Intellektuellen des Tanzes, mit Merce Cunningham und William Forsythe.

In seinem neuen Stück richtet McGregor seine Aufmerksamkeit auf den Körper in seiner Funktion als Archiv. Er beginnt mit einem Zyklus von choreographischen Portraits, beleuchtet durch die Sequenzierung, also Entschlüsselung seines eigenen Genoms. Die erste dieser Studien, Autobiography, eine abstrakte Meditation über Aspekte des Selbst, des Lebens und des Schreibens, beschäftigt sich mit den Bruchstücken sowohl vergangener Erinnerungen als auch einer möglichen Zukunft. Indem sich McGregors choreographischer Abdruck über seinen persönlichen Memoiren und seinem genetischen Code in einem kontinuierlichen Prozess fortschreibt, entfaltet sich Autobiography in jeder einzelnen Aufführung von neuem und immer wieder anders: Leben, das sich selbst ein neues Leben schreibt.

Die junge Hündin Kaschtanka verliert auf einem Spaziergang ihren Herrn, den Tischler Luka, und findet nicht mehr nach Hause zurück. Monsieur George, ein Zirkusclown und Dompteur, entdeckt die frierende Kaschtanka auf der Straße und nimmt sie bei sich auf. Kaschtanka lernt die fremde Welt des Zirkus kennen und wird Mitglied einer ungewöhnlichen Zirkustruppe. Zusammen mit Gänserich Iwan, Kater Fjodor und dem Schwein Chawronja bereitet sie sich auf das Leben einer Artistin vor. Als Iwan stirbt, muss Kaschtanka ihn bereits am kommenden Abend ersetzen. Doch da entdeckt sie ihr früheres Herrchen im Publikum… Vorhang auf für ein Stück Weltliteratur für Kinder mit Live-Musik, echten Darstellern und unglaublichen Kunststücken – kommen Sie, schauen Sie, tauchen Sie ein in die Welt des Zirkus!

Tschechows Tierfabel handelt vom Weggehen und Ankommen, von Mut in der Fremde und neuen Freunden. Die Mummpitz-Version ist eine fröhlich-musikalische Übersetzung dafür. (…) So kann Theater ausgezeichnet funktionieren. Nürnberger Nachrichten

Die Sitzung präsentiert Stars der Fernseh-Fastnacht live auf der Eulen-Bühne im Ludwigshafener Pfalzbau.

Der Haarwasserfabrikant Gottlieb Biedermann ist entrüstet über die Vorfälle in seiner Stadt, die seiner herzkranken Gattin Babette den Schlaf und ihm die Gemütsruhe am Stammtisch rauben. Die Zeitungen berichten von Hausierern, die sich im Dachboden wohlmeinender Bürger einnisten und sich später als Brandstifter entpuppen. Eines Abends steht ein Unbekannter in der Tür. Gottlieb Biedermann ist alarmiert: Brandstifter, nichts als Brandstifter! Aber statt dem Fremden entschieden die Tür zu weisen, besinnt er sich auf seinen guten Ton als bestens informierter und aufgeklärter Bürger – und bietet dem Unbekannten eine Bleibe an. Bald wird der Dachboden offensichtlich als Lager für Benzinfässer genutzt, und als plötzlich ein zweiter Gast auftaucht, wird die Situation brenzlig. Biedermann sucht Rettung in der Freundschaft mit den Brandstiftern, die – so hofft er – einem braven Bürger sicher nicht das Eigenheim anzünden. Bis die ganze Stadt in Flammen steht.

Das Stück entlarvt präzise eine Geisteshaltung, die der Technik des Totalitären zum Erfolg verhilft. Biedermann und die Brandstifter ist eine politische Parabel, die ihre kritische Kraft nicht aus der Entlarvung der Lüge bezieht, sondern aus der Inszenierung der biedermännischen Wehrlosigkeit gegenüber Verbrechern, die von Anfang an kein Geheimnis aus ihren wahren Zielen machen. Das „Lehrstück ohne Lehre“ gehört seit Jahren nicht nur zum Theaterrepertoire, sondern auch zum Lektürekanon im Deutschunterricht und ist angesichts der aktuellen politischen und gesellschaftlichen Entwicklungen vielleicht brisanter als je zuvor.

Moderation Tilman Gersch

Weingut Knipser, Laumersheim

In Kooperation mit der Städtischen Musikschule Ludwigshafen

Der Haarwasserfabrikant Gottlieb Biedermann ist entrüstet über die Vorfälle in seiner Stadt, die seiner herzkranken Gattin Babette den Schlaf und ihm die Gemütsruhe am Stammtisch rauben. Die Zeitungen berichten von Hausierern, die sich im Dachboden wohlmeinender Bürger einnisten und sich später als Brandstifter entpuppen. Eines Abends steht ein Unbekannter in der Tür. Gottlieb Biedermann ist alarmiert: Brandstifter, nichts als Brandstifter! Aber statt dem Fremden entschieden die Tür zu weisen, besinnt er sich auf seinen guten Ton als bestens informierter und aufgeklärter Bürger – und bietet dem Unbekannten eine Bleibe an. Bald wird der Dachboden offensichtlich als Lager für Benzinfässer genutzt, und als plötzlich ein zweiter Gast auftaucht, wird die Situation brenzlig. Biedermann sucht Rettung in der Freundschaft mit den Brandstiftern, die – so hofft er – einem braven Bürger sicher nicht das Eigenheim anzünden. Bis die ganze Stadt in Flammen steht.

Das Stück entlarvt präzise eine Geisteshaltung, die der Technik des Totalitären zum Erfolg verhilft. Biedermann und die Brandstifter ist eine politische Parabel, die ihre kritische Kraft nicht aus der Entlarvung der Lüge bezieht, sondern aus der Inszenierung der biedermännischen Wehrlosigkeit gegenüber Verbrechern, die von Anfang an kein Geheimnis aus ihren wahren Zielen machen. Das „Lehrstück ohne Lehre“ gehört seit Jahren nicht nur zum Theaterrepertoire, sondern auch zum Lektürekanon im Deutschunterricht und ist angesichts der aktuellen politischen und gesellschaftlichen Entwicklungen vielleicht brisanter als je zuvor.

Der israelische Choreograph Itzik Galili steht für psychologisch scharf durchleuchtete Situationen – und im Companydirektor Eric Gauthier finden sich viele Talente. Als Solist im klassischen Ballett, als Gitarrist einer Pop-Band, als Direktor einer zeitgenössischen Tanzcompagnie, als Tanzvermittler par excellence und als charmanter Entertainer schwimmt er auf der Bühne wie ein Fisch im Wasser. Nun hat Itzik Galili, der „Regisseur unter den Choreographen“, ein abendfüllendes Tanzstück für Eric Gauthier kreiert. The Gift handelt von einem Mann, der auf der Suche nach sich selbst ist. Aus Angst vor der Begegnung mit der inneren Welt hält er seine Erinnerungen fest verschlossen in Gläsern und Behältnissen. Wie eine Sammlung bilden diese Erinnerungen Türen in sein Leben. Um hinter die eigene Fassade zu blicken und mit Hilfe eines Lügendetektors die Wahrheit über sich herauszufinden, begibt er sich in ein Verhör. Die Zuschauer werden Zeuge einer Selbstbefragung, durch die der verwundbare Mensch hinter den Kulissen sichtbar wird. Choreographien, Lieder, Popsongs und Szenen formen den Abend zu einem vielfältigen Kaleidoskop. The Gift ist ein Geschenk an das Publikum, eine Danksagung an die Kunst, an das Leben und die Liebe.

Nuhr hier, nur heute

In „Nuhr hier, nur heute“ gibt Dieter Nuhr alle der Lächerlichkeit preis, die die Welt mit primitiven Ideen beglücken wollen: Ideologen, Populisten und sonstige Heilsprediger. Nuhr entzieht ihnen durch die Kraft des Humors die gedankliche Geschäftsgrundlage. Bei ihm geht es immer ums Ganze, um Glauben, Verschwörung und Verdauung, um Liebe, Tod und die Sprengkraft des Schnarchens. Im klassischen Kabarett ist die Welt schlecht und voller Skandale. Für Nuhr ist sie besser als ihr Ruf. Seine Botschaft ist: Es gibt ein Leben vor dem Tod. Wir müssen nur damit anfangen. Ein Abend mit Dieter Nuhr ist ein perfekter Start.

Rache ist süß. Seit Anbeginn der Zeit treibt die Lust an der Vergeltung ansonsten ehrwürdige Menschen zu Mord und Totschlag. In Aischylos’ Orestie ist sie das zentrale Handlungsmotiv und führt zu einer grausamen Verkettung von Gewalttaten. Gibt es ein Entkommen aus der schicksalhaften Rachespirale, die sich durch einen Fluch in jeder Generation fortsetzt? Diese Frage stellt die junge Regisseurin Johanna Wehner in ihrer preisgekrönten Inszenierung an die Orestie. Auf großartige Weise macht sie die Aktualität des antiken Stoffes deutlich, ohne ihn banal auf die heutige Zeit zu übertragen. Am Ende fragt die Göttin Athene, ob die Menschen Gerechtigkeit oder Rache suchen. Ob sie ihr Handeln durch Vernunft und Verantwortung leiten lassen oder durch einen alten Fluch rechtfertigen wollen, der das ständige Morden vorherbestimmt. Wehner siedelt die Geschichte um Orest und seinen Rachemord an der Mutter und ihrem Liebhaber in der morbiden Atmosphäre einer baufälligen Villa an, die durch Licht und Musik noch betont wird. Die neun Darsteller treten mal als antiker Chor und mal in individuellen Rollen auf. Mal ist ihr Sprechen stark rhythmisiert, mal ergänzen sie gegenseitig ihre Sätze. Eine fulminante Ensembleleistung, geführt durch eine präzise Choreographie. In der Stimmenvielfalt zeigt sich das Nachdenken über die zentrale Frage: Verantwortung übernehmen und die Rachespirale unterbrechen oder sich in der Masse wegducken?

Für ihre Inszenierung von Roland Schimmelpfennigs Der goldene Drache am Staatstheater Stuttgart wurde Johanna Wehner vom Magazin Theater heute mehrfach als beste Nachwuchsregisseurin nominiert. Sie hat u.a. in München, Heidelberg, Jena, Freiburg, Frankfurt und Stuttgart gearbeitet, leitete in der Spielzeit 2013/14 zusammen mit Alexander Eisenach und Ersan Mondtag das Regiestudio des Schauspiels Frankfurt und war zuletzt Oberspielleiterin am Theater Konstanz. Ihre Orestie wurde 2017 in der Kategorie „Regie Schauspiel“ mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST ausgezeichnet.

Das auf dem gleichnamigen Spielfilm basierende Musical Catch me if you can erzählt die Geschichte des Trickbetrügers Frank, dessen kriminelle Karriere zunächst mit recht primitiven Versuchen der Scheckfälschung beginnt, ihm aber schließlich viel Geld einbringt. Euphorisch von seinen Erfolgen, gibt er sich nun, aus Bewunderung für diesen Beruf, erfolgreich als Pilot aus und bewirbt sich schließlich aus Liebe zu einer Krankenschwester auf die Stelle eines Oberarztpostens, obwohl er kein Blut sehen kann. Auch ist ihm das FBI auf den Fersen und zwingt ihn zu einem Leben auf der Flucht. Frank schafft es über Jahre hinweg, sich Geld zu ergaunern, Frauenherzen zu erobern und seinen ärgsten Verfolgern immer wieder ein Schnippchen zu schlagen, bis er sich ernsthaft verliebt… Mit viel Tanz, Gesang, Witz, wilden Verfolgungsjagden, Ohrwürmern und Liveband verzaubern die 16 Darsteller knapp zwei Stunden lang das Publikum. Die mitreißende, auf wahren Begebenheiten beruhende Geschichte über Gerechtigkeit, Gaunerei und Liebe bietet Liebhabern des Films, Musicalgängern und Familien beste Unterhaltung. In den Hauptrollen begeistern Walther Plathe und Ilja Richter.

Die Hochzeit des Figaro (Le nozze di Figaro) war die erste Zusammenarbeit zwischen Mozart und dem Wiener Hofdichter Lorenzo Da Ponte, der Don Giovanni und Così fan tutte folgen sollten. Der Komponist selbst soll den Stoff nachBeaumarchais‘ vorrevolutionärer Komödie La folle journée, ou Le mariage de Figaro aus dem Jahr 1781 vorgeschlagen haben – ein Wagnis, denn eine Aufführung der Komödie war wegen der politischen Tendenzen in Wien verboten. Der gedruckte Lesetext war von diesem Verbot jedoch nicht betroffen. Erzählt wird, wie Figaro und Susanna, Kammerdiener und Zofe von Graf und Gräfin Almaviva, nur gegenWiderstände und allerlei Intrigen die Erlaubnis zu ihrer Heirat erringen können. Auch wenn er das feudale Recht der ersten Nacht aufgehoben hat, stellt der Graf Susanna nach, während die Gräfin über die erloschene Liebe ihres Mannes trauert.Zudem macht Marcellina ein altes Heiratsversprechen Figaros geltend und der junge Cherubino, der zugleich in alle Frauen des Schlosses verliebt ist, trägt das Seine zu einem turbulenten erotischen Verwirrspiel bei, das Shakespeares Sommernachtstraum nahe kommt. Nicht zuletzt die Tiefe von Mozarts Musik lässt indie Seele der Figuren blicken, die Grenzen von Opera buffa und Opera seria werden aufgehoben, Graf und Gräfin wie Diener und Dienerin werden auf derselben Ebene als Menschen gezeigt.

Die Hochzeit des Figaro (Le nozze di Figaro) war die erste Zusammenarbeit zwischen Mozart und dem Wiener Hofdichter Lorenzo Da Ponte, der Don Giovanni und Così fan tutte folgen sollten. Der Komponist selbst soll den Stoff nachBeaumarchais‘ vorrevolutionärer Komödie La folle journée, ou Le mariage de Figaro aus dem Jahr 1781 vorgeschlagen haben – ein Wagnis, denn eine Aufführung der Komödie war wegen der politischen Tendenzen in Wien verboten. Der gedruckte Lesetext war von diesem Verbot jedoch nicht betroffen. Erzählt wird, wie Figaro und Susanna, Kammerdiener und Zofe von Graf und Gräfin Almaviva, nur gegenWiderstände und allerlei Intrigen die Erlaubnis zu ihrer Heirat erringen können. Auch wenn er das feudale Recht der ersten Nacht aufgehoben hat, stellt der Graf Susanna nach, während die Gräfin über die erloschene Liebe ihres Mannes trauert.Zudem macht Marcellina ein altes Heiratsversprechen Figaros geltend und der junge Cherubino, der zugleich in alle Frauen des Schlosses verliebt ist, trägt das Seine zu einem turbulenten erotischen Verwirrspiel bei, das Shakespeares Sommernachtstraum nahe kommt. Nicht zuletzt die Tiefe von Mozarts Musik lässt indie Seele der Figuren blicken, die Grenzen von Opera buffa und Opera seria werden aufgehoben, Graf und Gräfin wie Diener und Dienerin werden auf derselben Ebene als Menschen gezeigt.

Guoda Gedvilaite ist eine litauische Pianistin die intensiv zwischen Vilnius und Frankfurt lebt. Sie ist eine der berühmtesten und innovativsten Musikpersönlichkeiten ihres Landes mit regelmäßigen Solo, kammermusikalischen Engagements und Orchesterauftritten, die im nationalen Fernsehen und Radio gesendet werden. Das Kammerorchester Klaipėda zählt zu den jüngsten und dynamischsten professionellen Kammerorchestern in Litauen. Einen festen Platz für seine kreative Arbeit sowie administrative Unterstützung fand das 1992 gegründete Streicher-Ensemble in der Konzerthalle der baltischen Hafenstadt Klaipėda, dem ganzjährig aktiven Zentrum des dortigen Musiklebens. Aktuell zählt das Kammerorchester 21 Mitglieder. Es hat keinen festen Dirigenten und unterscheidet sich dadurch von anderen Kammerorchestern, in erster Linie aber durch seinen ausgeprägten Ensemble-Charakter. Die professionelle Reife und die Klangqualität lagen von Anfang an in den Händen talentierter Streicher.

Das Konzertprogramm wird von G. Gedvilaitė und vom Kammerorchester Klaipėda zusammengestellt. Es baut eine musikalische Brücke zwischen Litauen und Deutschland, wobei es zwei wichtige Ereignisse in den Mittelpunkt stellt – die 100-jährige Unabhängigkeit Litauens und den 200. Geburtstag der deutschen Pianistin und Komponistin Clara Schumann. Begegnung von Romantik und Gegenwart.

Clara Schumann – Klavierkonzert a – Moll
Raminta Serksnyte – De Profundis für Streichorchester
Woiciech Kilar – Orawa
Nijole Sinkeviciute – Crossroad Rites
Robert Schumann – Klavierkonzert a – Moll

Deutsch – Litauisches Programm
FOKUS: Frauen – Komponistinnen präsentieren hochvirtuose Werke für Orchester und Klavier
Zwei Klavierkonzerte an einem Abend

Solisten: Guoda Gedvilaite – Klavier
Mindaugas Backus – Violoncello und künstlerische Leitung.

Das Kammerorchester spielt ohne Dirigenten. Leitung übernimmt die Solistin und der Konzertmeister.

Golden Days präsentiert zwei zurückliegende Choreographien Johan Ingers, Rain Dogs und BLISS, die durch ein neues kurzes Solo, Birdland, miteinander verbunden sind. Rain Dogs und BLISS sind zwei markante Werke, die Jahre zuvor entstanden und konzeptionell und choreographisch weit voneinander entfernt sind: sie laden den Betrachter in zwei unterschiedliche Welten ein, obwohl sie wiederkehrende Themen in Johan Ingers Werk illustrieren: Verlust, Wechsel und die sich daraus ergebenden Konsequenzen. Das Solo Birdland zieht die Verbindung zwischen diesen beiden unterschiedlichen Lebensphasen, in einem rauen und rebellischen Schlag gegen alle Veränderungen im Leben. Das Konzept und was den Abend zusammenhält ist natürlich die Auswahl der Musik: Tom Waits, Patti Smith und Keith Jarrett. Durch ihre Musik und ihre Kunst haben diese Musiker eine ganze Generation beeinflusst und ihr geholfen, einen großen Wandel herbeizuführen. Wir fühlen eine Art Nostalgie und betrachten diese Zeit – besonders von heute aus gesehen – als einen Ort, an dem alles einfach und frei erschien.

Wenn wir älter werden, denken wir oft über unsere Lebensreise nach, und ich schaue ein für alle Mal mit einem zufriedenen Lächeln auf meinen Weg zurück, als die Dinge noch freundlich und sorgenfrei waren. Das waren goldene Tage! Johan Inger

Da sind sie wieder, unsere lieben alten Freunde. Nein, nicht die beiden Helden des Kultfilms The Blues Brothers, sondern ihre kleinen Brüder, deren Auftritt auf der Hinterbühne unseres Theaters inzwischen Tradition hat. Wie ihre Vorbilder schwärmen The Little Blues Brothers für den Kuschelrock der sechziger und siebziger Jahre (des letzten Jahrhunderts…) und bringen so ziemlich alles mit, was er an Romantischem zu bieten hat: Die größten Hits der Beatles und der Stones, dazu die schönsten Balladen von Simon & Garfunkel, Neil Young, Pink Floyd und wie sie alle heißen. Zwischen den Songs halten die beiden ihre Gäste mit ihrer ganz eigenen Art von Entertainment bei Laune. Ihre Songs nehmen sie ernst, sich selbst nicht. Es ist angerichtet: Get together by the Stehblues!

Essen kann sich mitunter ganz schön dahinschleppen. Oder es artet regelrecht in eine Plage aus, es wird herumgekleckert und es herrscht ein Heidenlärm. Bis die Kinder zu hören bekommen: Iss deinen Teller auf, spiel nicht mit dem Essen herum, sonst verschwinde gefälligst von hier. Aber was dann? Irgendwo abwarten, bis sich die Gemüter beruhigt haben? Plötzlich sind die Kinder verschwunden und verstecken sich irgendwo im Haus. Das macht Spaß und ist aufregend für die Kinder, für die Eltern aber kann es der reinste Alptraum sein. Während sie versuchen, die Kinder aufzuspüren, wächst ihre Verzweiflung. Die niederländische Tanzcompagnie DeStilte hat für ihre neueste Kreation erstmals mit zwei international bekannten Komponisten zusammengearbeitet und wirft die Frage auf: Wer benimmt sich hier eigentlich daneben?

 Ain’t misbehaving beschäftigt sich mit den kurzen Momenten, in denen Kinder unbeobachtet sind und der Aufmerksamkeit ihrer Eltern entwischen. Dann können sie die Gelegenheit nutzen, das ganze Haus zu erkunden und daraus mit ihrer Phantasie ein großes Abenteuer zu machen. Kinder genießen diese Entdeckerfreude und Erwachsene, die sich an ihre Kindheit erinnern, wissen das auch zu schätzen. Omroep Brabant

Ein stadtneurotisches Kindergartenkind strandet auf einem Therapiebauernhof. Doch die Tiere sind längst online und chatten über die Frage: gibt es ein Leben vor Lidl? Die Mama des Kindes scheitert an ihrer heillosen Selbstoptimierung, während das städtische Krankenhaus zum frischen Start-up aufrüstet und Geschäftsmodelle wie Selfie-Geburt und Do-it-yourself-Sterben entdeckt. In einer einzigartigen Mischung aus Kabarett, Theater und Musik beleuchtet Katalyn Bohn Entfremdung und Überforderung in Zeiten der Totaldigitalisierung. Sie besingt Sitzheizungen und Atomkraftwerke, entlarvt den Online-Zauber und bringt federleicht Aufstieg und Fall der Menschheit auf den Punkt. „Ausgefallen, frech, gigantisch“ – findet die Presse. 2017 gewann Katalyn Bohn den Recklinghäuser Nachwuchs-Kabarett Preis „Kleiner Hurz“. Im selben Jahr wurde sie für verschiedene Preise nominiert: den Reinheimer Satire Löwe, den Melsunger Kabarettpreis „Scharfe Barte“ und als Vereinsmeisterin der Lach- und Schießgesellschaft München, außerdem 2018 für den Klagenfurter Kabarettpreis „Herkules“.

Katalyn Bohn studierte Schauspiel und Pantomime an der Folkwang Hochschule in Essen. Für ihr Abschluss-Soloprogramm erhielt sie 2004 den Folkwang- Preis. Anschließend war sie langjähriges Mitglied am Hessischen Staatstheater Wiesbaden, gastierte an weiteren Theatern und spielte in diversen Film- und Fernsehproduktionen mit. Seit 2016 ist sie fortlaufend in der Sitcom Leider lustig auf KIKA zu sehen. 2014 entwickelte sie ihr erstes Solo-Kabarettprogramm Miss Geschicke, mit dem sie bundesweit auf Tournee ging.

Die Ludwigshafener Altweiberfasnacht in der Friedrich-Ebert-Halle genießt bei Besuchern aus der gesamten Metropolregion seit vielen Jahren Kultstatus. Für ausgelassene Stimmung sorgt Jens Huthoff & Band. Bis in die frühen Morgenstunden wird zu Live-Musik und DJ-Sounds getanzt und der Start in die heiße Phase der Fasnacht ausgiebig gefeiert.

Er ist ein ewiger Mieter im Hotel Mama: Marc, der vor ein paar Monaten mit Ach und Krach sein Abi geschafft hat, kennt keine anderen Pläne als schlafen, fernsehen, kiffen, den Kühlschrank leerfressen und Party machen – und das natürlich inklusive Wäschewasch-Service in elterlicher „Vollpension“. Das treibt besonders Vater Gerd zur Weißglut, der als leitender Bauingenieur eines internationalen Konzerns lösungsorientiertes Handeln gewöhnt ist. Genauso könnte man einen Pudding nach dem Sinn des Lebens fragen, klagt er. Auch Mutter Bettine weiß keinen Rat. Was haben diese Eltern nur falsch gemacht? Aber dann lernt Marc Selma kennen, die in puncto Zielstrebigkeit sein genaues Gegenteil ist: Sie holt an der Abendschule ihr Abi nach, hat zwei Jobs und kümmert sich noch dazu um ihre psychisch labile Mutter Heidrun, die als Köchin in einer Werkskantine arbeitet. Aus den beiden ungleichen Neunzehnjährigen wird ein Liebespaar. Endlich scheint es aufwärts zu gehen mit Marcs Antriebskraft, und da ist Selma auch schon schwanger. Sofort startet Bettines und Gerds Fürsorge-Wahn. Sie machen sich an die Zukunftsplanung für Sohn und Enkelkind in spe. Dafür sind Eltern ja schließlich da! Nur Selma und Marc hat noch niemand gefragt …

Turbulente Dschungel-Action über Freundschaften, die Grenzen überwinden: Im energiegeladenen Musical „Dschungelbuch“ erwacht der Urwald zum Leben. Mogli und seine tierischen Freunde nehmen Klein und Groß mit auf eine abenteuerliche Reise.
Mit großem Herz und viel Humor kommt der zeitlose Bestseller von Rudyard Kipling über das mutige Findelkind und Dschungelbuch-Liebling Balu als rasantes Live-Erlebnis mit eigens komponierten Musical-Hits auf die Bühne. Das für seine fantasievollen Familienshows bekannte Theater Liberi inszeniert eine moderne und kreative Fassung für Kinder und Kindgebliebene.
Musical-Macher schaffen unvergessliche Show mit furiosem Happy-End
Bestens ausgebildete Musical-Darsteller bringen dank mitreißender Songs, temporeicher Choreographien und witziger Dialoge Leben in den Urwald. Mit einem farbenfrohen Bühnenbild und eindrucksvollen Kostümen entsteht die prachtvolle Dschungelwelt. Die bunte Reise durch den geheimnisvollen Urwald wird mit Licht- und Nebeleffekten stimmungsvoll in Szene gesetzt.
Freunde und Feinde machen Moglis Dschungelleben zum großen Abenteuer
Mithilfe seines treuen Freundes und Lehrers Balu und dem weisen Panther Baghira erlernt Mogli die Gesetze des Dschungels, um in das Wolfsrudel aufgenommen zu werden. Dabei erlebt er den Urwald mit all seinen Schönheiten. Aber auch den Gefahren: Der dreisten Affenbande, der hypnotisierenden Schlange Kaa und vor allem dem gefährlichen Tiger Shir Khan! Und als ihm dann noch das Mädchen aus dem Dorf begegnet, steht Moglis Welt endgültig auf dem Kopf…

Cabaret der 1920er und 1930er Jahre: Es war bunt, es war schrill, es war zart und unberechenbar. Die Schauspielerinnen Jana Kühn und Isa Weiß präsentieren zusammen mit Pianist Thomas Möckel an diesem Abend größtenteils vergessene Perlen dieser untergegangenen Bühnenkunst. Sie wurden durch die Künstlergruppe im Günther-Neumann-Archiv, Mainzer Kabarett Archiv und Schweizer Kabarett Archiv wiederentdeckt, entstaubt, abgehört und aufgeschrieben. Unter der Regie von Julia Kunert und in den grandiosen Kostümen von Cornelia Kolditz tauchen sie ein in die Welt der Conférenciers, Albernheiten und tiefsinnigen Doppeldeutigkeiten.

Der Abend wurde gefördert von der Günter-Neumann-Stiftung, Berlin.

Souverän, mit viel Lust auch an der Persiflage, präsentieren die beiden Diven Lieder von Friedrich

Hollaender bis Kurt Tucholsky. Ob als Halbweltdamen oder kampflustige Feministinnen, einfache Hausmädchen oder einsame Frauenherzen – viele Sorgen, Zumutungen und Abgründe der frühen Jahre des 20. Jahrhunderts scheinen zu Beginn des 21. Jahrhunderts fortzuleben.

Schweriner Volkszeitung

Lisa, eine junge Wiener Adelige, verliebt sich in den chinesischen Prinzen Sou-Chong, der als Gesandter seines Heimatlandes in Wien Dienst tut. Als dieser überraschend nach China zurückberufen wird, entschließt sie sich, ihn zu heiraten und mit ihm zu gehen. In China jedoch muss Lisa feststellen, dass ihr Sou-Chongs Liebe allein nicht über die Fremdheit der Kultur hinweghilft. Als Sou-Chong auf Drängen seines Onkels Tschang nach Landessitte vier Mandschumädchen heiraten soll, realisiert Lisa, dass sie sich niemals in China zu Hause fühlen wird. Sie folgt ihrem Heimweh und kehrt nach Wien zurück.

Das Land des Lächelns ist zweifellos die erfolgreichste Operette aus Franz Lehárs späterer  Schaffensphase. Wie in anderen Werken der Epoche folgt Lehár hier der allgemeinen Vorliebe für ferne Länder und exotische Spielorte nach dem Ersten Weltkrieg. Victor Léon, Textdichter der Lustigen Witwe, riet Lehár zu der chinesischen Geschichte, doch wurde Die gelbe Jacke 1923 in Wien alles andere als ein Erfolg. Erst nach einer gründlichen Überarbeitung sechs Jahre später eroberte die Operette vom Berliner Metropoltheater aus die Bühnen der Welt. Der gefeierte Richard Tauber sang die Partie des Prinzen Sou-Chong und machte Gesangsnummern wie „Dein ist mein ganzes Herz“ zu unsterblichen Evergreens. Neben leidenschaftlichen Liebesduetten gibt es auch humoristische Farben, verkörpert durch das Buffopaar Graf Gustl und Prinzessin Mi.  Lehárs äußerst fein gearbeitete, fast opernhafte Partitur zeichnet die fernöstliche Atmosphäre mit farbiger Orchestrierung, exotisch getönter Harmonik, Melodik und Rhythmik.

Lisa, eine junge Wiener Adelige, verliebt sich in den chinesischen Prinzen Sou-Chong, der als Gesandter seines Heimatlandes in Wien Dienst tut. Als dieser überraschend nach China zurückberufen wird, entschließt sie sich, ihn zu heiraten und mit ihm zu gehen. In China jedoch muss Lisa feststellen, dass ihr Sou-Chongs Liebe allein nicht über die Fremdheit der Kultur hinweghilft. Als Sou-Chong auf Drängen seines Onkels Tschang nach Landessitte vier Mandschumädchen heiraten soll, realisiert Lisa, dass sie sich niemals in China zu Hause fühlen wird. Sie folgt ihrem Heimweh und kehrt nach Wien zurück.

Das Land des Lächelns ist zweifellos die erfolgreichste Operette aus Franz Lehárs späterer  Schaffensphase. Wie in anderen Werken der Epoche folgt Lehár hier der allgemeinen Vorliebe für ferne Länder und exotische Spielorte nach dem Ersten Weltkrieg. Victor Léon, Textdichter der Lustigen Witwe, riet Lehár zu der chinesischen Geschichte, doch wurde Die gelbe Jacke 1923 in Wien alles andere als ein Erfolg. Erst nach einer gründlichen Überarbeitung sechs Jahre später eroberte die Operette vom Berliner Metropoltheater aus die Bühnen der Welt. Der gefeierte Richard Tauber sang die Partie des Prinzen Sou-Chong und machte Gesangsnummern wie „Dein ist mein ganzes Herz“ zu unsterblichen Evergreens. Neben leidenschaftlichen Liebesduetten gibt es auch humoristische Farben, verkörpert durch das Buffopaar Graf Gustl und Prinzessin Mi.  Lehárs äußerst fein gearbeitete, fast opernhafte Partitur zeichnet die fernöstliche Atmosphäre mit farbiger Orchestrierung, exotisch getönter Harmonik, Melodik und Rhythmik.

Lisa, eine junge Wiener Adelige, verliebt sich in den chinesischen Prinzen Sou-Chong, der als Gesandter seines Heimatlandes in Wien Dienst tut. Als dieser überraschend nach China zurückberufen wird, entschließt sie sich, ihn zu heiraten und mit ihm zu gehen. In China jedoch muss Lisa feststellen, dass ihr Sou-Chongs Liebe allein nicht über die Fremdheit der Kultur hinweghilft. Als Sou-Chong auf Drängen seines Onkels Tschang nach Landessitte vier Mandschumädchen heiraten soll, realisiert Lisa, dass sie sich niemals in China zu Hause fühlen wird. Sie folgt ihrem Heimweh und kehrt nach Wien zurück.

Das Land des Lächelns ist zweifellos die erfolgreichste Operette aus Franz Lehárs späterer  Schaffensphase. Wie in anderen Werken der Epoche folgt Lehár hier der allgemeinen Vorliebe für ferne Länder und exotische Spielorte nach dem Ersten Weltkrieg. Victor Léon, Textdichter der Lustigen Witwe, riet Lehár zu der chinesischen Geschichte, doch wurde Die gelbe Jacke 1923 in Wien alles andere als ein Erfolg. Erst nach einer gründlichen Überarbeitung sechs Jahre später eroberte die Operette vom Berliner Metropoltheater aus die Bühnen der Welt. Der gefeierte Richard Tauber sang die Partie des Prinzen Sou-Chong und machte Gesangsnummern wie „Dein ist mein ganzes Herz“ zu unsterblichen Evergreens. Neben leidenschaftlichen Liebesduetten gibt es auch humoristische Farben, verkörpert durch das Buffopaar Graf Gustl und Prinzessin Mi.  Lehárs äußerst fein gearbeitete, fast opernhafte Partitur zeichnet die fernöstliche Atmosphäre mit farbiger Orchestrierung, exotisch getönter Harmonik, Melodik und Rhythmik.

In der Millionenstadt Belo Horizonte fanden sich 1975 sechs Geschwister mit ein paar Freunden zusammen und gründeten die Grupo Corpo, deren Name bis heute Anspruch und Programm der Compagnie ist: mit Gleichgesinnten einen „Gesamtkörper“ zu formen, dessen Markenzeichen die „runde Bewegung“, das Fließen einer sich in Bewegung befindlichen Gruppe wurde. Der  unverwechselbare Stil der Compagnie ist vor allem der engen Zusammenarbeit der Brüder Paulo und Rodrigo Pederneiras zu verdanken. Bereits ihre ersten Choreographien erregten Aufsehen und wurden in Paris als Sensation gefeiert. Gleichsam über Nacht hatte sich Grupo Corpo als erste brasilianische Compagnie an die Weltspitze getanzt, wo sie bis heute einen festen Platz innehat.

Das Stück Dança Sinfônica, entstanden 2015 zur Feier des 40. Jubiläums der Grupo Corpo, basiert auf dem Thema der Erinnerung. Die erste Sinfonie, komponiert von Marco Antônio Guimarães, kombiniert eine anspruchsvolle Handlung mit Originalfiguren und musikalischen Passagen aus jüngst produzierten Balletten der Grupo Corpo. Das Werk wurde meisterhaft komponiert für das neunzigköpfige Philharmonische Orchester von Minas Gerais und verbindet die einzelnen Teile durch raffinierte Intermezzi der Musikgruppe Ukati. So kann Choreograph Rodrigo Pederneiras die besten Stücke aus dem gesamten Repertoire der Gruppe neu entdecken und eine Art Synthese seiner 34 Jahre dauernden choreographischen Arbeit mit dem Ensemble entwickeln. Die 8 mal 16 Meter große Kulisse, die die Stimmung des Stücks vorgibt, besteht aus über tausend Fotografien aus der Geschichte der Gruppe.

Gira ist inspiriert von den Ritualen von Umbanda – der meistverbreiteten Religionsform Brasiliens und das Ergebnis der Verschmelzung von Candomblé mit dem Katholizismus und dem Kardezismus. Metá Metá, eine Band aus São Paulo, schrieb den Original-Soundtrack für die Aufführung. Aber es ist Eshu, der die Aufführung leitet und als treibende Kraft formt. In der afrikanischen Kosmologie repräsentiert Eshu das dynamische Prinzip, ohne das es keine Bewegung gäbe. Er ist das Bindeglied zwischen der geistigen und der materiellen Welt; ein Gott der unbegrenzten Ausdehnung und Vervielfältigung, Gebieter über alle Wege und Straßenkreuzungen, Meister jeglicher Ordnung und Konfusion.

„Weltberge – die 4. Dimension“ ist Reinhold Messners neuester und sicher spektakulärster Vortrag. Auf der Grundlage von Bildern, welche erst durch die heutige Technik von Satellitenaufnahmen möglich sind, lässt uns Messner die individuellen Charaktere der Bergriesen hautnah erleben. Aus Perspektiven und Höhen, die bisher undenkbar waren, kommen wir der Bergwelt näher als jemals zuvor. Auf dem Fundament von Geowissenschaft und Alpinismushistorie nimmt Messner sein Publikum mit zu den 13
wichtigsten Gipfeln der Bergsteigergeschichte. Mit seinem beeindruckenden Wissen und der Erfahrung aus seinen Expeditionen, erfüllt Reinhold Messner die technisch brillanten Bilder mit Leben. Im Vortrag ergänzen sich alpinistische Erlebnisberichte mit neuester satellitengestützter Visualisierungstechnik, besteigungshistorisches Wissen und fototechnisches Know-how zu einem Gesamtbild.

In der Millionenstadt Belo Horizonte fanden sich 1975 sechs Geschwister mit ein paar Freunden zusammen und gründeten die Grupo Corpo, deren Name bis heute Anspruch und Programm der Compagnie ist: mit Gleichgesinnten einen „Gesamtkörper“ zu formen, dessen Markenzeichen die „runde Bewegung“, das Fließen einer sich in Bewegung befindlichen Gruppe wurde. Der  unverwechselbare Stil der Compagnie ist vor allem der engen Zusammenarbeit der Brüder Paulo und Rodrigo Pederneiras zu verdanken. Bereits ihre ersten Choreographien erregten Aufsehen und wurden in Paris als Sensation gefeiert. Gleichsam über Nacht hatte sich Grupo Corpo als erste brasilianische Compagnie an die Weltspitze getanzt, wo sie bis heute einen festen Platz innehat.

Das Stück Dança Sinfônica, entstanden 2015 zur Feier des 40. Jubiläums der Grupo Corpo, basiert auf dem Thema der Erinnerung. Die erste Sinfonie, komponiert von Marco Antônio Guimarães, kombiniert eine anspruchsvolle Handlung mit Originalfiguren und musikalischen Passagen aus jüngst produzierten Balletten der Grupo Corpo. Das Werk wurde meisterhaft komponiert für das neunzigköpfige Philharmonische Orchester von Minas Gerais und verbindet die einzelnen Teile durch raffinierte Intermezzi der Musikgruppe Ukati. So kann Choreograph Rodrigo Pederneiras die besten Stücke aus dem gesamten Repertoire der Gruppe neu entdecken und eine Art Synthese seiner 34 Jahre dauernden choreographischen Arbeit mit dem Ensemble entwickeln. Die 8 mal 16 Meter große Kulisse, die die Stimmung des Stücks vorgibt, besteht aus über tausend Fotografien aus der Geschichte der Gruppe.

Gira ist inspiriert von den Ritualen von Umbanda – der meistverbreiteten Religionsform Brasiliens und das Ergebnis der Verschmelzung von Candomblé mit dem Katholizismus und dem Kardezismus. Metá Metá, eine Band aus São Paulo, schrieb den Original-Soundtrack für die Aufführung. Aber es ist Eshu, der die Aufführung leitet und als treibende Kraft formt. In der afrikanischen Kosmologie repräsentiert Eshu das dynamische Prinzip, ohne das es keine Bewegung gäbe. Er ist das Bindeglied zwischen der geistigen und der materiellen Welt; ein Gott der unbegrenzten Ausdehnung und Vervielfältigung, Gebieter über alle Wege und Straßenkreuzungen, Meister jeglicher Ordnung und Konfusion.

Menschen mit Idealismus sind bewundernswert. Selbstlos setzen sie sich für die gute Sache ein, für das Wohl anderer Menschen, für Gerechtigkeit. Seien wir ehrlich: es gibt nicht viele, denen man das uneingeschränkt nachsagen kann. Gottfried von Berlichingen ist ein solcher Mann. Gegen die Dekadenz des aufstrebenden Adels verteidigt er die alten Ritterrechte, kämpft für die Belange des Volkes und schert sich wenig um sein Ansehen bei der Obrigkeit. Kommt er in Schwierigkeiten, hilft er sich mit dem  berühmten Zitat.

Die erste Fassung seines später Götz von Berlichingen genannten Stücks schrieb Johann Wolfgang von Goethe mit 22 Jahren. Viel ist darin zu spüren vom Aufruhr eines jungen Mannes, der Großes erreichen will und sich an der abgeklärten Gesellschaft reibt. Nicht umsonst gilt Götz von Berlichingen als Urstück des Sturm und Drang. Aber trotz seiner Jugend zeigt Goethe sich klug genug, die energische Unbedingtheit seiner Hauptfigur in Frage zu stellen. Gottfried von Berlichingen regiert mit der eisernen Faust und ist nicht bereit, eigene Anschauungen zu überdenken. Am Ende geht sein Kalkül nicht auf, er bezahlt mit dem Leben. Wo endet die Freiheit des Einzelnen, wo beginnt radikales Denken? Eine Frage von höchster Aktualität.

Intendant Tilman Gersch inszeniert die suggestive, sprachgewaltige erste Fassung des Götz von Berlichingen mit Schauspielern eigens für die Pfalzbau Bühnen Ludwigshafen. 2015 war hier sein Wiesbadener Faust zu Gast, nun führt er die Auseinandersetzung mit dem dramatischen Werk Johann Wolfgang von Goethes fort.

Menschen mit Idealismus sind bewundernswert. Selbstlos setzen sie sich für die gute Sache ein, für das Wohl anderer Menschen, für Gerechtigkeit. Seien wir ehrlich: es gibt nicht viele, denen man das uneingeschränkt nachsagen kann. Gottfried von Berlichingen ist ein solcher Mann. Gegen die Dekadenz des aufstrebenden Adels verteidigt er die alten Ritterrechte, kämpft für die Belange des Volkes und schert sich wenig um sein Ansehen bei der Obrigkeit. Kommt er in Schwierigkeiten, hilft er sich mit dem  berühmten Zitat.

Die erste Fassung seines später Götz von Berlichingen genannten Stücks schrieb Johann Wolfgang von Goethe mit 22 Jahren. Viel ist darin zu spüren vom Aufruhr eines jungen Mannes, der Großes erreichen will und sich an der abgeklärten Gesellschaft reibt. Nicht umsonst gilt Götz von Berlichingen als Urstück des Sturm und Drang. Aber trotz seiner Jugend zeigt Goethe sich klug genug, die energische Unbedingtheit seiner Hauptfigur in Frage zu stellen. Gottfried von Berlichingen regiert mit der eisernen Faust und ist nicht bereit, eigene Anschauungen zu überdenken. Am Ende geht sein Kalkül nicht auf, er bezahlt mit dem Leben. Wo endet die Freiheit des Einzelnen, wo beginnt radikales Denken? Eine Frage von höchster Aktualität.

Intendant Tilman Gersch inszeniert die suggestive, sprachgewaltige erste Fassung des Götz von Berlichingen mit Schauspielern eigens für die Pfalzbau Bühnen Ludwigshafen. 2015 war hier sein Wiesbadener Faust zu Gast, nun führt er die Auseinandersetzung mit dem dramatischen Werk Johann Wolfgang von Goethes fort.

Ein Kuss ist in der Regel eine Geste des Vertrauens und der Liebe. Wie aber verhält es sich mit dem Judaskuss? In der christlichen Kultur steht dieses Wort für den schlimmsten Verrat, den je ein Mensch begangen hat. Der Jünger Judas Iskariot war es, der mit ebendiesem Kuss seinen Propheten Jesus den römischen Häschern preisgab. Was ihn zu dieser Tat bewog, bleibt bis heute im Dunkeln. Den Lohn von dreißig Silberlingen warf er nach dem Todesurteil empört in einen Tempel, dann erhängte er sich, verzweifelt und ohne jede Erklärung. Schnell war er zur Verkörperung des Bösen abgestempelt, und nur wenige haben sich seither die Mühe gemacht, seine Motivation zu befragen.

Die Autorin Lot Vekemans gibt Judas nun eine Stimme. Nach 2000 Jahren beginnt er zu sprechen – ein Akt der Befreiung von einer unermesslichen Schuld. Lot Vekemans geht es in ihrem klug differenzierten Monolog aber nicht um eine simple Rechtfertigung. Judas ringt selbst darum, sein rätselhaftes Handeln plausibel zu machen. Sichtbar wird vor allem der ungeheure Schmerz über die Tat, die auch ihm nicht bis ins letzte ergründbar scheint, und über die Bürde, für immer ein Symbol des Sündhaften zu sein. In der Essenz steht Judas als einer vor uns, der kämpft und fehlbar ist – wie wir alle.
2017 inszenierte Tilman Gersch das Stück am Staatstheater Karlsruhe, gezeigt wurde es dort und auch hier in Ludwigshafen in verschiedenen Kirchen.

Timo Tank spielt den Verfemten mit aller zweifelnden Unwucht, Gewalt und Liebe, dem verbitterten Zorn und der empfindsamen Verletzlichkeit eines Mannes, der sich seit 2000

Jahren in eigener Flamme verzehrt, ohne Erlösung zu finden. Der Dämon, der seinem Judas

Iskariot innewohnt, heißt Mensch. Eine herausragende Leistung. Mannheimer Morgen

Alles beginnt mit einem Versprechen: Sechs Jugendliche wollen nicht einfach das Dasein ihrer Eltern erben. Deshalb ziehen sie gemeinsam ins Auerhaus, aus dem die Nachbarn von nun an ständig den Song „Our House“ von Madness hören. Doch die Schüler wollen nicht nur ihr eigenes Leben leben, sondern vor allem das ihres Freundes Frieder retten, der nicht weiß, warum er überhaupt leben soll. Außer Frieder wohnen in der Schüler-WG noch das reiche Töchterchen Cäcilia, die rebellische Kleptomanin Vera, der zaudernde Höppner, der sich vor der Musterung drückt, die makellos schöne Brandstifterin Pauline und der schwule Kiffer Harry. Die eigenwilligen Idealisten verhalten sich streng nach den Spielregeln ihres radikal-alternativen Lebensentwurfs: Ladendiebstahl heißt Einkaufen, die Musterungsakte liegt im Tiefkühlfach, feiern und reden dienen der Rettung. Es geht um alles:  Freundschaft und Liebe, Gegenwart und Zukunft, Leben und Tod. Die Inszenierung von Philippe Besson spiegelt das wilde, verrückte Lebensgefühl der Teenager wider, das Bov Bjerg in seinem  Überraschungsbestseller mit Leichtigkeit und Tiefsinn beschreibt. Eine Geschichte für junge  Erwachsene und jene, die das Erwachsenwerden schon hinter sich haben und jetzt unentrinnbar im Ernst des Lebens angekommen sind. Auch wenn die Utopie letztlich scheitert, dürfen wir uns am Ende fragen, ob unsere vermeintlichen Sicherheiten es wirklich wert sind, den jugendlichen Leicht-Sinn so restlos aus unserem Leben verbannt zu haben.

Von 1994-1996 war Philippe Besson Oberspielleiter am Ulmer Theater. Später leitete er acht Jahre lang die Kinder- und Jugendtheatersparte am Hans-Otto-Theater Potsdam. Von 2009-2011 war er Oberspielleiter in Dresden. Seine Inszenierung Wir alle für immer zusammen wurde 2007 für den Theaterpreis DER FAUST in der Sparte „Beste Regie Kinder- und Jugendtheater“ nominiert. 2016 war seine bejubelte Theater-am-Kurfürstendamm-Inszenierung Roter Hahn im Biberpelz erfolgreich auf Tournee.

Pauline staunt nicht schlecht, als Eric mit einem Strauß Rosen vor ihrer Tür steht – sieben Jahre, nachdem sie ihn bei Nacht und Nebel verlassen hatte. Eric ist Gründer, Inhaber und einziger Mitarbeiter der Agentur Trennung frei Haus: Für anonyme Kunden, die ihrer Partner überdrüssig sind, übernimmt er das unangenehme Geschäft des Schlussmachens. Mit einem solchen Auftrag steht er also jetzt unvermutet der Liebe seines Lebens gegenüber, doch Hyppolite, Paulines aktueller Lover, hat sich das mit der Trennung kurzfristig anders überlegt und erscheint kurze Zeit später ebenfalls bei Pauline. Als er anruft, um den Auftrag bei Trennung frei Haus in letzter Minute zu canceln, fällt er aus allen Wolken: Das Handy klingelt bei seinem Gegenüber…

Nach der Uraufführung in der Inszenierung des Autors in der Pariser Comédie de Bastille im Jahre 2015 (dort spielte der Autor selbst die Rolle des Hyppolite) wurde Rupture à Domicile in Avignon und auf einer Frankreichtournee gespielt und von Mai bis September 2017 im Le Splendid in Paris wiederaufgenommen. Autor Tristan Petitgirard wurde als bester zeitgenössischer französischsprachiger Autor für den renommierten Prix Molière 2015 nominiert.

Pauline staunt nicht schlecht, als Eric mit einem Strauß Rosen vor ihrer Tür steht – sieben Jahre, nachdem sie ihn bei Nacht und Nebel verlassen hatte. Eric ist Gründer, Inhaber und einziger Mitarbeiter der Agentur Trennung frei Haus: Für anonyme Kunden, die ihrer Partner überdrüssig sind, übernimmt er das unangenehme Geschäft des Schlussmachens. Mit einem solchen Auftrag steht er also jetzt unvermutet der Liebe seines Lebens gegenüber, doch Hyppolite, Paulines aktueller Lover, hat sich das mit der Trennung kurzfristig anders überlegt und erscheint kurze Zeit später ebenfalls bei Pauline. Als er anruft, um den Auftrag bei Trennung frei Haus in letzter Minute zu canceln, fällt er aus allen Wolken: Das Handy klingelt bei seinem Gegenüber…

Nach der Uraufführung in der Inszenierung des Autors in der Pariser Comédie de Bastille im Jahre 2015 (dort spielte der Autor selbst die Rolle des Hyppolite) wurde Rupture à Domicile in Avignon und auf einer Frankreichtournee gespielt und von Mai bis September 2017 im Le Splendid in Paris wiederaufgenommen. Autor Tristan Petitgirard wurde als bester zeitgenössischer französischsprachiger Autor für den renommierten Prix Molière 2015 nominiert.

Macht euch bereit für die einzigartige Menstripshow mit gekonnten Moves, faszinierender Akrobatik, live Gesang und natürlich jeder Menge nackter Haut.

Mit seiner jüngsten Kreation To a simple, rock’n’roll…song hat Großbritanniens „wildes Kind“ Michael Clark zusammen mit seiner Company Begeisterungsstürme bei Publikum und Kritik hervorgerufen. Der Evening Standard beschrieb die Produktion als puren Adrenalin-Stoß, von der einem der Kopf schwirrt – in positivem Sinne selbstverständlich. To a simple, rock’n’roll…song ist ein explosiver Cocktail bestehend aus Tanz, kultischer Musik und prächtigen Bildern. Erik Satie, Patti Smith und David Bowie liefern den Soundtrack zu Clarks fesselnder Choreographie. In drei Akten kommt jede der musikalischen Kultfiguren zu ihrem Recht: das Werk beginnt mit einer kühlen Reflexion über Satie, bevor es zum  spannungsgeladenen Punk-Rock von Patti Smith kraftvoll losprescht. Das sensationelle Finale ist einem erhabenen und feinsinnigen David Bowie gewidmet und spannt einen Bogen von Melancholie zu frohgemuter Rebellion.

Von Anfang an waren Michael Clarks Aufführungen geprägt von technischer Perfektion und Experimentierfreude, einer kräftigen und ausgefeilten choreographischen Handschrift, die Elemente aus Punk, Dada, Pop und Rock aufgreift. Mit seinen Produktionen, die zugleich provozieren und das Publikum regelrecht unter Strom setzen, hat er sich neues Terrain erobert. 1984 gründete Clark seine eigene Company, die seitdem in führende Häuser in Europa, Nord- und Süd-Amerika, Asien und Australien eingeladen wird, seit 2005 ist sie am Barbican Theatre in London verortet. Darüber hinaus hat Michael Clark mit seiner Company den Tanz an neue Zuschauerschichten durch Auftritte an ungewöhnlichen Orten herangeführt wie dem Glastonbury Festival oder dem legendären Barrowland Ballroom in Glasgow sowie durch die Zusammenarbeit mit angesagten Künstlern, Mode-Designern, Musikern und Filmemachern.

Die Titelfigur dieser zauberhaften Geschichte ist ein kleiner Hund, der sich um alle Steine kümmern will, die er findet. Manche sind groß, andere sind klein. Der eine ist traurig und einem anderen ist kalt. Allen ist gemeinsam, dass sie unbedingt mitgenommen werden wollen. Und das macht der kleine Hund. Jeder einzelne Stein folgt Aston nach Hause und wird von einem warmen, behaglichen Bett empfangen. Seine Eltern sind zunächst sehr verständnisvoll und geduldig, werden aber allmählich immer besorgter angesichts der wachsenden Anzahl an Steinen in ihrem Wohnzimmer. Schließlich hoffen sie, einen neuen, besseren Ort zu finden, an dem sich Astons Steine wohl fühlen könnten.

Die Geschichte Astons Steine handelt davon, wie leicht es ist, etwas oder jemanden lieb zu gewinnen.

Sie zeigt, wie großartig es ist, den Wert kleiner Dinge zu schätzen zu wissen – auch wenn es dabei „nur“ um einen Stein geht. Für Kinder ist es so einfach zu lieben und Empathie zu empfinden, ohne Wenn und Aber, ganz ohne Einschränkung. Als Erwachsener kann man sich vielleicht nur noch daran erinnern, wie einfach es war.

Die Titelfigur dieser zauberhaften Geschichte ist ein kleiner Hund, der sich um alle Steine kümmern will, die er findet. Manche sind groß, andere sind klein. Der eine ist traurig und einem anderen ist kalt. Allen ist gemeinsam, dass sie unbedingt mitgenommen werden wollen. Und das macht der kleine Hund. Jeder einzelne Stein folgt Aston nach Hause und wird von einem warmen, behaglichen Bett empfangen. Seine Eltern sind zunächst sehr verständnisvoll und geduldig, werden aber allmählich immer besorgter angesichts der wachsenden Anzahl an Steinen in ihrem Wohnzimmer. Schließlich hoffen sie, einen neuen, besseren Ort zu finden, an dem sich Astons Steine wohl fühlen könnten.

Die Geschichte Astons Steine handelt davon, wie leicht es ist, etwas oder jemanden lieb zu gewinnen.

Sie zeigt, wie großartig es ist, den Wert kleiner Dinge zu schätzen zu wissen – auch wenn es dabei „nur“ um einen Stein geht. Für Kinder ist es so einfach zu lieben und Empathie zu empfinden, ohne Wenn und Aber, ganz ohne Einschränkung. Als Erwachsener kann man sich vielleicht nur noch daran erinnern, wie einfach es war.

Die Geschichte spielt in Chabot, einem verschlafenen kleinen Dorf im US-Bundesstaat Mississippi. Dort lebt Larry Ott, der verdächtigt wird, vor Jahren eine junge Frau ermordet zu haben. Auch wenn er vor Gericht freigesprochen wurde, steht ihm seitdem die gesamte Dorfgesellschaft feindselig gegenüber, man nennt ihn nur noch „Scary Larry“. Als dann eine weitere Frau verschwindet, steht der Täter natürlich schon fest. Betrunkene Vandalen randalieren vor Larrys Haus, bis die Situation eskaliert und er angeschossen wird. Mit den Ermittlungen zu diesem Fall wird Silas Jones betraut, ein junger Schwarzer, der in Chabot aufgewachsen ist und nun nach langen Jahren wieder in seine Heimat zurückkehrt. Als Kinder verband Silas und den schon damals sozial isolierten, gemobbten Larry eine enge Freundschaft, die nach dem vermeintlichen Mordfall in die Brüche ging. Mit dem Aufeinandertreffen der Protagonisten brechen die Wunden der Vergangenheit wieder auf, denn auch Silas hat einst eine schwere Schuld auf sich geladen, die er nun zu bereinigen versucht.

Die Geschichte spielt in Chabot, einem verschlafenen kleinen Dorf im US-Bundesstaat Mississippi. Dort lebt Larry Ott, der verdächtigt wird, vor Jahren eine junge Frau ermordet zu haben. Auch wenn er vor Gericht freigesprochen wurde, steht ihm seitdem die gesamte Dorfgesellschaft feindselig gegenüber, man nennt ihn nur noch „Scary Larry“. Als dann eine weitere Frau verschwindet, steht der Täter natürlich schon fest. Betrunkene Vandalen randalieren vor Larrys Haus, bis die Situation eskaliert und er angeschossen wird. Mit den Ermittlungen zu diesem Fall wird Silas Jones betraut, ein junger Schwarzer, der in Chabot aufgewachsen ist und nun nach langen Jahren wieder in seine Heimat zurückkehrt. Als Kinder verband Silas und den schon damals sozial isolierten, gemobbten Larry eine enge Freundschaft, die nach dem vermeintlichen Mordfall in die Brüche ging. Mit dem Aufeinandertreffen der Protagonisten brechen die Wunden der Vergangenheit wieder auf, denn auch Silas hat einst eine schwere Schuld auf sich geladen, die er nun zu bereinigen versucht.

Die schöne Jenufa steht zwischen zwei Männern, den Halbbrüdern Stewa und Laca. Sie ist in den lebenslustigen, aber unzuverlässigen Stewa verliebt und erwartet heimlich ein Kind von ihm. Zur Verzweiflung von Jenufa verbietet ihre strenge Adoptivmutter, die Küsterin Buryja, eine Hochzeit – Stewa soll sich in einem Probejahr als würdig erweisen und das Trinken aufgeben. Als dann der stille, in sich gekehrte Laca seine Liebe erklärt und Jenufa umarmen will, kommt es zur Katastrophe: Jenufa stößt ihn zurück, worauf Laca im Jähzorn mit einem Messer ihre Wangen zerschneidet. Jenufa bringt ihr Kind im Verborgenen zur Welt. Die Küsterin versucht, Stewa doch noch zu einer Ehe mit Jenufa zu bewegen, aber für die so entstellte junge Frau hat Stewa kein Interesse mehr. Die Küsterin sieht nur noch einen Ausweg und lässt das Kind verschwinden, um doch eine Hochzeit zwischen Jenufa und dem bereuenden Laca zu ermöglichen. Doch gerade am Tag der Hochzeit taut das Eis und gibt die Kinderleiche frei …

Jenufa, Leoš Janácĕks dritte Opernkomposition, ist sein erstes Bühnenwerk, das sich dauerhaft mit Erfolg im Repertoire halten konnte. Dabei war der Weg auf die Bühne ein steiniger, denn die Partitur wurde am Prager Nationaltheater abgelehnt. So fand die erfolgreiche, jedoch folgenlose Uraufführung am 21. Januar 1904 in Brno (Brünn) statt. Erst 1916 kam die Oper dann mit einigen Veränderungen zur Aufführung in Prag und wurde zu einem Triumph für Janácĕk.

Zu Gast
Fechtabteilung des TSG Friesenheim
Weingut Lucashof, Forst an der Weinstraße

MUSKETIERE IN FRIESENHEIM

PFALZBAU BÜHNEN LUDWIGSHAFEN

Die schöne Jenufa steht zwischen zwei Männern, den Halbbrüdern Stewa und Laca. Sie ist in den lebenslustigen, aber unzuverlässigen Stewa verliebt und erwartet heimlich ein Kind von ihm. Zur Verzweiflung von Jenufa verbietet ihre strenge Adoptivmutter, die Küsterin Buryja, eine Hochzeit – Stewa soll sich in einem Probejahr als würdig erweisen und das Trinken aufgeben. Als dann der stille, in sich gekehrte Laca seine Liebe erklärt und Jenufa umarmen will, kommt es zur Katastrophe: Jenufa stößt ihn zurück, worauf Laca im Jähzorn mit einem Messer ihre Wangen zerschneidet. Jenufa bringt ihr Kind im Verborgenen zur Welt. Die Küsterin versucht, Stewa doch noch zu einer Ehe mit Jenufa zu bewegen, aber für die so entstellte junge Frau hat Stewa kein Interesse mehr. Die Küsterin sieht nur noch einen Ausweg und lässt das Kind verschwinden, um doch eine Hochzeit zwischen Jenufa und dem bereuenden Laca zu ermöglichen. Doch gerade am Tag der Hochzeit taut das Eis und gibt die Kinderleiche frei …

Jenufa, Leoš Janácĕks dritte Opernkomposition, ist sein erstes Bühnenwerk, das sich dauerhaft mit Erfolg im Repertoire halten konnte. Dabei war der Weg auf die Bühne ein steiniger, denn die Partitur wurde am Prager Nationaltheater abgelehnt. So fand die erfolgreiche, jedoch folgenlose Uraufführung am 21. Januar 1904 in Brno (Brünn) statt. Erst 1916 kam die Oper dann mit einigen Veränderungen zur Aufführung in Prag und wurde zu einem Triumph für Janácĕk.

Eine Stadt befindet sich im Ausnahmezustand: Ein Kindermörder treibt sein Unwesen, und an jedem Ort, zu jeder Zeit kann er wieder zuschlagen. Die fieberhafte Fahndung der Polizei läuft ins Leere; alle Sicherheitsvorkehrungen erweisen sich als nutzlos. Der Fall ist ein gefundenes Fressen für die Lokalpresse und ein sensationslüsternes Publikum. Die „anständigen“ Verbrecher der Stadt hingegen mobilisieren sich, um dem Mörder in Selbstjustiz beizukommen. Ein rasantes Katz- und Maus-Spiel zwischen Mörder, Polizei und Untergrund beginnt.

Fritz Langs Stummfilmklassiker aus dem Jahre 1931 ist in seiner schneidenden Analyse der Mechanismen von Angst und Terror, Meinungsmache und Massenhysterie aktuell wie je. Regisseurin Roscha A. Säidow hat den Stoff auf diese Bezüge hin abgeklopft und eine Bühnenfassung geschrieben, die Klassiker und Gegenwart subtil und eindringlich verbindet. Im Verbund mit Andres Böhmer hat sie eigens für die Inszenierung markante Songs im Big-Band-Stil komponiert.

Die Schauspieler nutzen alles, was sie in die Hände kriegen: Musikinstrumente, Projektionen, Objekte und Puppen – letztere aus Fundstücken zusammengesetzt, von riesengroß bis minimalistisch, von Handpuppe bis Marionette bis Tischfigur. Schauspiel verbindet sich mit Figurentheater, Konzert mit Show zu einem interdisziplinären Gesamtkunstwerk. Unter dem verschwörerischen Deckmantel der Farce wird so freigelegt, was unsere Gesellschaft mit Mördern und Mörder mit unserer Gesellschaft machen.

Weil Lummerland zu klein wird, verlassen Jim und sein Freund Lukas mit Emma, der multifunktionalen Lokomotive, ihre Heimat. Auf ihrer Reise ins Unbekannte begegnen sie skurrilen Gestalten wie Ping Pong, einem Diener des chinesischen Kaisers, oder Herrn Tur Tur, dem unglücklichen Scheinriesen – und am Ende den eigenen Wurzeln: In Kummerland wollen sie nicht nur die chinesische Prinzessin vor dem Furcht erregenden Drachen Frau Mahlzahn befreien, sondern auch das Geheimnis von Jims Herkunft lösen.

Mit Fabulierkunst, Spielfertigkeit und -freude auf allerhöchstem Niveau, vielen überraschenden, witzigen und poetischen Momenten kommt die Inszenierung von Regisseur Pierre Schäfer Michael Ende ganz nah: Das wahre Abenteuer liegt für den Menschen in einem Ausflug in das Reich der Fantasie. Für Michael Ende selbst ist sein Erstling zum Wendepunkt geworden: Erst mit diesem Buch beginnt seine Laufbahn als Schriftsteller. […] Verdientermaßen gibt es viel Beifall. Es scheint nicht allzu vermessen, zu vermuten: Michael Ende hätte es gemocht. Volksstimme

Weil Lummerland zu klein wird, verlassen Jim und sein Freund Lukas mit Emma, der multifunktionalen Lokomotive, ihre Heimat. Auf ihrer Reise ins Unbekannte begegnen sie skurrilen Gestalten wie Ping Pong, einem Diener des chinesischen Kaisers, oder Herrn Tur Tur, dem unglücklichen Scheinriesen – und am Ende den eigenen Wurzeln: In Kummerland wollen sie nicht nur die chinesische Prinzessin vor dem Furcht erregenden Drachen Frau Mahlzahn befreien, sondern auch das Geheimnis von Jims Herkunft lösen.

Mit Fabulierkunst, Spielfertigkeit und -freude auf allerhöchstem Niveau, vielen überraschenden, witzigen und poetischen Momenten kommt die Inszenierung von Regisseur Pierre Schäfer Michael Ende ganz nah: Das wahre Abenteuer liegt für den Menschen in einem Ausflug in das Reich der Fantasie. Für Michael Ende selbst ist sein Erstling zum Wendepunkt geworden: Erst mit diesem Buch beginnt seine Laufbahn als Schriftsteller. […] Verdientermaßen gibt es viel Beifall. Es scheint nicht allzu vermessen, zu vermuten: Michael Ende hätte es gemocht. Volksstimme

Etwa 90 Prozent unserer Kommunikation findet über Körpersprache statt – Grund genug, um diesem Aspekt seinen gebührenden Platz in der Schauspielkunst einzuräumen. Von den Akteuren der Familie Flöz wird dies seit über zwanzig Jahren konsequent umgesetzt. Im Zentrum ihrer Produktionen steht das ausgefeilte Spiel mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers: Durch Pantomime, Maskenspiel, Tanz, Clownerie und Artistik schaffen sie Theatererlebnisse mit einer einzigartigen Poesie – ebenso anrührend wie skurril. Hotel Paradiso widmet sich einem klassischen Bühnenstoff: der zufälligen Begegnung unverhofft zusammen treffender Gäste in einem abgelegenen Gasthaus. Einst machte es seinem Namen und den vier Sternen alle Ehre. Doch inzwischen leidet der Betrieb unter der erbitterten Rivalität von Sohn und Tochter um die Fortführung des Hotels nach dem Tod des Vaters. Das Dienstmädchen bestiehlt die Gäste und der Koch treibt sein Unwesen im Gästehaus. Zunehmend geraten Personal und Gäste in einen Strudel bitterböser Ereignisse. Bodenlose Abgründe tun sich auf, denen niemand entkommt. Ein Alptraum voll von schwarzem Humor, romantischer Sehnsucht nach der großen Liebe und grotesken Begebenheiten im komplexen Beziehungsspiel der Figuren, deren verschrobener Charakter durch eigens angefertigte Masken zum Vorschein kommt.

Hotel Paradiso beschreibt Himmel und Hölle eines Familienbetriebs im Niedergang. Ein fantastisches Theatererlebnis, durchzogen mit musikalischen Intermezzi und Slapstick, unter großartigem Einsatz sagenhafter Körperbeherrschung – urkomisch wie das Leben selbst.

Gegründet 1994 an der Folkwangschule Essen, ist die Familie Flöz heute ein internationaler Pool von Theaterschaffenden aus zehn Nationen, die in über 30 Ländern auftreten. Die Truppe erhielt zahlreiche Preise, u.a. 2015 den Monica-Bleibtreu-Award Beste Komödie. Hotel Paradiso gastierte weit über Europa hinaus in China, Indien und Vietnam. Seit 2008 produziert die Truppe regelmäßig mit dem Theaterhaus Stuttgart und dem Theater Duisburg.

Etwa 90 Prozent unserer Kommunikation findet über Körpersprache statt – Grund genug, um diesem Aspekt seinen gebührenden Platz in der Schauspielkunst einzuräumen. Von den Akteuren der Familie Flöz wird dies seit über zwanzig Jahren konsequent umgesetzt. Im Zentrum ihrer Produktionen steht das ausgefeilte Spiel mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers: Durch Pantomime, Maskenspiel, Tanz, Clownerie und Artistik schaffen sie Theatererlebnisse mit einer einzigartigen Poesie – ebenso anrührend wie skurril. Hotel Paradiso widmet sich einem klassischen Bühnenstoff: der zufälligen Begegnung unverhofft zusammen treffender Gäste in einem abgelegenen Gasthaus. Einst machte es seinem Namen und den vier Sternen alle Ehre. Doch inzwischen leidet der Betrieb unter der erbitterten Rivalität von Sohn und Tochter um die Fortführung des Hotels nach dem Tod des Vaters. Das Dienstmädchen bestiehlt die Gäste und der Koch treibt sein Unwesen im Gästehaus. Zunehmend geraten Personal und Gäste in einen Strudel bitterböser Ereignisse. Bodenlose Abgründe tun sich auf, denen niemand entkommt. Ein Alptraum voll von schwarzem Humor, romantischer Sehnsucht nach der großen Liebe und grotesken Begebenheiten im komplexen Beziehungsspiel der Figuren, deren verschrobener Charakter durch eigens angefertigte Masken zum Vorschein kommt.

Hotel Paradiso beschreibt Himmel und Hölle eines Familienbetriebs im Niedergang. Ein fantastisches Theatererlebnis, durchzogen mit musikalischen Intermezzi und Slapstick, unter großartigem Einsatz sagenhafter Körperbeherrschung – urkomisch wie das Leben selbst.

Gegründet 1994 an der Folkwangschule Essen, ist die Familie Flöz heute ein internationaler Pool von Theaterschaffenden aus zehn Nationen, die in über 30 Ländern auftreten. Die Truppe erhielt zahlreiche Preise, u.a. 2015 den Monica-Bleibtreu-Award Beste Komödie. Hotel Paradiso gastierte weit über Europa hinaus in China, Indien und Vietnam. Seit 2008 produziert die Truppe regelmäßig mit dem Theaterhaus Stuttgart und dem Theater Duisburg.

Etwa 90 Prozent unserer Kommunikation findet über Körpersprache statt – Grund genug, um diesem Aspekt seinen gebührenden Platz in der Schauspielkunst einzuräumen. Von den Akteuren der Familie Flöz wird dies seit über zwanzig Jahren konsequent umgesetzt. Im Zentrum ihrer Produktionen steht das ausgefeilte Spiel mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers: Durch Pantomime, Maskenspiel, Tanz, Clownerie und Artistik schaffen sie Theatererlebnisse mit einer einzigartigen Poesie – ebenso anrührend wie skurril. Hotel Paradiso widmet sich einem klassischen Bühnenstoff: der zufälligen Begegnung unverhofft zusammen treffender Gäste in einem abgelegenen Gasthaus. Einst machte es seinem Namen und den vier Sternen alle Ehre. Doch inzwischen leidet der Betrieb unter der erbitterten Rivalität von Sohn und Tochter um die Fortführung des Hotels nach dem Tod des Vaters. Das Dienstmädchen bestiehlt die Gäste und der Koch treibt sein Unwesen im Gästehaus. Zunehmend geraten Personal und Gäste in einen Strudel bitterböser Ereignisse. Bodenlose Abgründe tun sich auf, denen niemand entkommt. Ein Alptraum voll von schwarzem Humor, romantischer Sehnsucht nach der großen Liebe und grotesken Begebenheiten im komplexen Beziehungsspiel der Figuren, deren verschrobener Charakter durch eigens angefertigte Masken zum Vorschein kommt.

Hotel Paradiso beschreibt Himmel und Hölle eines Familienbetriebs im Niedergang. Ein fantastisches Theatererlebnis, durchzogen mit musikalischen Intermezzi und Slapstick, unter großartigem Einsatz sagenhafter Körperbeherrschung – urkomisch wie das Leben selbst.

Gegründet 1994 an der Folkwangschule Essen, ist die Familie Flöz heute ein internationaler Pool von Theaterschaffenden aus zehn Nationen, die in über 30 Ländern auftreten. Die Truppe erhielt zahlreiche Preise, u.a. 2015 den Monica-Bleibtreu-Award Beste Komödie. Hotel Paradiso gastierte weit über Europa hinaus in China, Indien und Vietnam. Seit 2008 produziert die Truppe regelmäßig mit dem Theaterhaus Stuttgart und dem Theater Duisburg.

Ein klarer Fall für den Notfall-Schampus: Benny geht für ein Jahr als Gastdozent nach New York – sein Anteil an der WG im 200-Quadratmeter-Altbau-Paradies muss untervermietet werden. Er möchte an den aktuellen gesellschaftlichen Veränderungen mitwirken und das Zimmer Flüchtlingen zur Verfügung stellen. Sofort nimmt das Gedankenkarussell der vier verbleibenden Stuckliebhaber rasant Fahrt auf. Wird man sich dann noch frei und nackt durch die Wohnung bewegen können? Wie lange freut man sich über die „südliche“ Lebensfreude? Und könnte man das Zusammenleben nicht in einem künstlerischen Projekt dokumentieren? Schnell verstricken sich Bennys Mitmieter in fragwürdige Überlegungen. Sie fürchten den Verlust feministischer Errungenschaften, werfen sich gegenseitig pathologischen Araberhass vor und loben pauschal das leckere syrische Essen – bis irgendwann der türkische Sozialarbeiter Achmed in der WG-Küche steht und die Diskussion in eine ganz neue Richtung dreht.

Deutschlands meistgespielte zeitgenössische Theaterautoren Lutz Hübner und Sarah Nemitz haben einen genauen Blick für unsere Befindlichkeiten und Ängste. Nicolai Sykosch, Experte für Komödien, bringt mit dieser Inszenierung großes Schauspielertheater auf die Bühne.

Die Auswahl für das Berliner Theatertreffen 2018 sorgte für eine Überraschung: Unter den Gewinnern fand sich eine Zweipersonen-Produktion, entstanden in einer Nebenspielstätte des Thalia Theaters Hamburg. Die Bühne der Gaußstraße eignet sich hervorragend für szenische Experimente, und ein solches ist das Wagnis, den weltumspannenden Mythos von der Irrfahrt des Odysseus derart unaufwändig zu erzählen.

Telemachos und Telegonos sind Söhne des Odysseus. Die Lücke, die der abwesende Vater hinterlässt, füllen sie spielerisch mit einer Flut von Phantasien über die Abenteuer, die er erlebt haben könnte.

So gegensätzlich die beiden Jungen in ihrem Charakter sind, so unterschiedlich ist das Bild, das sich jeder vom Vater macht: Der eine sieht in ihm den ruchlosen Krieger, der andere imaginiert einen zarten Schöngeist. Gemeinsam erwecken sie die Fabelwesen der antiken Legende zum Leben. Als Kyklopen, Vampire, Lustknaben und Monster entfachen sie einen Theaterzauber, der pure Lust am Erfinden ist. Bei all den überbordenden Bildern schaffen es die beiden grandiosen Darsteller immer noch, die Einsamkeit und Trauer der zurückgelassenen Kinder zu vermitteln, denen die Geborgenheit einer funktionierenden Familie fehlt.

 Thomas Niehaus und Paul Schröder sind schlichtweg großartig. Sie spielen sich und große Teile des Publikums geradezu um den Verstand. Nachtkritik

Antú Romero Nunes ist Regieabsolvent der Berliner Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“. Seit 2014 ist er Hausregisseur am Thalia Theater Hamburg und hat dort auch Brechts Dreigroschenoper inszeniert, die bei den Festspielen Ludwigshafen 2016 das Publikum begeisterte.

Er arbeitete außerdem u.a. am Maxim Gorki Theater Berlin, am Schauspiel Frankfurt und am Burgtheater Wien. 2012 wurde er mit dem renommierten Friedrich-Luft-Preis ausgezeichnet.

Im Januar 2012 war sie schon einmal in Ludwigshafen – beim begeistert aufgenommenen Gastspiel der Pina Bausch Company mit dem asiatisch inspirierten Tanzstück Ten Chi. Nun steht Cristiana Morganti, dem Tanztheater Wuppertal seit mehr als 20 Jahren als Darstellerin verbunden, wieder in Ludwigshafen auf der Bühne und lädt im rassigen roten Kleid zu einer Reise durch das Pina-Bausch-Universum ein, gesehen aus der Perspektive einer Tänzerin. Mit Temperament und Charme entführt sie die Zuschauer in die ganz eigene faszinierende Welt der großen Künstlerin und ihrer Tänzerpersönlichkeiten, plaudert aus dem Nähkästchen und demonstriert auch gleich mit ihrer umwerfenden persönlichen Ausstrahlung, wie aus einzelnen Tanzschritten eine Choreographie entsteht. So erzählt Cristiana Morganti von ihrem persönlichen, künstlerischen und menschlichen Werdegang unter der außergewöhnlichen Choreographin und lässt uns unterhaltsam entdecken, wie viel Hingabe, Fantasie und Liebe zum Detail in der Bewegungssprache Pina Bauschs verborgen sind. Und vor allem gibt sie uns ein Gefühl dafür, auf welche Weise die mysteriöse und magische Verbindung zwischen Künstler und Publikum entsteht.

Im Januar 2012 war sie schon einmal in Ludwigshafen – beim begeistert aufgenommenen Gastspiel der Pina Bausch Company mit dem asiatisch inspirierten Tanzstück Ten Chi. Nun steht Cristiana Morganti, dem Tanztheater Wuppertal seit mehr als 20 Jahren als Darstellerin verbunden, wieder in Ludwigshafen auf der Bühne und lädt im rassigen roten Kleid zu einer Reise durch das Pina-Bausch-Universum ein, gesehen aus der Perspektive einer Tänzerin. Mit Temperament und Charme entführt sie die Zuschauer in die ganz eigene faszinierende Welt der großen Künstlerin und ihrer Tänzerpersönlichkeiten, plaudert aus dem Nähkästchen und demonstriert auch gleich mit ihrer umwerfenden persönlichen Ausstrahlung, wie aus einzelnen Tanzschritten eine Choreographie entsteht. So erzählt Cristiana Morganti von ihrem persönlichen, künstlerischen und menschlichen Werdegang unter der außergewöhnlichen Choreographin und lässt uns unterhaltsam entdecken, wie viel Hingabe, Fantasie und Liebe zum Detail in der Bewegungssprache Pina Bauschs verborgen sind. Und vor allem gibt sie uns ein Gefühl dafür, auf welche Weise die mysteriöse und magische Verbindung zwischen Künstler und Publikum entsteht.

Die drei ??? – das sind die drei Jungdetektive Justus Jonas, Peter Shaw und Bob Andrews, das erfolgreichste und beliebteste Detektivtrio der Weltliteratur. Robert Arthur ersann die erste Geschichte der drei jugendlichen Detektive 1964 und gewann Alfred Hitchcock als Schirmherrn für die ersten Bücher. Rund 45 Millionen Hörspiele und 15 Millionen Bücher der inzwischen über 180 Fälle der Drei ??? wurden bis heute verkauft. Nun lösen die drei Nachwuchsdetektive auch einen ihrer Fälle auf der Theaterbühne: Das Junge Theater Bonn (JTB) hat den Schauplatz der spannenden Geschichte eigens nach Ludwigshafen verlegt.

In Rocky Beach, dem kleinen Ort an der kalifornischen Pazifikküste ganz in der Nähe von Los Angeles, haben gerade die Sommerferien begonnen. Justus, Peter und Bob treffen sich in ihrem Hauptquartier, um einen gerade erfolgreich aufgeklärten Fall zu den Akten zu legen und dann ganz entspannt den Ferienbeginn mit ein paar Freunden – und Bob und Peter mit ihren Freundinnen – am Strand zu feiern. Dementsprechend sind sie nicht wirklich passend für einen Einsatz gekleidet, als Justus plötzlich von Althena über den Haufen gerannt wird, weil sie von einem bewaffneten Mann verfolgt wird. Althena hat den Moment des Zusammenstoßes genutzt, um Justus eine kleine Digitalkamera in die Hosentasche zu stecken, wie er später bemerkt. Die Bilder auf der rätselhaften Kamera enthalten verschiedene Hinweise auf einen ziemlich mysteriösen Fall, an dem Althena vermutlich gerade arbeitete. Aber worum geht es in dem Fall? Wer ist der Entführer, und wo ist die Entführte?

Mit seiner Musik hat er Millionen begeistert und gleichzeitig für seine Ideale geworben: We Shall Overcome bringt die Lebensgeschichte des Bürgerrechtsaktivisten, Umweltschutzpioniers und Folksängers Pete Seeger als inszeniertes Konzert auf die Bühne. Als gealterter Musiker erzählt er rückblickend vom eigenen Leben und Wirken, untermalt von seinen legendären Protestsongs.

Gesungen wird solo, in der Gruppe, im Chor, auf deutsch und im Original, mal ganz reduziert, fastdokumentarisch, dann wieder grandios instrumentalisiert. Die rund 50 Akteure führen die Zuschauer gekonnt durch mehrere Jahrzehnte amerikanischer Folk- und Fashion-Geschichte. Geschickt eingespielte Foto- und Filmdokumente veranschaulichen die musikalische Zeitreise zusätzlich. Pete Seeger ist eine Schlüsselfigur der US-Folkmusik. Mit Banjo, Gitarre und seiner Stimme hat er unzählige Menschen zum Mitsingen bewegt und für den Kampf um Frieden und soziale Gerechtigkeit gewonnen. Noch bei der Amtseinführung von Barack Obama brachte der damals 90jährige mehrere hunderttausend Zuschauer dazu, in Washington „This land is your land“ mitzusingen. Heiner Kondschak verkörpert die Folk-Legende mit leidenschaftlicher Hingabe. Wenn er „Where have all the flowers gone“ singt, entfaltet der Song seine mitreißende und anrührende Kraft von damals. Und wir merken, dass Pete Seeger gar nicht wirklich tot sein kann, solange seine Musik so lebendig ist.

Heiner Kondschak ist Musiker, Autor, Regisseur und Schauspieler. Seine kunterbunte Karriere begann als Straßenmusikant und Kleindarsteller, u.a. im Zirkus. Seit 1978 schrieb er Bühnenmusiken für ca. 150 und Liedertexte für ca. 50 Theaterstücke. Seit 2003 wirkt er in dem musikalischen Kabarett Männer & ich mit, seit 2005 hat er sein eigenes Liederprogramm mit der Band Kondschak & Kapelle. In den letzten Jahren folgten Regiearbeiten über die Musiker Woody Guthrie (2007), Bob Dylan (2008), John Lennon (2010) und zuletzt Pete Seeger (2016).

Christian Spuck hat in der Vergangenheit immer wieder Handlungsballette zu großen literarischen Vorlagen entworfen. Dennoch erscheint es zunächst wie ein wahres Wunderwerk, einen 1000-Seiten-Roman wie Tolstois Anna Karenina als zweistündigen Ballettabend auf die Bühne zu bringen. Das gelingt nur durch extreme szenische Verdichtung und jähe Schnitte und Brüche in der Szenenfolge wie in der Musik.

Mit einer wohlüberlegten Musikauswahl beginnt, so Christian Spuck, für ihn fast die wichtigste Phase der Vorarbeit, für die er sich ausreichend Zeit nimmt. Für Anna Karenina war er auf der Suche nach der sogenannten „russischen Seele“, deshalb habe er sich „durch das Gesamtwerk von Sergej Rachmaninow gehört“. Um Rachmaninows Musik zugleich einen starken Kontrast entgegenzusetzen, bringt er Witold Lutoslawski ins Spiel. Dieser spannende polnische Komponist des 20. Jahrhunderts erreicht in seiner Musik eine verstörende Tiefe, die Spuck in seiner Choreographie so einsetzt, dass man den Eindruck erhält, den Figuren sehr nahe zu kommen.

Für Christian Spuck ist die Musik der Schlüssel zum Inhaltlichen, ihr kommt die große Aufgabe zu, Unsichtbares sichtbar zu machen und Emotionen wortlos zu unterstreichen. Diese Tiefendimension der Musik eröffnet für den Tanz die Möglichkeit, die einzelnen Figuren in ihrer ganzen emotionalen Vielfalt und Widersprüchlichkeit zu zeigen. Insbesondere Anna Kareninas Verhaltensweisen geben oftmals Rätsel auf und man fragt sich, wieso sie so weit geht und sich ohne Sicherheitsnetz über einen Abgrund begibt. Genau diese Unbeirrbarkeit der Titelfigur, die sich in Leidenschaft und Emotionen verliert, hat Christian Spuck fasziniert.

Christian Spuck wurde an der John Cranko Schule in Stuttgart ausgebildet. Seine tänzerische Laufbahn begann er in Jan Lauwers‘ Needcompany und Anne Teresa de Keersmaekers Ensemble Rosas. 1995 wurde er Mitglied des Stuttgarter Balletts und war von 2001 bis 2012 Hauschoreograph der Compagnie. Darüber hinaus hat Christian Spuck mit zahlreichen namhaften Ballettcompagnien in Europa und den USA gearbeitet. Die Uraufführung von Poppea//Poppea für Gauthier Dance am Theaterhaus Stuttgart wurde mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2011 und dem italienischen Danza&Danza Award ausgezeichnet. Seit der Saison 2012/13 ist Christian Spuck Direktor des Ballett Zürich. Das 2014 in Zürich uraufgeführte Ballett Anna Karenina nach Lew Tolstoi wurde 2016 auch in Oslo und am Moskauer Stanislawski-Theater ins Repertoire übernommen.

Christian Spuck hat in der Vergangenheit immer wieder Handlungsballette zu großen literarischen Vorlagen entworfen. Dennoch erscheint es zunächst wie ein wahres Wunderwerk, einen 1000-Seiten-Roman wie Tolstois Anna Karenina als zweistündigen Ballettabend auf die Bühne zu bringen. Das gelingt nur durch extreme szenische Verdichtung und jähe Schnitte und Brüche in der Szenenfolge wie in der Musik.

Mit einer wohlüberlegten Musikauswahl beginnt, so Christian Spuck, für ihn fast die wichtigste Phase der Vorarbeit, für die er sich ausreichend Zeit nimmt. Für Anna Karenina war er auf der Suche nach der sogenannten „russischen Seele“, deshalb habe er sich „durch das Gesamtwerk von Sergej Rachmaninow gehört“. Um Rachmaninows Musik zugleich einen starken Kontrast entgegenzusetzen, bringt er Witold Lutoslawski ins Spiel. Dieser spannende polnische Komponist des 20. Jahrhunderts erreicht in seiner Musik eine verstörende Tiefe, die Spuck in seiner Choreographie so einsetzt, dass man den Eindruck erhält, den Figuren sehr nahe zu kommen.

Für Christian Spuck ist die Musik der Schlüssel zum Inhaltlichen, ihr kommt die große Aufgabe zu, Unsichtbares sichtbar zu machen und Emotionen wortlos zu unterstreichen. Diese Tiefendimension der Musik eröffnet für den Tanz die Möglichkeit, die einzelnen Figuren in ihrer ganzen emotionalen Vielfalt und Widersprüchlichkeit zu zeigen. Insbesondere Anna Kareninas Verhaltensweisen geben oftmals Rätsel auf und man fragt sich, wieso sie so weit geht und sich ohne Sicherheitsnetz über einen Abgrund begibt. Genau diese Unbeirrbarkeit der Titelfigur, die sich in Leidenschaft und Emotionen verliert, hat Christian Spuck fasziniert.

Christian Spuck wurde an der John Cranko Schule in Stuttgart ausgebildet. Seine tänzerische Laufbahn begann er in Jan Lauwers‘ Needcompany und Anne Teresa de Keersmaekers Ensemble Rosas. 1995 wurde er Mitglied des Stuttgarter Balletts und war von 2001 bis 2012 Hauschoreograph der Compagnie. Darüber hinaus hat Christian Spuck mit zahlreichen namhaften Ballettcompagnien in Europa und den USA gearbeitet. Die Uraufführung von Poppea//Poppea für Gauthier Dance am Theaterhaus Stuttgart wurde mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2011 und dem italienischen Danza&Danza Award ausgezeichnet. Seit der Saison 2012/13 ist Christian Spuck Direktor des Ballett Zürich. Das 2014 in Zürich uraufgeführte Ballett Anna Karenina nach Lew Tolstoi wurde 2016 auch in Oslo und am Moskauer Stanislawski-Theater ins Repertoire übernommen.

Was wäre die Welt ohne Phantasie? Diese zentrale Frage steht im Mittelpunkt von Michael Endes Die unendliche Geschichte. Der Roman hat sich seit seinem Erscheinen 1979 zu einem Kultbuch entwickelt und begeistert auch heute noch junge und alte Leser auf der ganzen Welt. Bastian Balthasar Bux wird ständig von seinen Klassenkameraden geärgert und flüchtet daher oft und gerne in die Welt der Bücher. Als er sich eines Tages auf dem Schulweg vor seinen Peinigern verstecken muss, landet er durch Zufall in einem alten Antiquariat. Dort stößt Bastian auf ein Buch, das eine geradezu magische Anziehungskraft auf ihn hat: Es ist Die unendliche Geschichte. Impulsiv stiehlt Bastian das Buch, versteckt sich damit auf dem Dachboden seiner Schule und beginnt zu lesen.

Das Buch erzählt vom Land Phantásien, das in riesiger Gefahr schwebt. Immer größere Teile des Landes werden vom Nichts verschlungen und seine Herrscherin, die Kindliche Kaiserin, leidet an einer mysteriösen Krankheit, von der sie kein Arzt erlösen kann. Alle Hoffnung liegt auf dem jungen Atréju, der durch das zerfallende Phantásien geschickt wird, um ein Menschenkind zu finden, das der Kindlichen Kaiserin einen neuen Namen geben kann: Denn nur das kann sie und Phantásien jetzt noch retten…

Das Junge Theater Bonn (JTB) hat Michael Endes Roman Die unendliche Geschichte in einer völlig neuen Bühnenbearbeitung produziert und mit großem Aufwand auf die Bühne gebracht.

Michael Ende (1929 – 1995) zählt zu den bekanntesten deutschen Schriftstellern und ist gleichzeitig einer der vielseitigsten Autoren. Neben Kinder- und Jugendbüchern schrieb er poetische Bilderbuchtexte und Bücher für Erwachsene, er verfasste Theaterstücke und Gedichte, und viele seiner Bücher wurden bereits verfilmt oder für Funk und Fernsehen bearbeitet. 1960 gelang ihm mit Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer der Durchbruch als Kinderbuchautor. Für sein literarisches Werk erhielt er zahlreiche deutsche und internationale Literaturpreise. Seine Werke wurden in über 45 Sprachen übersetzt.

Büchners Fähigkeit, die herrschende Verrohung auch als eine der Sprache darzustellen, steht im Mittelpunkt der Inszenierung. Ein vehement donnernder Rhythmus peitscht über die Sprache der Figuren hinweg. Was Woyzeck bleibt, ist blinde Gewalt, erlebte und ausgeübte. Ulrich Rasche 

Georg Büchners zerbrechliches Fragment, eines der bedeutendsten und einflussreichsten Dramen der deutschen Literatur, basiert auf dem Fall des Soldaten und Friseurs Johann Christian Woyzeck, der seine Geliebte erstach und dafür zum Tode verurteilt wurde. Büchner waren die Fakten des historischen Kriminalfalls bekannt, über den juristische, medizinische und psychologische Gutachten verfasst wurden. Er zeigt einen Eifersuchtsmord und seine Vorgeschichte: Woyzeck, „guter Kerl und armer Teufel“, finanziell an den untersten Rand der Gesellschaft gedrängt, von seinen Vorgesetzten gedemütigt, von der Wissenschaft zum Studienobjekt gemacht, ist dem radikalen Mangel an Empathie seiner Umwelt ausgeliefert. So wird er schuldig, nachdem seine Ängste, Triebe und Begierden obszön aufbrechen. Doch Woyzeck geht weit über den traurigen Einzelfall einer geschundenen Kreatur hinaus. Büchner untersucht am „Subjekt Woyzeck“ die immer gültige Frage unserer Abhängigkeit von gesellschaftlichen Bedingungen, die „außer uns liegen“, nach sozialen Verhältnissen, individueller Freiheit und schicksalhafter Determination.

Der Regisseur Ulrich Rasche, der aufgrund seiner formstrengen Chorprojekte und überwältigenden Bühnenbilder als einer der außergewöhnlichsten Regisseure seiner Generation gilt und mit seiner Inszenierung von Schillers Die Räuber zum Berliner Theatertreffen 2017 eingeladen wurde, arbeitet erstmalig für das Theater Basel. Auch mit seiner Woyzeck-Inszenierung ist Ulrich Rasche zum Berliner Theatertreffen 2018 eingeladen.

Büchners Fähigkeit, die herrschende Verrohung auch als eine der Sprache darzustellen, steht im Mittelpunkt der Inszenierung. Ein vehement donnernder Rhythmus peitscht über die Sprache der Figuren hinweg. Was Woyzeck bleibt, ist blinde Gewalt, erlebte und ausgeübte. Ulrich Rasche

Georg Büchners zerbrechliches Fragment, eines der bedeutendsten und einflussreichsten Dramen der deutschen Literatur, basiert auf dem Fall des Soldaten und Friseurs Johann Christian Woyzeck, der seine Geliebte erstach und dafür zum Tode verurteilt wurde. Büchner waren die Fakten des historischen Kriminalfalls bekannt, über den juristische, medizinische und psychologische Gutachten verfasst wurden. Er zeigt einen Eifersuchtsmord und seine Vorgeschichte: Woyzeck, „guter Kerl und armer Teufel“, finanziell an den untersten Rand der Gesellschaft gedrängt, von seinen Vorgesetzten gedemütigt, von der Wissenschaft zum Studienobjekt gemacht, ist dem radikalen Mangel an Empathie seiner Umwelt ausgeliefert. So wird er schuldig, nachdem seine Ängste, Triebe und Begierden obszön aufbrechen. Doch Woyzeck geht weit über den traurigen Einzelfall einer geschundenen Kreatur hinaus. Büchner untersucht am „Subjekt Woyzeck“ die immer gültige Frage unserer Abhängigkeit von gesellschaftlichen Bedingungen, die „außer uns liegen“, nach sozialen Verhältnissen, individueller Freiheit und schicksalhafter Determination.

Der Regisseur Ulrich Rasche, der aufgrund seiner formstrengen Chorprojekte und überwältigenden Bühnenbilder als einer der außergewöhnlichsten Regisseure seiner Generation gilt und mit seiner Inszenierung von Schillers Die Räuber zum Berliner Theatertreffen 2017 eingeladen wurde, arbeitet erstmalig für das Theater Basel. Auch mit seiner Woyzeck-Inszenierung ist Ulrich Rasche zum Berliner Theatertreffen 2018 eingeladen.

Doris ist achtzehn, hält nichts von Bildung, sondern will „lieber auf der Tauentzien ein Glanz werden, statt zu arbeiten“. Geld oder eine Bleibe hat sie längst nicht mehr, also sitzt sie vor einem Vergnügungs-Etablissement und hofft darauf, eingeladen zu werden. Oder vielleicht ja auch engagiert zu werden: „Schließlich bin ich schon Schauspielschule.“ Während sie auf ihr Vorsingen wartet, hat sie Zeit genug, ihre Geschichte zu erzählen: die spektakuläre Flucht aus der Kleinstadt nach Berlin, die zahlreichen Männergeschichten und Betrügereien, durch die sie ihr Überleben sichert.  Vor allem aber sind es ihr Humor und ihre besondere Sicht auf die Dinge, die dafür sorgen, dass sie immer wieder auf die Beine kommt. Carsten Golbeck und Rainer Bielfeldt erzählen den Klassiker von Irmgard Keun neu, ohne etwas hinzuzufügen –außer naturlich die Lieder, die aus Textpassagen des Buches heraus entwickelt wurden. Musikalisch wie inhaltlich schlägt diese Fassung den Bogen zwischen den Zwanzigern und heute. Der Stoff besticht durch zeitlose Aktualität: Im Mittelpunkt der Handlung steht die ungebremste Lebenslust und Kreativität eines jungen Menschen, der an Armut und lebensfeindlichen Umständen nach und nach zerbricht. Sowohl auf der Bühne als auch im Spiel wird alles vermieden, was den Stoff ins Nostalgische entrückt. Vor allem die Virtuosität und Spielfreudigkeit der Schauspielerin Antonia Bill lässt uns die Figur schnörkellos nahe kommen.

Im Landhaus von Rechtsanwalt Bassow und seiner Frau Warwara trifft sich eine privilegierte Runde: Ärzte, Schriftsteller, Fabrikanten, Ingenieure. Die gehobene Mittelschicht hat die Stadt verlassen, um den Sommer im Grünen zu verbringen. Sie haben Zeit, sie haben Geld und führen ein überwiegend angenehmes, sorgenfreies Leben. Und doch fühlen sie sich einsam und leer, sind von sich selbst ermattet und müde von ihren Freiheiten. Da helfen auch die diversen Bindungen, Verhältnisse und Freundschaften nicht weiter. Sie sehnen sich nach einer anderen Zukunft – mit erlösender Liebe und einer sinnhafteren Erde. Sie reden, streiten, lamentieren und diskutieren. Wie mit diesem Weltschmerz umgehen? Was für eine Realität anstreben? Wozu sich weiter hetzen und warum Ideale verfolgen? Welche Vision entwerfen? Warwara: „Dieses Abwägen, dieses Berechnen! Wir haben so eine Angst vor dem Leben! Was soll das? Wir versinken im Selbstmitleid!“

Maxim Gorki schrieb Sommergäste 1904, am Vorabend der Russischen Revolution. Laut eigener Aussage wollte er mit diesem Szenenreigen und Beziehungsgeflecht „die moderne bürgerlich materialistische Intelligenz darstellen“. Er zeigt eine bequem gewordene Gesellschaft, die sich ihrer selbst nicht mehr sicher ist und in der es ruhelos rumort. Eine umwälzende Zeitenwende wirft ihre Schatten voraus auf diese Sommergäste und ihre suchenden Seelen.

Wie in Gorkis Stück die Szenen abrupt ineinander übergehen, ja sich manchmal geradezu ins Wort fallen, agiert das Ensemble auch in Daniela Löffners hoch verdichteter, von immenser Binnenspannung und freudigem Vertrauen in die Erzählungskraft des Theaters getragener Inszenierung. In ihrer mit dem Dramaturgen David Heiligers erstellten Fassung überwiegt eine heutige Redeweise („Du solltest eine Therapie machen, Warja!“), die Kostüme von Eva Martin entsprechen der aktuellen Mode. Das freilich ist nur die niedrigschwellige Oberfläche, unter der diese großartig geschlossene Aufführung eine ganze Welt ausbreitet: als kunstvolle Einladung zum Mitdenken, Mitfühlen, Mitlernen und Mitgenießen. Frankfurter Allgemeine Zeitung

Im Landhaus von Rechtsanwalt Bassow und seiner Frau Warwara trifft sich eine privilegierte Runde: Ärzte, Schriftsteller, Fabrikanten, Ingenieure. Die gehobene Mittelschicht hat die Stadt verlassen, um den Sommer im Grünen zu verbringen. Sie haben Zeit, sie haben Geld und führen ein überwiegend angenehmes, sorgenfreies Leben. Und doch fühlen sie sich einsam und leer, sind von sich selbst ermattet und müde von ihren Freiheiten. Da helfen auch die diversen Bindungen, Verhältnisse und Freundschaften nicht weiter. Sie sehnen sich nach einer anderen Zukunft – mit erlösender Liebe und einer sinnhafteren Erde. Sie reden, streiten, lamentieren und diskutieren. Wie mit diesem Weltschmerz umgehen? Was für eine Realität anstreben? Wozu sich weiter hetzen und warum Ideale verfolgen? Welche Vision entwerfen? Warwara: „Dieses Abwägen, dieses Berechnen! Wir haben so eine Angst vor dem Leben! Was soll das? Wir versinken im Selbstmitleid!“

Maxim Gorki schrieb Sommergäste 1904, am Vorabend der Russischen Revolution. Laut eigener Aussage wollte er mit diesem Szenenreigen und Beziehungsgeflecht „die moderne bürgerlich materialistische Intelligenz darstellen“. Er zeigt eine bequem gewordene Gesellschaft, die sich ihrer selbst nicht mehr sicher ist und in der es ruhelos rumort. Eine umwälzende Zeitenwende wirft ihre Schatten voraus auf diese Sommergäste und ihre suchenden Seelen.

Wie in Gorkis Stück die Szenen abrupt ineinander übergehen, ja sich manchmal geradezu ins Wort fallen, agiert das Ensemble auch in Daniela Löffners hoch verdichteter, von immenser Binnenspannung und freudigem Vertrauen in die Erzählungskraft des Theaters getragener Inszenierung. In ihrer mit dem Dramaturgen David Heiligers erstellten Fassung überwiegt eine heutige Redeweise („Du solltest eine Therapie machen, Warja!“), die Kostüme von Eva Martin entsprechen der aktuellen Mode. Das freilich ist nur die niedrigschwellige Oberfläche, unter der diese großartig geschlossene Aufführung eine ganze Welt ausbreitet: als kunstvolle Einladung zum Mitdenken, Mitfühlen, Mitlernen und Mitgenießen. Frankfurter Allgemeine Zeitung

Rom im 14. Jahrhundert nach Christus: Der Papst ist im Exil in Avignon – und in der Ewigen Stadt befehden sich die einflussreichen Patrizierfamilien bis aufs Blut um die politische Vormachtstellung. In diesem chaotischen Machtvakuum versucht Cola Rienzi, eine historisch verbürgte Person, die alte römische Republik neu zu beleben. Er bringt das der Machtkämpfe müde Volk dazu, ihn als Volkstribun zu installieren, scheinbar beugen sich auch die verschiedenen Adelscliquen dem charismatischen Politiker. Rienzi hat den Gipfel seiner Macht erreicht, doch gelingt es ihm nicht, die verfeindeten Parteien hinter sich zu vereinen. Die Adeligen planen ein Mordkomplott und ziehen gegen ihn zu Felde – am Ende steht das Kapitol in Flammen.

Rienzi war der erste durchschlagende Erfolg Richard Wagners und zu seinen Lebzeiten sein meistgespieltes Werk. 1837 lernte der Komponist den Historienroman Rienzi, der letzte Tribun des englischen Schriftstellers Edward Bulwer-Lytton kennen und entschloss sich, diesen Stoff für eine Oper aufzugreifen, mit der er idealerweise die Pariser Oper erobern wollte. So wundert es nicht, dass sich die musikalische Konzeption an der Grand Opéra im Stil von Spontini, Meyerbeer oder Halévy mit ihren großen Chortableaus orientiert. In der eher traditionellen Nummerndramaturgie ist gleichwohl bereits die Handschrift des späteren Musikdramatikers Wagner erkennbar. Eine Realisierung in Paris erwies sich zu Wagners tiefer Enttäuschung als unmöglich, doch die Uraufführung an der Dresdner Hofoper am 20. Oktober 1842 wurde zu einem ungeheuren Publikumserfolg und zu einem ersten Triumph des Dichterkomponisten.

Rom im 14. Jahrhundert nach Christus: Der Papst ist im Exil in Avignon – und in der Ewigen Stadt befehden sich die einflussreichen Patrizierfamilien bis aufs Blut um die politische Vormachtstellung. In diesem chaotischen Machtvakuum versucht Cola Rienzi, eine historisch verbürgte Person, die alte römische Republik neu zu beleben. Er bringt das der Machtkämpfe müde Volk dazu, ihn als Volkstribun zu installieren, scheinbar beugen sich auch die verschiedenen Adelscliquen dem charismatischen Politiker. Rienzi hat den Gipfel seiner Macht erreicht, doch gelingt es ihm nicht, die verfeindeten Parteien hinter sich zu vereinen. Die Adeligen planen ein Mordkomplott und ziehen gegen ihn zu Felde – am Ende steht das Kapitol in Flammen.

Rienzi war der erste durchschlagende Erfolg Richard Wagners und zu seinen Lebzeiten sein meistgespieltes Werk. 1837 lernte der Komponist den Historienroman Rienzi, der letzte Tribun des englischen Schriftstellers Edward Bulwer-Lytton kennen und entschloss sich, diesen Stoff für eine Oper aufzugreifen, mit der er idealerweise die Pariser Oper erobern wollte. So wundert es nicht, dass sich die musikalische Konzeption an der Grand Opéra im Stil von Spontini, Meyerbeer oder Halévy mit ihren großen Chortableaus orientiert. In der eher traditionellen Nummerndramaturgie ist gleichwohl bereits die Handschrift des späteren Musikdramatikers Wagner erkennbar. Eine Realisierung in Paris erwies sich zu Wagners tiefer Enttäuschung als unmöglich, doch die Uraufführung an der Dresdner Hofoper am 20. Oktober 1842 wurde zu einem ungeheuren Publikumserfolg und zu einem ersten Triumph des Dichterkomponisten.